Dissertações/Teses

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2024
Dissertações
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  • MÔNICA MARIA DA SILVA
  • Mulheres Pedreiras e seus canteiros de obras Construção de uma tramaturgia a partir de memórias pessoais e narrativas femininas da Comunidade de Peixinhos – PE

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VALÉRIA ANDRADE
  • Data: 22/02/2024

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  • O objetivo deste trabalho é compartilhar os caminhos percorridos para a escrita de um texto teatral e seus processos de criação a partir de interações pessoais com a Vila das Mulheres Pedreiras, experiência pioneira de um grupo de mulheres que construiu suas próprias casas no bairro de Peixinhos, em Olinda–PE. Tendo testemunhado na infância o dia-a-dia daquela Vila, fui tocada por questões feministas, políticas e sociais presentes naquilo que, ainda hoje, pode ser encarado como apropriação de um espaço de trabalho predominantemente masculino. Mas antes de mergulhar neste processo de retroalimentação entre mim e a comunidade, lanço um olhar sobre dramaturgas que me precedem e são contemporâneas, em Pernambuco. Em seis destas autoras identifiquei conexões com pautas feministas e com meus caminhos de criação, selecionando e analisando uma obra de cada uma delas: Josephina Álvares de Azevedo (O voto feminino, 1890), Luciana Lyra (Guerreiras, 2009) e as da nova geração, Janaina Gomes (Mi Madre, 2019), Natali Assunção (Ainda Escrevo Para Elas, 2019), Agrinez Melo (Histórias Bordadas em Mim, 2016) e Andala Quituche (Sina, 2014). Quanto ao trajeto metodológico, utilizei a escrita performática de f(r)icção (Lyra, 2020) e às possibilidades de contemplar a criação artística no processo de pesquisa. Contei ainda com a abordagem artetnográfica (Lyra, 2011) para dar início à construção de uma dramaturgia sobre o universo da Vila, o jogo entre concretude e subjetividade nas dinâmicas do cotidiano daquelas mulheres, incluindo manifestações da memória, do sensível e do poético. Denominei como tramaturgias cotiDianas o texto, EU-Parto, ainda em processo de elaboração, por meio de uma escrita f(r)iccional, buscando abarcar a riqueza do caráter múltiplo e interativo dessas tramas/dramas pessoais que transitam entre passado, presente e futuro.


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  • The objective of this work is to share the paths taken to write a dramaturgy and its creation processes based on personal interactions with Vila das Mulheres Pedreiras, a pioneering experience of a group of women who built their own houses in the neighborhood of Peixinhos, in Olinda–PE. Having witnessed the day-to- day life of that village as a child, I was touched by feminist, political and social issues present in what, even today, can be seen as the appropriation of a predominantly male workspace. But before delving into this process between myself and the community, I take a look at playwrights who precede me and are contemporary, in Pernambuco. In six of these authors, I identified connections with feminist agendas and with my creative paths, selecting and analyzing a work by each of them: Josephina Álvares de Azevedo (O Voto Feminino, 1890), Luciana Lyra (Guerreiras, 2009) and those of the new generation, Janaina Gomes (Mi Madre, 2019), Natali Assunção (Ainda escrevo para elas, 2019), Agrinez Melo (Histórias Bordadas em Mim, 2016) and Andala Quituche (Sina, 2014). As for the methodological path, I used the performative writing of f(r)iction (Lyra, 2020) and the possibilities of contemplating artistic creation in the research process. I also relied on the artethnographic approach (Lyra, 2011) to begin the construction of a dramaturgy about the universe of Vila, the game between concreteness and subjectivity in the daily dynamics of those women, including manifestations of memory, the sensitive and the poetic. I called tramaturgia cotiDiana the text EU-Parto, still in the process of elaboration, through fictional writing, seeking to encompass the richness of the multiple and interactive character of these personal plots/dramas that move between past, present and future.

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  • NAZARÉ SODRÉ DA SILVA
  •  A RECEITA: PISANDO ALHO NO TEATRO NEGRO COM MULHERES NEGRAS

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • Luciene de Oliveira Dias
  • Data: 29/02/2024

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  • A dissertação, escrita em primeira pessoa, assume as características de uma escrita performática f(r)iccional (Lyra, 2020), possibilitando o exercício da encruzilhada (Martins, 1997) entre: o ciclo da violência doméstica ocorrido na minha vida familiar; o solo performático intitulado A Receita (Santos, 2010), que aborda a situação vulnerável de uma mulher negra em estado de revolta frente ao machismo estrutural e aspectos da obra Hibisco Roxo (Adichie, 2011).  A f(r)icção  (Lyra, 2011; 2015)  entre a vida que experienciou a violência e as obras que retratam violências, aliadas ao Tempo Espiralar (Martins, 2021), aproxima essas vertentes proporcionando espelhamentos que criam a atmosfera da vivência do passado, presente e futuro de forma simultânea, ao passo que também sustenta as nossas histórias por nós mesmas, como num aquilombamento  (Nascimento, 1985) e (Dias, 2022). Metodologicamente, além do caminho já apresentado, a pesquisa partirá de reflexões sobre teatro negro (Lima, 2011), (Barbosa, 2021) e feminismos negros (hooks, 2013), (Gonzalez, 1979;1984;2018}, (Collins, 2017), (Carneiro, 2003) assim como, pela via da prática, articulará apresentações do espetáculo A Receita na composição da pesquisa Performática (Fernandes, 2014) , com a realização da oficina intitulada Pisando    o Alho para mulheres negras da região metropolitana do Recife. Estas ações articuladas visam abrir sendas para as reflexões de como o teatro negro baseando-se numa poética do corpo e ancestralidade (Santos, 2015) pode  contrapor-se à violência proporcionando estímulo à cura social das mulheres negras.


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  • The first-person dissertation assumes the characteristics of a f(r)ictional performative writing (Lyra, 2020), enabling the exercise of crossroads (MARTINS, 1997) between: the cycle of domestic violence that occurred in my family life; The performative soil entitled Revenue (SANTOS, 2010), which addresses the vulnerable situation of a black woman in a state of revolt against structural machismo and aspects of the  Purple Hibiscus (Adichie, 2011). The      f(r)iction (Lyra, 2011; 2015) between the life that experienced violence and the works that portray violence, combined with spiral time (Martins, 2021), brings these strands closer to mirroring that create the atmosphere of the experience of the past , present and future simultaneously, while also sustaining our stories for ourselves, as in an Aquilombamento (Nascimento, 1985) and (Dias, 2022). Methodologically, the research will start from reflections on black theater (Lima, 2011), (Barbosa, 2021) and black feminisms (hooks, 2013), (Gonzalez, 1979; 1984; 2018}, (Collins, 2017 ), (CARNEIRO, 2003) As well as, by way of practice, will articulate presentations of the show A Receita in the composition of the Performic Research (Fernandes, 2014), with the workshop entitled by Pisando o Alho for black women from the Recife Metropolitan Region. These articulated actions aim to open paths for the reflections on how black theater based on a body poetics and ancestry (Santos, 2015) can counteract violence by providing stimulation of the social healing of black women.

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  • MARCO AURÉLIO PLÁ GIL
  • Relatos de uma experiência com o Núcleo de Criação da Teatraria ao Cubo: a composição do espetáculo Casa Cheia

  • Orientador : ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • STELA REGINA FISCHER
  • Data: 19/03/2024

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  • Esta pesquisa investiga um processo criativo e uma prática pedagógica teatral, tendo como objeto a experiência realizada com o Núcleo de Criação da Teatraria ao Cubo: a composição do espetáculo Casa Cheia. Como problema central, busco compreender como aconteceu esse processo artístico-pedagógico e, então, descobrir como fui afetado por essa experiência. Guiado por procedimentos de uma pesquisa participante, refaço o percurso da prática pedagógica teatral por meio de relatos sobre o processo e com o intuito de buscar respostas para as problemáticas deste estudo. No início desse trajeto era esperado encontrar dificuldades, o que se confirmou, uma vez que esta experiência se destaca por ser o primeiro processo criativo da Teatraria ao Cubo após um longo período de isolamento social devido à pandemia de COVID-19. Além dos desafios esperados devido a esta conjuntura, haviam os desafios profissionais de este ser o primeiro trabalho orientando um processo criativo pelo viés colaborativo, com a produção de uma dramaturgia com autoria compartilhada na escola na qual atuo como professor e diretor de teatro. Para atender às demandas da pesquisa, tornou-se necessário buscar referenciais teórico-práticos para condução do processo, assim como procedimentos para criação da dramaturgia e da composição do espetáculo. A partir desta investigação, foi utilizado o  treinamento com os Six Viewpoints, técnica sistematizada pela artista estadunidense Mary Overlie e reestruturada posteriormente, apenas como “Viewpoints” pelas diretoras de mesma origem, Anne Bogart e Tina Landau. Deste sistema, a ferramenta de “Composição” foi o principal instrumento para ativação do processo criativo. Em dialógo com essa proposta, destaco as vozes de Miriam Rinaldi, Maurice Halbwachs, Patricia Leonardelli, Renato Ferracini e Matteo Bonfitto. As descobertas dessa pesquisa apontam caminhos e indicadores para a condução de processos artísticos-pedagógicos em teatro, sobretudo aqueles que visam a criação através da composição, da prática colaborativa e da experimentação de uma dramaturgia de autoria compartilhada.


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  • This research investigates a creative process and a theatrical pedagogical practice, taking as its object the experience carried out with the Creation Centre of Teatraria ao Cubo: the composition of the play Casa Cheia. As a central problem, I seek to understand how this artistic-pedagogical process took place and then discover how I was affected by this experience. Guided by participant research procedures, I retrace the path of the theatre pedagogical practice through reports on the process and with the aim of finding answers to the problems of this study. At the beginning of this journey, I expected to encounter difficulties, which was confirmed, since this experience stands out for being Teatraria ao Cubo's first creative process after a long period of social isolation due to the COVID-19 pandemic. In addition to the challenges expected due to this situation, there were the professional challenges of this being the first work guiding a creative process through a collaborative approach, with the production of a dramaturgy with shared authorship at the school where I work as a teacher and theatre director. In order to meet the demands of the research, it became necessary to look for theoretical and practical references for conducting the process, as well as procedures for creating the dramaturgy and the composition of the spectacle. Based on this research, training was used with the Six Viewpoints, a technique systematised by American artist Mary Overlie and later restructured as "Viewpoints" by directors of the same origin, Anne Bogart and Tina Landau. From this system, the "Composition" tool was the main instrument for activating the creative process. In dialogue with this proposal, I highlight the voices of Miriam Rinaldi, Maurice Halbwachs, Patricia Leonardelli, Renato Ferracini and Matteo Bonfitto. The findings of this research point to paths and indicators for conducting artistic-pedagogical processes in theatre, especially those aimed at creation through composition, collaborative practice and experimentation with a dramaturgy of shared authorship.

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  • ANDRÉ DE PAIVA CAVALCANTI ALENCAR
  • ESTADO BUFÃO: UM CORPO TRANSGRESSOR, FESTIVO E LÚDICO

  • Orientador : ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MARIA BEATRIZ MENDONÇA
  • Data: 05/04/2024

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  • Esta pesquisa aborda o estado bufão na poética da cena, traçando relatos da minha experiência junto ao Teatro Bissexto (Recife-PE) no processo de construção dos bufões e das bufonas para a montagem do espetáculo Ubu Rei ou a revolta dos coadjuvantes (2018-2022). Parte das reflexões sobre o lugar da bufona e do bufão na sociedade, a partir da acepção do termo, sobre a ética na performance bufa, bem como acerca das problematizações atualmente levantadas sobre as técnicas desenvolvidas por Jacques Lecoq e Philippe Gaulier. Considerando as implicações das referidas técnicas em nosso processo criativo, tentamos dimensionar, a partir desta pesquisa, o estado bufão e perceber na corporeidade bufa seus vieses cômico, lúdico e grotesco. Este trabalho é um percurso cartográfico, um composto de atravessamentos e trocas de afetos, que estabelece diálogos com outras artistas, pesquisadoras, pesquisadores, e conta com o aporte teórico de Bakhtin (2010), Bergson (2018), Kayser (2013), Lopes (2005; 2017), Minois (2003), dos pedagogos franceses supramencionados, dentre outros.


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  • This research approaches the buffoon state in the poetics of the stage, tracing my experience with Teatro Bissexto (Recife-PE) in the process of building the buffoons and buffonas for the production of the play Ubu Rei ou a revolta dos coadjuvantes (2018-2022). It starts from reflections about the place of the buffoon in society, from the meaning of the term, on ethics in buffa performance, as well as on the problematizations currently raised about the techniques developed by Jacques Lecoq and Philippe Gaulier. Considering the implications of these techniques in our creative process, we have tried to dimension the buffoon state and perceive its comic, playful and grotesque aspects in the buffa corporeality. This work is a cartographic journey, a composite of crossings and exchanges of affections, which establishes dialogues with other artists, researchers, and relies on the theoretical work of Bakhtin (2010), Bergson (2018), Kayser (2013), Lopes (2005; 2017), Minois (2003), the aforementioned French pedagogues, among others.

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  • JOSÉ WALTER ALMEIDA SÁ
  • (AN)DANCAS NEGRAS COMO PERCURSO PEDAGOGICO NOS PROCESSOS CRIATIVOS DE ARTE-EDUCAR

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • Data: 10/06/2024

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  • Esta pesquisa investiga princípios de processos criativos em arte-educação, que emergem em práticas artístico-pedagógicas com danças negras na escola, em suas relações entre corpo-memória (Fonseca, 2020), corpo-território (Miranda, 2022) e corpo-tela (Martins, 2022), junto à metodologia somático-performativa (Fernandes,2014). Realizada numa turma de estudantes do 9º ano do Ensino Fundamental da Escola Municipal Celestino Pimentel (Natal-RN), a pesquisa seguiu em meio a um processo contracolonial (Santos, 2023), desaguando pelas danças negras como principal movente de uma pedagogia centrada no corpo e na imersão de suas confluências, que se revelam como princípios possíveis de processos criativos em arte-educação, e se desdobram numa reflexão acerca da escola como um lugar de ampliação, inventividades e possibilidades contra-hegemônicas, rediscutindo-se principalmente o papel antirracista da arte-educação.


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  • This research investigates principles of creative processes in art education that emerge in artistic-pedagogical practices with black dances at school, in their relationships between body-memory (Fonseca, 2020), body-territory (Miranda, 2022) and body-screen (Martins, 2022), along with the somatic-performative methodology (Fernandes, 2014). Carried out in a class of students in the 9th year of Elementary School at Escola Municipal Celestino Pimentel (Natal-RN), the research continued in the midst of a countercolonial process (Santos, 2023), leading to black dances as the main driver of a pedagogy centered on the body and in the immersion of their confluences, which reveal themselves as possible principles of creative processes in art education, and unfold in a reflection on the school as a place of expansion, inventiveness and counter-hegemonic possibilities, rediscussing mainly the anti-racist role of art education.

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  • DENNIS EMANOEL XAXÁ DA SILVA
  • DO VERSO AO SUBVERSO: AULA-PERFORMANCE E OS SEUS DESLOCAMENTOS POÉTICOS

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • KEILA FONSECA E SILVA
  • Data: 31/07/2024

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  • Ser um arte-educador que nunca esteve satisfeito com a realidade escolar me fez analisar a minha trajetória escolar e acadêmica, e a partir dessas experiências percebi que estamos vivendo em um “verso” escolar engessado, quadrado e que não acolhe manifestações artísticas e as subjetividades das partes envolvidas no processo de educar. O objetivo desta pesquisa é cartografar deslocamentos poéticos provocados em um ambiente escolar a partir de práticas performativas que subvertem os espaços e os sentidos de escola, de aula, de estudante e professor. Para isso, foram desenvolvidos experimentos performativos em uma turma do 1° ano do Ensino Médio integrado ao Técnico em Edificações do IFRN - Campus Mossoró. A inspiração na cartografia como método de pesquisa evidenciou pontos importantes deste percurso pedagógico, em diálogo com discussões relativas à subversão (Teixeira, 2019), deslocamento poético, transpedagogia (Helguera, 2011), professor-performer (Ciotti, 2014), aula em fluxo (Oliveira Junior, 2013), orientação emancipatória (Ranciére, 2002), skholé (Masschelein; Simons, 2014), errância (Kohan, 2016), programa performativo (Fabião, 2013), aula-performance e pesquisador do chão da escola. O estudo desse aporte teórico e a investigação por meio da experiência me leva a defender a ideia que a aula-performance cria deslocamentos poéticos que permitem que o subverso da escola emerja.


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  • Being an art educator who was never satisfied with the school reality made me analyze my school and academic trajectory, and from my experiences, I realized that we are living in a rigid, square school “verse” that does not welcome artistic and the subjectivities of the parties involved in the education process. The objective of this paper is to map poetic-displacements provoked in a school environment through performative practices that subvert the spaces and meanings of school, class, student and teacher. Performative experiments were developed with a 1st year high school class integrated with the Construction Technician at IFRN - Mossoró Campus. Cartography as a research method was a highlight important points of this pedagogical path, and from it with discussions about subversion (Teixeira, 2019), poetic-displacement, transpedagogy (Helguera, 2011), teacher-performer (Ciotti, 2014), class in flow (Oliveira Junior, 2013), emancipatory orientation (Ranciére, 2002), skholé (Masschelein; Simons, 2014), errantry (Kohan, 2016) performance-class and performative program (Fabião, 2013). The study of this theoretical contribution and the investigation through experience, leads me to defend the idea that the performance- class creates poetic displacements that allow the subverse of the school to emerge.

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  • GABRIEL ANGELO DE LUNA SILVA
  • Entremeios Poeticos: Imersao no Reisado do Mestre Tico Barbosa e as Guerreiras da Mestra Lucia Guerreira

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • ANDRE CARRICO
  • FLAVIO DE CAMPOS BRAGA
  • Data: 31/07/2024

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  • Entremeios Poéticos propõe uma imersão no território poético dos entremeios Boi e Jaraguá presentes no Reisado São Francisco (Mestre Tico Barbosa) e a batalha de espadas presente nas Guerreiras Santa Lúcia (Mestra Lúcia Guerreira). Para tal, procurou-se estabelecer um território de aprendizagem, tendo como matrizes poéticas os processos de transmissão nos terreiros dos Mestres e as memórias evocadas por estas nos processos de transmissão. Através do campo epistemológico proposto pela Etnocenologia baiana de Armindo Jorge de Carvalho Bião (2009; 2011) buscou-se dialogar com os conceitos de matrizes estéticas e trajeto, considerando a interseção entre o teatro e as tradições da região do Cariri. Deste modo, por meio dos processos de ensino e aprendizagem nos terreiros brincantes da Mestra Lúcia Guerreira e do Mestre Tico Barbosa chegou-se a um experimento cênico intitulado de Entremeios Poéticos (2024).


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  • "Entremeios Poeticos" proposes an immersion into the poetic realm of the Boi and Jaragua interludes present in Reisado Sao Francisco (led by Mestre Tico Barbosa) and the sword battles featured in Guerreiras Santa Lucia (led by Mestra Lucia Guerreira). To achieve this, an educational space was established, drawing on the poetic frameworks of the masters' transmission processes and the memories evoked by these processes. Utilizing the epistemological approach of Bahian Ethnocenology proposed by Armindo Jorge de Carvalho Biao (2009; 2011), the project engaged with concepts of aesthetic matrices and trajectories, considering the intersection of theater and the traditions of the Cariri region. Thus, through the teaching and learning processes in the playful terreiros of Mestra Lucia Guerreira and Mestre Tico Barbosa, a theatrical experiment titled "Entremeios Poeticos" (2024) was developed.

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  • JANYELSON FIRMINO FERNANDES BARBOSA
  • O SURTO COMO CRIAÇÃO: INTERFACES ENTRE O TRANSTORNO BIPOLAR E AS ARTES CÊNICAS NO PROCESSO CRIATIVO DE “ESPECTRO”

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • Data: 23/08/2024

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  • Este trabalho de mestrado estuda as interfaces entre as Artes Cênicas e o Transtorno Afetivo Bipolar através da análise do processo criativo “Espectro”, desenvolvido pelo autor desta dissertação enquanto atravessava seu primeiro surto maníaco. Usando a Prática como Pesquisa como metodologia principal, o estudo busca mapear a poética cênica de um ator-criador bipolar, os desdobramentos práticos e as particularidades do processo. Numa escrita performativa, a reflexão se organiza em dois momentos: depoimentos autobiográficos do autor justapostos à autobiografia da psiquiatra Kay Redfield Jamison (1996), relatando passagens de suas vidas com a bipolaridade; e a descrição dos laboratórios práticos, vivências e estudos, analisando a construção do processo criativo “Espectro” no Teatro, na Performance e na vida. Esta investigação vislumbra a possibilidade de traçar ligações entre a criatividade na bipolaridade e também nas Artes Cênicas, tornando-se uma referência para artistas bipolares na cena contemporânea, além de ser um exemplo singular de como a arte e a vida podem estar interligadas e borrar suas fronteiras em processos de criação. Através do autoconhecimento e do borrão das fronteiras da arte-vida na contemporaneidade, se propõe um novo olhar, numa ótica neurodivergente, para a pesquisa artístico-acadêmica, que convida a transformar limitações em potências em relação ao TAB.


  • Mostrar Abstract
  • This master's thesis studies the interfaces between the Performing Arts and Bipolar Affective Disorder through the analysis of the creative process “Espectro”, developed by the author of this dissertation while going through his first manic episode. Using Practice as Research as the main methodology, the study seeks to map the scenic poetics of a bipolar actor-creator, the practical developments and the particularities of the process. In a performative writing, the reflection is organized in two moments: autobiographical testimonies of the author juxtaposed with the autobiography of psychiatrist Kay Redfield Jamison (1996), reporting passages of his life with bipolarity; and the description of the practical laboratories, experiences and studies, analyzing the construction of the creative process “Espectro” in Theater, Performance and in life. This research envisages the possibility of drawing connections between creativity in bipolarity and also in the Performing Arts, becoming a reference for bipolar artists in the contemporary scene, in addition to being a unique example of how art and life can be interconnected and blur their boundaries in creative processes. Through self-knowledge and the blurring of the boundaries between art-life in contemporary times, a new look is proposed, from a neurodivergent perspective, for artistic-academic research, which invites us to transform limitations into strengths in relation to BAD.

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  • JOELMA FERREIRA DA SILVA
  • Dos Sentidos ao Multissensorial: um percurso no teatro a partir da ausência da visão

  • Orientador : JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • MÔNICA VIANNA DE MELLO
  • Cecília Lauritzen Jácome Campos
  • CARLOS ALBERTO FERREIRA DA SILVA
  • Data: 27/08/2024

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  • O foco deste estudo está centrado em explorar o Teatro Multissensorial, percorrendo um itinerário de experimentação e de descobertas de práticas teatrais suprimindo a visão, culminando na montagem (2019) e remontagem (2022) do espetáculo SonhAlice, inspirado em obras de Lewis Carroll (1832-1898). Buscamos analisar as ferramentas multissensoriais acessíveis relacionadas à presença/ausência da visão na cena teatral, bem como compreender as percepções dos espectadores para aprimorar a técnica e contribuir para estudos na área de acessibilidade teatral. Como fundamentação metodológica, adotamos a Pesquisa Performativa de Brad Haseman (2015), sendo esta guiada-pela-prática. O percurso reflexivo construído se organiza, tendo como referências as experiências construídas no período da Licenciatura em Teatro, da Universidade Regional do Cariri (URCA) e no Projeto de Extensão Teatro e não Vidência da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN), já no contexto da Pós-Graduação em Artes Cênicas (PPGARC). Como resultado, implementamos a audiodescrição no contexto do Teatro Multissensorial, o que resultou em um aprimoramento na acessibilização da preparação do elenco e recepção cênica com e sem pessoas com deficiência visual.


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  • The focus of this study is centered on exploring Teatro Sensorial, following an itinerary of experimentation and discoveries of theatrical practices with or without the leading of vision, culminating in the staging (2019) and remounting (2022) of the spectacle SonhAlice, inspired by the work of Lewis Carroll (1832-1898). We seek to analyze accessible multisensory tools related to the presence/absence of vision in the theatrical scene, as well as understand spectators' perceptions to improve the technique and contribute to studies in the area of theatrical accessibility. As a methodological foundation, we adopted Brand Hanseman's Performative Research (2015), which is guided-by-practice. The reflective path constructed is organized, taking as references the experiences built during the period of the degree in theater, at the Universidade Regional do Cariri (URCA) and in the Teatro e não Vidência Extension Project of the Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN), already in the context of the Pós-Graduação em Artes Cênicas (PPGARC). As a result, we implemented audio description in the context of Teatro Sensorial, which resulted in an improvement in the accessibility of cast preparation and stage reception.

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  • ROBERTA ALVES BARBOSA
  • ARTESANIAS: Processos de criação de um corpo-território HOMOSERIDOENSE

  • Orientador : LARA RODRIGUES MACHADO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • VICTOR HUGO NEVES DE OLIVEIRA
  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • Data: 06/09/2024

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  • Os registros compartilhados documentam os processos artísticos e educacionais envolvidos na criação de um corpo-território HOMOSERIDOENSE. Estes escritos emergem de um corpo feminino, sertanejo, inquieto e explorador, que se transforma em arte através das paisagens e experiências do Sertão do Seridó Potiguar, região localizada no interior do Rio Grande do Norte. O estudo é inspirado na imersão e no compartilhamento de sentimentos autobiográficos, com o propósito de irradiar os conhecimentos e tradições da minha comunidade, especialmente para estudantes que, como eu, migraram do interior para a capital em busca de melhores oportunidades.

    Como artista da cidade seridoense de Acari, mergulho profundamente nas dinâmicas culturais, históricas, ancestrais, políticas e sociais da região, mantendo-me aberta a novos aprendizados sobre as histórias e manifestações locais. Este processo de desenvolvimento é moldado pelos encontros, interações e experiências, refletindo as lutas e as nuances das vidas e poéticas sertanejas das mulheres do Seridó.


  • Mostrar Abstract
  • The records shared document the artistic and educational processes involved in the creation of a HOMOSERIDOENSE body-territory. These writings emerge from a female, sertanejo, restless and exploratory body, which is transformed into art through the landscapes and experiences of the Sertão do Seridó Potiguar, a region located in the interior of Rio Grande do Norte. The study is inspired by the immersion and sharing of autobiographical feelings, with the aim of radiating the knowledge and traditions of my community, especially to students who, like me, have migrated from the countryside to the capital in search of better opportunities.

    As an artist from the city of Acari, I immerse myself deeply in the cultural, historical, ancestral, political and social dynamics of the region, keeping myself open to new learning about local histories and manifestations. This development process is shaped by encounters, interactions and experiences, reflecting the struggles and nuances of Seridó women's lives and poetics..

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  • JANIELLE NÁLIJA NASCIMENTO DE ALCÂNTARA
  • CAMINHOS DANÇANTES: TRADIÇÕES CABEDELENSES POR VOZES TERRITÓRIO.

     

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • ANDRE CARRICO
  • JONAS DE LIMA SALES
  • Data: 19/09/2024

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  • A dança é uma forma de expressão artística fundamental na cultura popular, desempenhando um papel essencial na comunicação social e na expressão de sentidos e significados coletivos. O objetivo principal deste trabalho foi investigar algumas das danças populares da cidade de Cabedelo - PB, com a intenção de contribuir para a produção cultural, histórica e acadêmica. A pesquisa procurou documentar essas manifestações de maneira escrita, visual e poética, integrando relatos de mestres e mestras da cidade e expandindo o acervo bibliográfico sobre a cultura cabedelense, oferecendo uma perspectiva própria do território. Houve contato direto com os mestres das diversas áreas de atuação e envolvimento com a dança popular em Cabedelo (PB), uma cidade notoriamente rica em manifestações culturais. O processo investigativo incluiu visitas e entrevistas presenciais, fundamentais para captar a essência e a evolução das práticas e tradições locais. As entrevistas com os mestres permitiram explorar as origens, técnicas e significados das danças populares, indicando como essas tradições são transmitidas e preservadas ao longo das gerações, bem como uma visão detalhada das dinâmicas e desafios enfrentados pelos grupos locais. O estudo foi dividido em três capítulos distintos. O primeiro capítulo aborda a história de Cabedelo, contextualizando a cidade e suas tradições culturais. O segundo capítulo explora as danças e a resistência cultural, com foco no Coco de Roda, Boi Formoso e Lapinha, analisando como essas manifestações se mantêm vivas e enfrentam desafios. O terceiro e último capítulo examina as danças populares cabedelenses em um panorama mais amplo, discutindo seu papel na identidade cultural da região e a importância de sua preservação. Discutir as Danças Populares de Cabedelo (PB) é um desafio que exige uma compreensão abrangente e enriquecedora das tradições culturais da cidade. O estudo vai além de um olhar descritivo sobre as danças populares e considera também a perspectiva daqueles que as preservam e transmitem. As diversas manifestações culturais da região ressaltam a importância das danças populares como um componente vital da identidade cultural local. Este trabalho representa um passo significativo para a conscientização e o reconhecimento das tradições culturais de Cabedelo, oferecendo uma base para futuras pesquisas e iniciativas que visem promover e manter vivas essas práticas, essenciais para a identidade e o legado cultural da região.


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  • Dance is a fundamental form of artistic expression in popular culture, playing a crucial role in social communication and the expression of collective meanings and senses. The primary objective of this work was to investigate some of the popular dances in the city of Cabedelo - PB, with the intent of contributing to cultural, historical, and academic production. The research aimed to document these manifestations in written, visual, and poetic forms, integrating accounts from masters and mistresses of the city and expanding the bibliographic collection on Cabedelo's culture, offering a unique perspective of the territory. There was direct contact with the masters in various areas of performance and involvement with popular dance in Cabedelo (PB), a city notably rich in cultural manifestations. The investigative process included visits and in-person interviews, which were fundamental in capturing the essence and evolution of local practices and traditions. The interviews with the masters allowed for the exploration of the origins, techniques, and meanings of popular dances, indicating how these traditions are transmitted and preserved across generations, as well as providing a detailed view of the dynamics and challenges faced by local groups. The study was divided into three distinct chapters. The first chapter addresses the history of Cabedelo, contextualizing the city and its cultural traditions. The second chapter explores dances and cultural resistance, focusing on Coco de Roda, Boi Formoso, and Lapinha, analyzing how these manifestations remain alive and face challenges. The third and final chapter examines the popular dances of Cabedelo from a broader perspective, discussing their role in the cultural identity of the region and the importance of their preservation. Discussing the Popular Dances of Cabedelo (PB) is a challenge that requires a comprehensive and enriching understanding of the city's cultural traditions. The study goes beyond a descriptive look at popular dances and also considers the perspective of those who preserve and transmit them. The various cultural manifestations in the region highlight the importance of popular dances as a vital component of the local cultural identity. This work represents a significant step towards the awareness and recognition of Cabedelo's cultural traditions, providing a foundation for future research and initiatives aimed at promoting and keeping these practices alive, which are essential to the identity and cultural legacy of the region.

2023
Dissertações
1
  • VERÔNICA EULÁLIA DE MEDEIROS
  • A criação de Gorete do Cacete: As giras e o corpo brincante do chão batido seridoense

  • Orientador : LARA RODRIGUES MACHADO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • Data: 03/04/2023

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  • A proposta metodológica “Jogo da Construção Poética”, concebida pela orientadora desse trabalho, alicerçou o processo da pesquisa inspirando a autora para a criação da personagem “Gorete do Cacete”. Essa proposta proporcionou ampliar conceitos enrijecidos e técnicos, alcançar o campo do sensível, e assim, do jogo da capoeira nasceram danças da vida, por meio de referências culturais afro-pindoramicas, e seus saberes corporificados. Dialogando com outras autorias, saúda a ancestralidade de um povo que veio antes de nós e que tem suas histórias de vida assentadas no fazer corporificado e com chão no sertão do Seridó no Rio Grande do Norte. Dessa maneira, por meio das histórias do passado, descobertas corporais escritas no presente e das projeções desses saberes corporificados como continuidade das giras vividas, essa escrita é poética, almejando reverberar no tempo e espaço de várias pessoas formando o que a autora denomina de “pesquisa continuidade”. As comunidades que ampararam o desenvolvimento dessa pesquisa foram comunidades de Povos de Terreiro, Ilê Axé Afinká - Macaíba/RN, Ilê Axé Odé Layó - Açu/RN, Casa de Jurema Maria Bigode - Macaíba/RN, e comunidades em campos de pesquisas nas terras baianas, sergipanas, potiguares e as comunidades acadêmicas, da UFRN e da UFSB.


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  • The dissertation, entitled “Gorete do Cacete and the creation of the artistic scene: the giras and the performing body in the backlands ground”, reflects on the process of scenic creation developed by the author of the text, based on the investigations of personal and artistic memorial around traditional and ancestral knowledge, from different communities with which she lived during a long journey, which also precedes the path of this master’s degree. The methodological proposal “Jogo da Construção Poética” (Poetic Construction Play), conceived by this work’s supervisor, grounded the research process, inspiring the author to create the character “Gorete do Cacete”. This proposal allowed for the expansion of rigid and technical concepts, reaching the sensitive field, and thus, from the game of capoeira, dances of life were born, through their own cultural references afro-pindoramicas and their corporal knowledge. In dialogue with other authorships, it salutes the ancestry of a people that came before us and that has its life stories based on the embodied and grounded doing in the sertão of the Seridó in Rio Grande do Norte. In this way, through the stories of the past, bodily discoveries written in the present, and the projections of this embodied knowledge as continuity of the giras lived, this writing is poetic, aiming to reverberate in he time and space of several people forming what the author calls “research continuity”. The communities that supported the development of this research were the communities of Povos de Terreiro (Terreiro people), Ilê Axé Afinká - Macaíba/RN, Ilê Axé Odé Layó - Açu/RN, Casa de Jurema Maria Bigode - Macaíba/RN, and communities in research fields in the lands of Bahia, Sergipe, Rio Grande do Norte and the academic communities of UFRN and UFSB.

2
  • AGRINEZ DIANA DE MELO
  • A POÉTICA MATRICIAL DOS ORIXÁS E ENCANTADOS: O ARA RITUAL MULHER PRETA NO TEATRO ANCESTRAL

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FERNANDA JÚLIA BARBOSA
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 05/04/2023

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  • O trabalho reflete sobre as potencialidades do ara (corpo) de mulher preta em representação para criação de um caminho de protagonismo e autonomia artística a partir do reconhecimento ancestral. Partindo da necessidade em encontrar referências de representatividade de mulher negra na academia e nos palcos, a ancestralidade, o candomblé e o teatro, surgem como fonte e meio para criação de uma dramaturgia corporal centrada na energia dos Orixás e Encantados. Estas ações de poder refletem na construção de novas narrativas, evidenciadas através dos espetáculos teatrais: Ombela, Histórias Bordadas em Mim e de uma vivência formativa centrada na Poética Matricial dos Orixás. O objetivo da escrita é criar possibilidades de diálogos entre a valorização da ancestralidade, de matriz africana e suas influências no teatro contemporâneo, interligando o teatro físico e o ritualístico na construção cênica. A escrita leva em consideração os caminhos de aprendizado através do acolhimento e respeito à matriz originária africana e indígena. Os escritos contribuem para apontar caminhos de decolonização do ara de mulher preta no teatro.


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  • The work reflects on the potential of the ara (body) of a black woman in representation for the creation of a path of protagonism and artistic autonomy based on ancestral recognition. Based on the need to find references to the representation of black women in academia and on stage, ancestry, candomblé and theater emerge as a source and means for creating a body dramaturgy centered on the energy of the Orixás and Encantados. These actions of power reflect in the construction of new narratives, evidenced through the theatrical shows: Ombela, Histórias Bordadas em Mim and a formative experience centered on the Matrix Poetics of the Orixás. The purpose of the writing is to create possibilities for dialogue between the appreciation of ancestry, of African origin and its influences on contemporary theater, linking physical and ritual theater in the scenic construction. Writing takes into account the learning paths through welcoming and respecting the African and indigenous origins. The writings contribute to point out ways of decolonization of the ara of a black woman in the theater.

3
  • RAQUEL GUEDES DE MEDEIROS
  • MÃE SELVAGEM: TRAMAS ENTRE O MITO DE LILITH E O MITO DA GRANDE MÃE, NUMA CENA FEMINISTA

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 29/05/2023

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  • Parto do entrecruzamento do Mito de Lilith e do Mito da Grande Mãe, narrativas que juntas desenham a minha mitologia pessoal (FEINSTEIN; KRIPPNER,1992). F(r)icciono (LYRA, 2011ab, 2014, 2015, 2019, 2021) essas mitologias numa proposição cênica, gerando questionamentos acerca de como as mulheres vêm sendo contadas historicamente. Proponho reflexões a partir do movimento feminista, que tem provocado transformações na (re)existência de nós mulheres e se feito presente de forma ativa nas mais diversas áreas da sociedade, inclusive nas artes. Fecundo a minha pesquisa na Mitodologia em Arte (2011), um caminho de criação artística, cunhado pela professora Luciana Lyra, fazendo emergir descobertas sobre mim mesma na relação com o meio Artetnografado (LYRA, 2011), a partir das minhas próprias experiências, num desvelar de acontecimentos que, durante o processo de criação cênica, vamos dando significado ou ressignificando. E assim, como resultado da trama dos dois mitos, do processo criativo nasce a Mãe Selvagem, uma parição artística, política e subversiva.


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  • I start from the intersection of the Myth of Lilith and the Myth of the Great Mother, narratives that combined draw my personal mythology (FEINSTEIN; KRIPPNER, 1992). I f(r)iction (LYRA, 2011ab, 2014, 2015, 2019, 2021) these mythologies in a scenic proposition, raising questions about how women have been historically. I propose reflections from the feminist movement, which has caused changes in the (re)existence of us women and has been actively present in the most diverse areas of society, including the arts. I fecund my research in Mythodology in Art (2011), a path of artistic creation, coined by Professor Luciana Lyra, bringing out discoveries about myself in the relationship with the Artethnographed environment (LYRA, 2011), based on my own experiences, in a unveiling of events that, during the process of scenic creation, we will been giving signify or resignifying. And so, as a result of the plot of the two myths, from the creative process is born the Wild Mother, an artistic, political and subversive parturition.

4
  • ERIKA RAYANE SILVA DE LIMA
  • DIÁLOGO ENTRE DANÇAS: corpo vivo, corpo vivido

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALYSSON AMANCIO DE SOUZA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 09/06/2023

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  • Escrever sobre dança é contribuir para a construção de narrativas sobre nossa história enquanto artista e professora. É um desaguar de atravessamentos e afetamentos que a arte nos propõe, através de relatos de experiências. É um desdobramento que nos permite captar imagens de nossas memórias. A presente pesquisa é, antes de tudo, um convite ao leitor a refletir sobre as pontes que seu corpo e sua arte podem construir através do diálogo entre as danças, e as potencialidades que podem surgir através dessas relações, sobretudo a construção de conhecimentos. A pesquisa teve como objetivo compreender possíveis relações entre o Ballet Clássico e as Danças Populares da cidade de Cabedelo (PB), sendo feita a investigação dessa natureza dialógica a partir do meu mundo vivido, do espetáculo Marbelo do coletivo Balé Popular de Cabedelo e através de relatos de entrevistadas. Para tanto, utilizamos da abordagem fenomenológica, fundamentada em Merleau-Ponty, Jorge Larrosa, André Lepecki, Laurence Loupper, Teodora Alves e Alysson Amâncio, para o desvelar do fenômeno e chegamos à seguinte compreensão: que é possível estabelecer uma linha tênue entre vertentes artísticas, sendo a dança, em destaque nesta pesquisa. Contudo, ao relacionar diferentes técnicas de dança, se faz necessário um estudo e um reconhecimento dessas culturas, a partir de suas historicidades, fazendo uma reflexão para saber que relação é essa que está sendo construída. Sejam elas aproximadas ou distintas, cada cultura tendo suas histórias preservadas, dessa forma, refletindo se, de fato, está acontecendo uma prática multicultural ou mais uma reprodução de uma prática de apropriação de saberes. Essa reflexão é um processo de construção duradoura e gradativa, levando até mesmo gerações para ser construída. Esse texto é mais uma semente lançada e um convite à reflexão de nossas práticas como artistas que buscam a diversidade e hibridização de seus corpos e seus movimentos.


  • Mostrar Abstract
  • To write about dance is to contribute to the construction of narratives about our history as artists and teachers. It is an unraveling of the crossings and affections that art proposes to us through reports of experiences. It is an unfolding that allows us to capture images of our memories. The present research is, above all, an invitation to the reader to reflect about the bridges that his body and his art can build through the dialogue between dances, and the potentialities that can arise through these relations, especially the construction of knowledge. The research aimed at understanding possible relationships between classical ballet and popular dances in the city of Cabedelo (PB). The investigation of this dialogical nature was done based in my lived world, in the performance Marbelo from the Balé Popular de Cabedelo collective, and through reports from interviewees. We used a phenomenological approach, based on Merleau-Ponty, Jorge Larrosa, André Lepecki, Laurence Loupper, Teodora Alves and Alysson Amâncio, to unveil the phenomenon and arrived at the following understanding: when relating different dance techniques, it is necessary to study and recognize these cultures, based on their historicities, reflecting to know which relationship is being built. Whether they are close or distinct, each culture having its histories preserved, thus reflecting if, in fact, a multicultural practice is taking place or if it is more a reproduction of a practice of knowledge appropriation. This reflection is a process of long-lasting and gradual construction, taking even generations to be built. This text is another seed that has been sown and an invitation to reflect on our practices as artists who seek diversity and hybridization of their bodies and movements.

5
  • PAULINO TCHILOIA BIMBA LUNONO
  • Corporeidade materna: um conto da trajectória pessoal e reflexões sobre o corpo em arte

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSÉ KATITO
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 26/06/2023

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  • Num mundo arrebatado pela globalização/universalismo, como discurso, negando assim as
    particularidades/diversidade de lugares e pessoas, este trabalho fundamenta a necessidade de
    se olhar para as singularidades. A maior parte dos estudos culturais, no quesito da identidade,
    se concentra(ra)m na hibridação das culturas, olhando para a identidade como algo apenas
    situacional. Este posicionamento também afecta o modo de olhar para as identidades étnicas,
    entendidas como meras identificações. Assim sendo, a partir da contação da trajectória
    pessoal e do forjamento do conceito de corporeidade materna, proponho uma identidade não
    apenas política/situacional, mas como uma realidade incorporada que deve ser considerada
    nos processos de ensino de artes cénicas na escola – lugar de onde parto −, sobretudo. A
    reflexão é conduzida de modo indisciplinar, foram dirimidos os habituais muros, entre o
    político, étnico e/ou cultural/artístico, geográfico, económico, histórico, etc. A reflexão, para
    além do viés teórico, possui uma parte de prática teatral embasada nos trabalhos do Bimphadi
    (Núcleo de Pesquisa em Artes da Cena, Angola) que integro como actor-pesquisador.


  • Mostrar Abstract
  • Dans un monde ravi par la mondialisation/l'universalisme, en tant que discours, niant ainsi les
    particularités/diversités des lieux et des personnes, ce travail soutient la nécessité de regarder
    les singularités. La plupart des études culturelles, en termes d'identité, se concentrent sur
    l'hybridation des cultures, considérant l'identité comme simplement situationnelle. Ce
    positionnement affecte également le regard porté sur les identités ethniques, entendues comme de simples identifications. Par conséquent, à partir du récit de la trajectoire personnelle et de la formation du concept de corporéité maternelle, je propose une identité non seulement politique/situationnelle, mais comme une réalité incorporée qui doit être considerée dans les processus d'enseignement des arts de la scène à l'école - le lieu d'où je pars − surtout. La réflexion est menée de manière indisciplinaire, les murs habituels ont été abattus, entre le politique, l'ethnique et/ou le culturel/artistique, le géographique, l'économique, l'historique, etc. La réflexion, outre le parti pris théorique, a une part de pratique théâtrale basée sur les œuvres de Bimphadi (Núcleo de Pesquisa em Artes da Cena, Angola) que j'intègre en tant qu'acteur-chercheur.

6
  • CLEISON RAMOS BELO DA SILVA
  • ESTESIA: ESTUDO DE CASO E PERCEPÇÃO DO ESPETÁCULO/SHOW

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MONIZE OLIVEIRA MOURA
  • LUIZ RENATO GOMES MOURA
  • Data: 26/08/2023

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  • Esta pesquisa acadêmica é um Estudo de Caso e de percepção sobre o espetáculo/show ESTESIA. A metodologia parte do meu olhar sobre as Artes Cênicas culminando na investigação da minha participação como iluminador cênico dentro do espetáculo/show no qual fui convidado a estar dentro da caixa cênica, assumindo um novo lugar no palco. Ilumino o objeto numa abordagem qualitativa no campo das Artes, onde revelo memórias da minha trajetória acadêmica ao aprimoramento artístico e técnico dentro do fenômeno ESTESIA, explicando o como e o porquê acontece. A investigação perpassa o grupo, suas particularidades e objetivos específicos ao proporcionar a experiência de um espetáculo imersivo e sensorial, ressignificando espaços, quebrando a barreira palco/plateia, criando memórias afetivas e fortes relações conviviais da presença.


  • Mostrar Abstract
  • This academic research is a case study and a perception about the show ESTESIA. The methodology starts from my perspective on the Performing Arts, culminating in the investigation of my participation as a light stage designer within the spetacle/show in which I was invited to be inside the scenic box, assuming a new place on stage. I illuminate the object in a qualitative approach in the field of Arts, where I reveal memories of my academic trajectory to the artistic and technical improvement within the ESTESIA phenomenon, explaining how and why it happens. The investigation permeates the group, its particularities and specific objectives by providing the experience of an immersive and sensorial show, re-signifying spaces, breaking the stage/audience barrier, creating affective memories and strong convivial relationships of presence.

7
  • CARLOS HENRIQUE DOS SANTOS
  • DA RUA PARA CENA: DIÁLOGOS POSSÍVEIS ENTRE QUADRILHA JUNINA E OS ELEMENTOS TEATRAIS

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALDA FÁTIMA DE SOUZA
  • ANDRE CARRICO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 25/10/2023

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  • Esta dissertação propõe uma análise reflexiva, cultural e teatral de uma das maiores manifestações populares do Nordeste, a Quadrilha Junina. Apresenta alguns temas pertinentes aos estudos da Cultura Popular, tais como: tradição e modernidade, a festa, a dança e suas características, aproximando e relacionando os elementos constituintes da quadrilha junina com o fazer teatral. O trabalho se caracteriza por uma abordagem metodológica de natureza qualitativa e de cunho autobiográfico sobre minha vivência com o folguedo e os seus desdobramentos durante a minha trajetória acadêmica e almeja discutir como a manifestação pode contribuir no processo de uma criação poética a partir da cultura junina.


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  • This dissertation propose a historical reflective cultural and pedagogical analisys about one of the largest brazilian northeast popular manifestations. I introduce several contents that are within the concept of popular culture about tradition and modernity, the concept of festivity, the dance and its features and how the Quadrilha Junina may be inserted as programmatic content at the art education, specifically on teaching of dramatics. The work is characterized on a medotological approach of qualitative nature and autobiographical disposition about my experience with the Folguedo and its outspreads over my academic trajectory. And how the Folguedo can concur in the subjects students and teachers tuition-learning process at the educational envirioment.

8
  • JOÃO FRANCISCO DE AZEVEDO NETO
  • AS TECNOLOGIAS NO ENSINO DE TEATRO EM CONTEXTO PANDÊMICO: PRÁTICAS METODOLÓGICAS NO IFRN

  • Orientador : MÔNICA VIANNA DE MELLO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • MÔNICA VIANNA DE MELLO
  • THARYN STAZAK
  • Data: 23/11/2023

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  • Diante do contexto mundial estabelecido pela pandemia Covid-19, a Educação teve que se adaptar a outros espaços escolares e outras maneiras de presença e interação foram estabelecidas, de ensino que não era mais físico, e sim virtual. A referência de localização das escolas e universidades foi convertida para o ambiente particular de cada cidadão e cidadã dentro de suas casas. Assim, a interação entre docentes e discentes se deu por meio de telas definidas por dispositivos tecnológicos digitais como computadores, celulares e tablets. O espaço do ensino formal se deu por meios virtuais de aprendizagem em uma nova perspectiva de ensino, e didáticas foram sendo estabelecidas, para viabilizar o chamado Ensino Remoto Emergencial (ERE), determinado pelo governo federal como estratégia de manutenção das atividades de ensino. A presente pesquisa visou conhecer as ferramentas e as práticas metodológicas que estavam sendo desenvolvidas no Instituto Federal de Educação, Ciências e Tecnologias - IFRN pelos(as) docentes no ensino de Arte-Teatro e como estavam sendo vivenciadas pelos(as) alunos(as). Neste sentido, foram realizadas entrevistas com educadores do Instituto, que compartilharam suas experiências no contexto de ensino remoto e a essas foi acrescentada uma experiência pessoal de mediação junto ao Ensino Médio Técnico de Informática, possibilitando assim uma percepção própria do ensino de Teatro no contexto pandêmico e a aplicação de um questionário junto aos(às) estudantes com os(as) quais trabalhei. A pesquisa adotou uma abordagem metodológica etnográfica, com base na autora Marli Eliza André e trouxe perspectivas e conceitos sobre as tecnologias e presença a partir das concepções de autores das artes da cena Jorge Dubatti, Yara Rondon e da educação como Araújo Vilaça. Apresentou também uma perspectiva histórica da presença da tecnologia no teatro, com autoras como Margot Berthold e Cibele Forjaz Simões. A partir das informações relacionadas às práticas de ensino, dispositivos tecnológicos trabalhados e mediações de aulas realizadas, foram estabelecidos dados sobre possibilidades concretas para o ensino de práticas de teatro, processos artísticos, jogos teatrais, construção dramaturgia com intervenção direta das tecnologias digitais, que atenderam aos propósitos e necessidades do período estudado, podendo, no entanto, contribuir com as opções metodológicas de outros(as) docentes em suas escolhas para o ensino de Teatro.


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  • Faced with the global context established by the Covid-19 pandemic, education had to adapt to other school spaces and other ways of presence and interaction were established, of teaching that was no longer physical, but virtual. The location of schools and universities was converted to the private environment of each citizen in their homes. Thus, the interaction between teachers and students took place through screens defined by digital technological devices such as computers, cell phones and tablets. The formal teaching space has been transformed into virtual learning environments in a new teaching perspective, and teaching methods have been established to make the so-called Emergency Remote Teaching (ERE) viable, determined by the federal government as a strategy for maintaining teaching activities. This research aimed to find out about the methodological tools and practices that were being developed at the Federal Institute of Education, Science and Technology - IFRN by teachers in the teaching of Art-Theatre and how they were being experienced by students. To this end, interviews were carried out with educators at the Institute, who shared their experiences in the context of remote teaching and to these was added a personal experience of mediation with the Technical High School of Informatics, thus enabling a perception of the teaching of Theater in the pandemic context and the application of a questionnaire with the students with whom I worked. The research adopted an ethnographic methodological approach, based on the author Marli Eliza André and brought perspectives and concepts about technologies and presence from the conceptions of authors of the arts of the scene Jorge Dubatti, Yara Rondon and education such as Araújo Vilaça. It also presented a historical perspective on the presence of technology in theater, with authors such as Margot Berthold and Cibele Forjaz Simões. Based on the information related to teaching practices, technological devices used and class mediations carried out, data was established on concrete possibilities for teaching theater practices, artistic processes, theatrical games, dramaturgy construction with the direct intervention of digital technologies, which met the purposes and needs of the period studied, and may, however, contribute to the methodological options of other teachers in their choices for teaching theater.

9
  • ANA PAULA VALENTIM DE OLIVEIRA
  • DEPOIS DO [ABISMO]: relato autobiográfico de uma artista de teatro de João Pessoa-PB

  • Orientador : ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • DUILIO PEREIRA DA CUNHA LIMA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 27/11/2023

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  • A presente pesquisa tem por objetivo investigar o meu percurso profissional como atriz de teatro na cidade de João Pessoa. Adotando os estudos autobiográficos e histórias de vida como inspiração teórico-metodológicos, busco investigar como as experiências enquanto pessoa nascida e criada na periferia da capital da Paraíba me constituiram até o [ABISMO], processo criativo que considero o mais impactante de minha trajetória. Em termos de pesquisa, apresento o meu trajeto até o processo de montagem do espetáculo [ABISMO]. Essa decisão se deve à problemática que norteia a investigação e tem a ver com a tentativa de explicitar as inquietações que surgiram a partir da experiência poético-estética que, para mim, se tornou abismal num sentido de que o processo [ABISMO] tem cumprido um papel central no meu modo de ser artista de teatro desde então. Por se tratar de uma pesquisa em que a narrativa pessoal é também o principal objeto de investigação, ela pode servir como contribuição à reflexão de artistas em suas aventuras na cena teatral.


  • Mostrar Abstract
  • The aim of this research is to investigate my professional career as a theater actress in the city of João Pessoa. Adopting autobiographical studies and life stories as theoretical-methodological inspiration, I seek to investigate how my experiences as a person born and raised on the outskirts of the capital of Paraíba constituted me until [ABISMO], a creative process that I consider to be the most impactful in my career. In terms of research, I present my path up to the process of putting on the show [ABISMO]. This decision is due to the problematic that guides the investigation and has to do with trying to explain the concerns that arose from the poetic-aesthetic experience that, for me, became abysmal in the sense that the process [ABISMO] has played a central role in my way of being a theater artist ever since. As this is a research project in which the personal narrative is also the main object of investigation, it can serve as a contribution to the reflection of artists in their adventures on the theater scene.

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  • WISLAYNE PONTES DE SOUZA FERREIRA
  • CORPO CABAÇA: DESVENDANDO A ANCESTRALIDADE MATERNA NA VÍDEO ARTE - “ABRE A CABAÇA! DENTRO DA CABAÇA ESTÁ SUA MÃE E MINHA HISTÓRIA”

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • LUIZ DAVI VIEIRA GONÇALVES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 28/11/2023

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa CORPO CABAÇA: DESVENDANDO A ANCESTRALIDADE MATERNA NA VÍDEO ARTE - “ABRE A CABAÇA! DENTRO DA CABAÇA ESTÁ SUA MÃE E MINHA HISTÓRIA” propõe uma experimentação em vídeo arte que se delineia a partir dos estudos sobre a ancestralidade. Com base numa escrita poética, analiso as obras "OID’ÁGUA" e "CORPO – MÃE CORPO – CRIA", produções audiovisuais decorrentes do meu processo de criação enquanto artista e mãe. O conceito central da pesquisa é o "corpo cabaça", que atua como uma metáfora, conectando minha origem ancestral com a criação artística e a maternidade. A partir de uma metodologia de caráter experimental, busco investigar os mitos e as memórias da minha linhagem materna, utilizando a vídeo arte como forma de expressão artística. Para tanto, proponho uma reflexão sobre o encontro com "Pirigo", minha tetravó, em "OID’ÁGUA";, primeira obra analisada. Na segunda obra, "CORPO – MÃE CORPO – CRIA", revelo os aspectos metodológicos da criação poética de um “corpo mãe” baseando-me nos saberes ancestrais. Por fim, o "corpo cabaça", metáfora e materialidade desta pesquisa, se regenera a partir da encruzilhada, permitindo uma restauração poética e imaginária de um “corpo mãe” que se expressa por meio da escrita visual.


  • Mostrar Abstract
  • The research CALABASH BODY: DISCOVERING THE MATERNAL ANCESTRALITY IN VIDEO ART - “OPEN THE CALABASH! INSIDE THE CALABASH IS YOUR MOTHER AND MY STORY” proposes an experiment in video art that draws from studies on ancestry. Based on poetic writing, I analyze the works "OID’ÁGUA" and "CORPO – MÃE CORPO – CRIA", audiovisual productions resulting from my creative process as an artist and mother. The central concept of the research is the "calabash body", which acts as a metaphor, connecting my ancestral origins with the artistic creation and motherhood. Using an experimental methodology, I seek to investigate the myths and memories of my maternal lineage, using video art as a form of artistic expression. To this end, I propose a reflection on the encounter with "Pirigo", my great-great-grandmother, in "OID’ÁGUA", the first work analyzed. In the second work, "CORPO – MÃE CORPO – CRIA", I reveal the methodological aspects of the poetic creation of a “mother body” based on ancestral knowledge. Finally, the "calabash body", metaphor and materiality of this research, regenerates from the crossroads, allowing a poetic and imaginary restoration of a “mother body” that is expressed through visual writing.

11
  • MANUEL FRANCISCO JOÃO DA COSTA
  • A BUSCA DO MUNTU: O TREINAMENTO CORPORAL DO ATOR DO BIMPHADI

  • Orientador : LEONIDAS DE OLIVEIRA NETO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LEONIDAS DE OLIVEIRA NETO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • Data: 29/11/2023

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  • A presente pesquisa decorre de uma investigação desenvolvida pelos atores-pesquisadores do Bimphadi, Núcleo de Pesquisa em Artes da Cena, sediado em Luanda, Angola, sobre as práticas de criação cênica do grupo. Essa pesquisa-participativa de caráter experiencial nasce do desejo de elaboração de um treinamento corporal para o ator do Bimphadi, desenvolvido a partir do Muntu e de um mergulho nos saberes das manifestações culturais angolanas A fim de investigar os potencias de criação do ator, foram escolhidos alguns elementos ritualísticos dos grupos étnicos aos quais os atores do Bimphadi pertencem e a partir deles foi feito um processo de recriação. Busca-se, através desta pesquisa, refletir sobre a preparação corporal do ator na “aprendizagem” da dança e/ou movimento cênico usando como ponto de partida as danças e canções rituais da cultura angolana. A fim de se reconectarem com criação cênica, os atores do Bimphadi propõem um reencontro com o Muntu, termo de origem Bantu que trata da conexão do ser consigo mesmo e com o outro. (Muntu- pessoa/Ser Total).


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  • The present research come from an investigation carried out by actors-researchers from Bimphadi, Núcleo de Pesquisa em Artes da Cena, based in Luanda, Angola, on the group's scenic creation practices. This participatory research of an experiential nature was born from the desire to develop a body training for the Bimphadi actor, developed from Muntu and from a delve into the knowledge of Angolan cultural manifestations. ritualistic elements of the ethnic groups to which the Bimphadi actors belong and based on them a process of recreation was carried out. Through this research, we seek to reflect on the actor's corporal preparation in the "apprenticeship" of dance and/or scenic movement using as a starting point the ritual dances and songs of Angolan culture. In order to refocus on scenic creation, Bimphadi actors propose a reunion with Muntu, a term of Bantu origin that deals with the connection of the being with itself (person/Total Being).

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  • EWELLYN ELENN DE OLIVEIRA LIMA
  • Sapateia da Macumba Zé: Danças de Catimbó, Danças de encruzilhada

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KATYA SOUZA GUALTER
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • VICTOR HUGO NEVES DE OLIVEIRA
  • Data: 29/11/2023

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  • “...Jurema preta, a senhora é rainha ela é dona da cidade, mas a chave é minha”. O que poderia ter sido apagado no passado, ecoa no corpo de quem tem sangue de caboclo e treme sua pele arriando a flecha em cada solo sagrado. A tecnologia ancestral de cura esquivou-se do fim tornando-se prática religiosa. A Jurema Sagrada é uma religião remanescente de práticas indígenas que foram/são atravessadas pela ancestralidade afro diaspórica e pelo Cristianismo (Lima, 2019) resultando numa fé de encruzilhada onde por meio de rituais, signos e transes encontramos a saída deste tempo nos fortalecendo no tempo ancestre. A presente dissertação é fruto de um catimbó para o corpo dançar, um processo criativo em dança chamado JUREMA PRETA que nasceu no chão do Terreiro de Ogum Beira-Mar (Cabedelo - PB) e no fundo do meu quintal. Dentre algumas motivações deste percursso, cito o mapeamento de bibliografias sobre a Jurema Sagrada, a análise de corporeidades, padrões de movimentos e simbologias presente na prática religiosa compreendendo a cada ciclo deste processo as suas potências poéticas, a investigação dos corpos presentes no Catimbó, partindo das experiências pessoais e coletivas na espiritualidade dentro e fora do loccus terreiro. Aqui a autoetnografia (Santos, 2017) e a limiaridade (Silva, 2020) são alguns dos caminhos metodológicos que abraço para atravesar minha curiosidade sobre os corpos que estão à margem. O corpo da beira da maré, da pesca, do coqueiral, da gira, do toque, do benzimento... Esses que detém e são marcados pela ginga das histórias e memórias, em especial os que ainda carregam a dança como parte fundamental de seus processos de cura e de contato com suas ancestralidades. Esse corpo também é meu. E eu sei.


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  • "Black Jurema, you are the queen, you own the city, but the key is mine." What might have been erased in the past echoes in the body of those with Caboclo blood, trembling their skin, dropping the arrow in every sacred ground. The ancestral healing technology eluded its end, becoming a religious practice. The Sacred Jurema is a religion that remains from indigenous practices that have been and are intersected by Afro-Diasporic ancestry and Christianity (LIMA, 2019), resulting in a faith of crossroads where through rituals, signs, and trances, we find the way out of this time, strengthening ourselves in ancestral time. This dissertation is the result of a "catimbó" for the body to dance, a creative dance process called "BLACK JUREMA," born on the ground of the Ogum Beira-Mar Terreiro (Cabedelo - PB) and in the depths of my backyard. Among some motivations of this journey, I mention the mapping of bibliographies on the Sacred Jurema, the analysis of corporealities, patterns of movements, and symbols present in religious practice, understanding at each cycle of this process its poetic potential, the investigation of bodies present in "Catimbó," starting from personal and collective experiences in spirituality within and outside the terreiro location. Here, autoethnography (SANTOS, 2017) and liminality (SILVA, 2020) are some of the methodological paths I embrace to explore my curiosity about bodies on the margins. The body on the edge of the tide, of fishing, of the coconut grove, of the "gira," of the touch, of the blessing... Those that possess and are marked by the sway of stories and memories, especially those who still carry dance as a fundamental part of their healing processes and contact with their ancestral roots. This body is also mine. And I know.

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  • CLEUMA ALEXSANDRA SOUSA MORAIS
  • TAMBOR DE CRIOULA: DESDE O VENTRE DAS MINHAS ANCESTRAIS

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • Data: 29/11/2023

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  • O presente trabalho tem como temática principal a manifestação cultural tambor de crioula, apresentando um olhar sobre a perspectiva histórica do tambor de crioula e sua relação com a ancestralidade, sendo tal manifestação utilizada como elemento de criação para pensar uma reelaboração dessa tradição de origem na sociedade contemporânea, a partir de elementos da própria dança, bem como da relação entre o corpo da intérprete e suas ancestralidades, em consonância com os pressupostos metodológicos apresentados pela professora Dra. Inaicyra Falcão (2019). A pesquisa se propõe a pensar um processo criativo em dança que caminhe pelas encruzilhadas (Rufino, 2016), nos encontros entre saberes e práticas populares com diferentes perspectivas para a criação de novos caminhos possíveis. A pesquisa desemboca em processo criativo que tem suas análises pautadas em alguns dos sete princípios africanos de dança estudados pela professora Dra. Maria de Lourdes Barros da Paixão (2009), sendo eles: sentido holístico, forma cíclica e circular; policentrismo; dimensionalidade; imitação e harmonia e repetição.


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  • The present work has as its main theme the cultural manifestation tambor de creole, having it as a driving element to think about a re-elaboration of this tradition of origin in contemporary society (SANTOS, 2019). The writing is based on the methodological proposal of the body and ancestry, by Professor Dr. Inaicyra Falcao. Thus, the text is being composed from elements of the dance itself, as well as the relationship between the interpreter's body and her ancestry. We propose to think of a creative process in dance that walks through the crossroads (RUFNO, 2016), in the encounters between knowledge and popular practices with different perspectives for the configuration of new possible ways to create in dance.

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  • NELSON SAMPAIO MAQUINA
  • DANÇA-CANÇÃO: AS CANÇÕES RITUAIS DO POVO NYANEKA NAS RECRIAÇÕES DO BIMPHADI

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • AGNELA DA CRUZ HENRIQUES DE BARROS WILPER
  • LEONIDAS DE OLIVEIRA NETO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 30/11/2023

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  • A presente pesquisa decorre de uma investigação desenvolvida pelos actores-pesquisadores do Bimphadi, Núcleo de Pesquisa em Artes da Cena, sediado em Luanda, Angola, sobre as danças e canções nyanekas. O objetivo principal deste estudo foi investigar os ritos de passagem do Efiko e do Ekwendje e verificar se seria possível utilizá-los como base na preparação corpóreo-vocal dos actores do grupo. Partindo de uma metodologia empírica de caráter experimental, propusemos a desconstrução das formas do teatro europeu, impostas aos actores angolanos pelo colonizador, e buscamos um caminho próprio, pautado nas nossas experiências e na nossa cultura. A partir da pesquisa prática desenvolvida pelo grupo, constatamos que as danças-canções, decorrentes das manifestações culturais nyanekas, trazem em si elementos espetaculares que podem ser ressignicados no processo de criação de um espetáculo. Através dos cantos ritualísticos nós acessamos e atravessamos a nossa cultura ancestral para ancorar a atemporalidade que entrelaça a corporeidade e a vocalidade do actor no instante presente.


  • Mostrar Abstract
  • This research stems from an investigation carried out by actor-researchers from Bimphadi, Center for Research in Performing Arts, based in Luanda, Angola, on Nyaneka dances and songs. The main objective of this study was to investigate the rites of passage Efiko and Ekwendje and verify if would possible to use them as a basis for the body- vocal preparation of the group's actors. Starting from an empirical methodology of an experimental nature, we propose the deconstruction of the forms of European theater, imposed on Angolan actors by the colonizer, and we seek our own path, based on our experiences and our culture. From the practical research carried out by the group, we discovered that the dance-songs, from Nyaneka cultural manifestations, bring with them spectacular elements that can be resignified in the process of creating in a theater play. Through ritualistic songs we access and traverse our ancestral culture to anchor the timelessness that intertwines the actor's corporeality and vocality in the present moment.

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  • MBANDU LUVUMBO NSINGUI
  • ELEMENTOS ETNOTEATROLÓGICOS DE MANIFESTAÇÕES CULTURAIS EM ANGOLA: EFEITOS ARTÍSTICOS E EDUCATIVOS DO RITUAL DE ÓBITO BAKONGO

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • AGNELA DA CRUZ HENRIQUES DE BARROS WILPER
  • Data: 07/12/2023

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  • Esse estudo de Mestrado em Artes Cênicas parte de dois pressupostos gerais: o corpo é construído também pelos rituais dos quais participa; os rituais podem fornecer material para a arte local, incluindo o seu ensino. Com base nisso, este projeto de pesquisa objetiva investigar os elementos etnoteatrológicos do ritual de óbito do povo Bakongo, entendido como uma importante manifestação cultural de Angola, cuja valorização no campo das artes poderá questionar a imposição do teatro europeu, em busca de uma arte angolana que se produza com os saberes ritualísticos. Por meio do método experimental de inspiração etnográfica, o estudo chegou a alguns resultados, destacando seis elementos parateatrais identificados no ritual fúnebre e que podem ser apontados como seus aspectos etnoteatrológicos, a saber: nkuwa, mpovi e makonzo, ramos de palmeira, choro, canções, danças e representações. A verificação destes elementos indica a possibilidade de eles funcionarem como fonte de resgates e recriações que podem nutrir e enriquecer o ator angolano. Para tanto, não bastaria estarem apenas na montagem de uma obra teatral, mas serem também associados a uma pedagogia das artes cênicas. É por isso que, no desenvolver da pesquisa, a identificação dos elementos etnoteatrológicos do ritual levou este estudo a apontar quais os efeitos desses elementos tanto no campo educativo, entendendo-se o ritual como princípio de ensino, quanto no campo artístico, especialmente a partir do trabalho realizado pelo Núcleo de Pesquisa em Artes da Cena Bimphadi, sediado em Luanda, Angola.


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  • This Master's study in Performing Arts is based on two general assumptions: the body is also constructed by the rituals in which it participates; rituals can provide material for local art, including teaching it. Based on this, this research project aims to investigate the ethnoteatrological elements of the death ritual of the Bakongo people, understood as an important cultural manifestation of Angola, whose valorization in the field of arts may question the imposition of European theater, in search of an Angolan art that is produced with ritualistic knowledge. Through the experimental method of ethnographic inspiration, the study reached some results, highlighting six para-theatrical elements identified in the funeral ritual and that can be pointed out as its ethnoteatrological aspects, namely: mpovi and makonzo, palm branches, moan, songs, dances and representations. The verification of these elements indicates the possibility of them functioning as a source of rescues and recreations that can nourish and enrich the Angolan actor. For that, it would not be enough to be only in the assembly of a theatrical work, but also to be associated with a pedagogy of the performing arts. That is why, in the development of the research, the identification of the ethnoteatrological elements of the ritual led this study to point out the effects of these elements both in the educational field, understanding the ritual as a teaching principle, and in the artistic field, especially from of the work carried out by the Bimphadi Center for Research in Arts of the Scene, based in Luanda, Angola.

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  • GABRIELA FERNANDES CARVALHO
  • UM JARDIM CHAMADO GETSÊMANI: UMA CONTRIBUIÇÃO DE NEWTON NAVARRO PARA O PROCESSO DE MODERNIZAÇÃO DO TEATRO EM NATAL

  • Orientador : MONIZE OLIVEIRA MOURA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • DIÓGENES ANDRÉ VIEIRA MACIEL
  • MONIZE OLIVEIRA MOURA
  • Data: 13/12/2023

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  • A partir do estudo sobre o moderno teatro brasileiro, esta dissertação objetiva mostrar em que medida o espetáculo Um Jardim Chamado Getsêmani contribuiu para a modernização do teatro em Natal. Escrita por Newton Navarro (1928-1992), a peça estreia no Teatro Alberto Maranhão, em 1964, com encenação de Wilson Maux (1937-2011). Pretendendo compreender por que ela foi considerada, por Othon (1998) e Santos (1996), o marco da modernidade no teatro natalense, a pesquisa aborda a formação artística de Navarro; o diálogo entre ele e o teatro pernambucano; seus primeiros passos no teatro natalense nos grupos Os Farsantes (1949-1950) e Teatro Experimental de Arte (1951). São analisados em seguida o texto Um Jardim Chamado Getsêmani, bem como a montagem da peça de 1964, evidenciando a trajetória do diretor Wilson Maux. As fontes consultadas são o acervo pessoal de Newton Navarro, o acervo documental do Teatro Alberto Maranhão e o dos periódicos nacionais entre os anos de 1948 e 1964. Dessa forma, esta dissertação almeja contribuir para a historiografia do teatro natalense, apresentando um Navarro até então comentado superficialmente na academia: o artista de teatro.


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  • Based on the study of modern brazilian theater, this dissertation aims to show to what extent the show Um Jardim Chamado Getsêmani contributed to the modernization of theater in Natal. Written by Newton Navarro (1928-1992), the play premiered at the Teatro Alberto Maranhão, in 1964, directed by Wilson Maux (1937-2011). Intending to understand why it was considered, by Othon (1998) and Santos (1996), the milestone of modernity in Natal theater, the research addresses Navarro’s artistic training; the dialogue between him and Pernambuco theater; his first steps in the theater of Natal in the groups Os Farsantes (1949-1950) and Teatro Experimental de Arte (1951). The text Um Jardim Chamado Getsêmani is then analyzed, as well as the production of the 1964 play, highlighting the trajectory of director Wilson Maux. The sources consulted are Newton Navarro’s personal collection, the documentary collection of Teatro Alberto Maranhão and national periodicals between the years 1948 and 1964. In this way, this dissertation aims to contribute to the historiography of theater in Natal, presenting a Navarro until then superficially commented on in academia: the theater artist.

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  • GLÁUCIA CÍCERA DE SOUZA ANDRADE
  • TEATRO ALBERTO MARANHÃO (TAM): reflexões a partir da memória-história do seu acervo documental (1926-1937)

  • Orientador : MONIZE OLIVEIRA MOURA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MONIZE OLIVEIRA MOURA
  • REGINALDO CARVALHO DA SILVA
  • Data: 19/12/2023

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  • A presente dissertação trata do acervo documental do Teatro Alberto Maranhão (TAM), edifício inaugurado em 1904, em Natal, Rio Grande do Norte. Buscando mensurar a relevância dessa massa documental para a memória e a história do teatro brasileiro, esse estudo apresenta a noção de fontes, documentos e acervos teatrais, contextualiza os anos iniciais do Teatro Alberto Maranhão e a constituição do seu acervo documental. Em seguida, são analisados especificamente documentos deste acervo referentes ao período entre 1926-1937. Para isso, utiliza-se, como referencial teórico e metodológico, os trabalhos de Carrijo (2020), Azevedo (2021) e Fontana (2021). Por fim, situa-se o teatro potiguar no panorama do teatro brasileiro durante os decênios de 1920 e 1930, abordando a conjuntura política, socioeconômica e cultural na qual inseriram-se os espetáculos apresentados no TAM. Delineia-se a dinâmica de circulação de grupos profissionais e amadores da época, estabelecendo conexões com a cena teatral de outros estados do Nordeste (Silva, 2014), (Ferraz, 2018) e (Faria, 2020). Com o intuito de fornecer subsídios para novas pesquisas sobre a História do Teatro Brasileiro, este trabalho contribui especialmente na ampliação dos estudos acerca da História do Teatro do Rio Grande do Norte.


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  • This dissertation deals with the documentary collection of the Teatro Alberto Maranhão (TAM), a building opened in 1904, in Natal, Rio Grande do Norte. Seeking to measure the relevance of this documentary mass for the memory and history of Brazilian theater, this study presents the notion of sources, documents and theatrical collections, contextualizing the initial years of the Teatro Alberto Maranhão and the constitution of its documentary collection. Next, documents from this collection relating to the period between 1926-1937 are specifically analyzed. For this, the works of Carrijo (2020), Azevedo (2021) and Fontana (2021) are used as theoretical and methodological references. Finally, the Potiguar theater is located in the panorama of Brazilian theater during the 1920s and 1930s, addressing the political, economic, social and cultural situation in which the scenic productions presented at TAM were inserted, mentioning theatrical genres and dynamics of circulation of professional and amateur groups of the time, establishing connections with the theatrical scene observed in other Northeastern States (Silva, 2014), (Ferraz, 2018) and (Faria, 2020). With the aim of providing subsidies for new research on the History of Brazilian Theater, this work contributed especially by investigating the History of Theater in Rio Grande do Norte.

2022
Dissertações
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  • JAN MACEDO JAEDSON SOUZA
  • DANÇA E MEDITAÇÃO:

    Metodologia Angel Vianna e Meditação Vipassana em aproximação para criação em dança

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DANIEL REIS PLÁ
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 21/02/2022

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  • As experiências que atravessam o corpo podem ser um vasto material cênico. Antes de seguir orientações de um coreógrafo em conduções externas, pode-se existir o reconhecimento do próprio material de vida enquanto tema a ser dançado. Mas é importante a reflexão sobre que vida é essa; como vasculhar, conhecer, armazenar, organizar esse material. Esse estudo apresenta aproximações entre a Metodologia Angel Vianna e a Meditação Vipassana como suportes para criação em dança. Registra o processo de criação do solo de dança “Uirapuru. Tempo brasil” compartilhando a experiência de como o corpo, através da meditação e da consciência corporal, vivencia um processo criativo aproveitando a relação com o ambiente e os atravessamentos que interferem no cotidiano. A Metodologia Angel Vianna e a Meditação Vipassana são práticas que estimulam a observação e o silêncio. A aproximação entre essas duas práticas fornece auxílio para um processo criativo diante de desafios que estão relacionados, tanto às experiências individuais, quanto coletivas. A pesquisa tem abordagem fenomenológica e parte do registro das experiências vividas pelo próprio autor, artista da dança, nos processos de criação de "Uirapuru, tempo brasil", tendo como intento a redução fenomenológica e a reflexão dos acontecimentos do corpo na relação com o cotidiano de criação. Além da obra Fenomenologia da Percepção de Merleau-Ponty, que oferece uma abordagem teórico-metodológica para a pesquisa, outras referências são utilizadas como: os estudos de Jorge de Albuquerque Vieira sobre Dança, Umwelt e complexidade, assim como as pesquisas de Karenine de Oliveira Porpino sobre a relação entre Dança, atenção e práticas meditativas, dentre outras. O solo de dança “Uirapuru, tempo brasil” tem como base a lenda de um pássaro em extinção na Amazônia e apresenta relação com os recentes desmatamentos da floresta, assim como a desvalorização da cultura dos povos indígenas enquanto pilar de estruturação da cultura brasileira. Esse tema surgiu pelo constante debruçar sobre a Metodologia Angel Vianna e a prática diária da Meditação Vipassana que fazem suscitar questionamentos sobre a relação do corpo com a cultura e a natureza.  O material cênico foi sendo consolidado na medida em que os acontecimentos bioculturais interferiam na realidade do autor artista, estando o corpo constantemente sensibilizado pelos mergulhos proporcionados pela meditação e pela dança.


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  • The experiences that percolate the body can be a vast scenic material. Before following directions from a choreographer by external orientations it is possible to acknowledge someone's own life’s experience as it’s dance motif. But it is important to consider what life is this: how to search, understand, register, organize this material. This study presents rapprochement between Angel Vianna Methodology  and Vipassana Meditation as foundations for dance creation. It registers the process of creation of the dance solo “Uirapuru, Tempo Brasil” sharing the experience of how the body through meditation and body awareness experiments a creative process in relation with the environment and the incidences that affect daily life. Angel Vianna Methodology and Vipassana Meditation are practices that promote self observation and silence. The combination of these two practices gives support to a creative process in face of challenges related to individual and collective experiences. The research has a phenomenological approach and part of the author's, dance artist’s, annotations on the experiences lived in the creation process of “Uirapuru, Tempo Brasil”, having the intent of phenomenological reduction and the processing of body phenomena on the relation of creation routine. Besides the Phenomenology of Perception work from Merleau-Ponty, which offers a theoretical-methodological  basis for research, other references are used, such as: Jorge de Alburquerque Vieira’s studies on dance, Umwelt and complexity; Karenine de Oliveira Porpino’s research on the relation between dance, focus and meditation practices; among others. The dance solo “Uirapuru, Tempo Brasil” has a legend about an amazonian bird in risk of extinction as it’s baseline and is related to recent deforestation, as well as the devaluation of indigenous culture as backbone of brazilian culture. This theme has occurred with continuous dwelling on Angel Vianna Methodology and practice of Vipassana Meditation, which evoke interrogations about the relation of the body with culture and nature. The scenic material was consolidated while bioculture events interfered with the author artist’s reality, having the body constantly sensibilized by the immersion provided by meditation and dance.

2
  • EDUARDO AUGUSTO MARTINS DE MELO
  • TESSITURAS DE UM DOCENTE-ARTISTA CAMARENSE: A BIOGRAFIZAÇÃO COMO CONHECIMENTO DO PROJETO DE SI

     
  • Orientador : ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LÚCIA MARIA VAZ PEREZ
  • Data: 24/02/2022

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  •  

    A presente pesquisa tem por objetivo realizar a biografização de meu trajeto enquanto artista-docente. Biografizar, de acordo com Delory-Momberger, “é o processo segundo o qual os indivíduos constroem a figura narrativa de sua existência” (2014, p. 81) de forma a socializar um percurso individual e, com isso, inserir-se em termos formativos em um contexto coletivo. Portanto, na pesquisa adotei o procedimento metodológico “biografização”, oriundo do campo (auto)biografias e histórias de vida, como forma de compreender como me tornei artista-docente com as singularidades e pluralidades que me compõem. Com a biografização do meu trajeto formativo enquanto professor da área de Artes do Município de João Câmara, busquei contribuir com pesquisas no âmbito da pedagogia do teatro e do ensino de arte na educação básica, particularmente, a do interior brasileiro. Os estudos das autoras Christine DeloryMomberger e Marie-Christine Josso conformam os principais referenciais da presente investigação. Enquanto fundamento epistemológico, a partir de suas abordagens em pesquisa (auto)biográfica e de histórias de vida como espaço de formação humana e profissional, traço um trajeto que tem como foco principal o eu-professor-artista atual olhando para um percurso formativo que é singular, pois me pertence, mas que também tem pluralidades, pois pertence ao universo amplo de um docente-artista que se forma e atua no interior do Brasil. É por meio da compreensão dos sentidos da minha existência singular-plural, como sujeito nas esferas artística e pedagógica, que apresento minha biografização como uma das muitas possibilidades de formação para a formatividade ou, nas palavras de Josso, de um indivíduo que sabe que “a invenção de si [pela narrativa] requer não só um discurso sobre si, mas projetos de si” (2008, p.43).


  • Mostrar Abstract
  • Esta investigación pretende realizar la biografía de mi trayectoria como artistadocente. Biografiar, según Delory-Momberger, "es el proceso según el cual los individuos construyen la figura narrativa de su existencia" (2014, p. 81) para socializar una trayectoria individual y, así, insertarse en términos formativos en un contexto colectivo. Por lo tanto, en la investigación adopté el procedimiento metodológico "biografízación", desde el campo de las (auto)biografías y las historias de vida, como una forma de entender cómo me convertí en artista-docente con las singularidades y pluralidades que me componen. Con la biografía de mi trayectoria formativa como profesor del área de Artes del Municipio de João Câmara, busqué contribuir con investigaciones en el ámbito de la pedagogía del teatro y la enseñanza del arte en la educación básica, particularmente, la del interior de Brasil. Los estudios de las autoras Christine Delory-Momberger y Marie-Christine Josso conforman las principales referencias de la presente investigación. Como base epistemológica, a partir de sus abordajes en la investigación (auto)biográfica y las historias de vida como espacio de formación humana y profesional, trazo un camino que tiene como foco principal el yo docente-artista actual, mirando una trayectoria de formación que es singular, porque me pertenece, pero que también tiene pluralidades, porque pertenece al amplio universo de un docente-artista que se forma y trabaja en el interior de Brasil. Es a través de la comprensión de los significados de mi existencia singular-plural, como sujeto en las esferas artística y pedagógica, que presento mi biografía como una de las muchas posibilidades de formación de la formatividad o, en palabras de Josso, de un individuo que sabe que "la invención del yo [por la narrativa] requiere no sólo un discurso sobre el yo, sino proyectos del yo" (2008, p.43).

3
  • GLEYDSON RODRIGUES DANTAS
  • PALCO – TERREIRO – QUARTEL: caminhos da autodisciplina do ser-artista

  • Orientador : ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • ANDERSON DANTAS DA SILVA BRITO
  • ANDRE CARRICO
  • Data: 18/03/2022

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação se propõe a investigar a relação entre a disciplina e a formação para a autodisciplina como um
    processo decorrente de uma imersão em sistemas hierarquizados e monitorados; subsidiário à este objetivo
    pretendemos comparar como esse processo de construção da disciplina se dá em dois sistemas sociais, externos às
    Artes Cênicas, bastante monitorados e hierarquizados, mas percebidos pela sociedade como bastante diferentes: o
    Candomblé e o militarismo; e, por fim, observar como se dá a comparação nesses três cenários entre a
    modelação/formação disciplinar das atitudes a partir da disciplina do corpo no Método Dança-Educação Física. Uma
    investigação qualitativa com viés dedutivo tendo por corpus documental as obras: Humbê do Babalorixá Caccioli de
    Ayrá (2020), Manual de Ordem Unida do Exército Brasileiro (BRASIL, 2019), e o Método Dança-Educação Física
    do Professor Dr. Edson Cesar Ferreira Claro (1995). Tendo por referencial teórico o pós-estruturalismo de Michel
    Foucault. O trabalho encontra-se dividido em: Prólogo, Atos e Epílogo.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation proposes to investigate the relationship between discipline and training for self-discipline as a
    process resulting from an immersion in hierarchical and monitored systems; subsidiary to this objective, we intend
    to compare how this process of construction of the discipline takes place in two social systems, external to the
    Performing Arts, very monitored and hierarchical, but perceived by society as quite different: Candomblé and
    militarism; and, finally, to observe how the comparison takes place in these three scenarios between the
    modeling/disciplinary formation of attitudes based on the discipline of the body in the Dance-Physical Education
    Method. A qualitative investigation with a deductive bias having as documentary corpus the works: Humbê do
    Babalorixá Caccioli de Ayrá (2020), Manual of the United Order of the Brazilian Army (BRAZIL, 2019), and the
    Dance-Physical Education Method of Professor Dr. Edson Cesar Ferreira Sure (1995). Having as theoretical
    reference Michel Foucault's post-structuralism. The work is divided into: Prologue, Acts and Epilogue.

4
  • ALEX APOLONIO SOARES
  • Mamulengo em Tecnovívio: nós, quiprocós e folganças no caminho para a inclusão digital do teatro de bonecos popular pernambucano

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANA SCHNEIDER ALCURE
  • ANDRE CARRICO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 28/03/2022

  • Mostrar Resumo
  • A partir da pandemia da COVID-19, o trabalho de artistas de Teatro de Mamulengo ficou restrito à tecnologia da
    comunicação, isto é, ao tecnovívio - conceito desenvolvido pelo filósofo Jorge Dubatti (2016). Ainda que o convívio
    seja a base do trabalho dos/as mamulengueiros/as, as redes sociais, neste momento, acabaram por tornarem-se a
    única opção de troca entre artistas e público. O presente estudo, ancorado na pesquisa-ação, reflete sobre algumas
    estratégias adotadas pela comunidade mamulengueira em decorrência das tensões no formato remoto, e a partir de
    uma experiência prática propõe diálogos e ações formativas no intuito de contribuir com o fazer dos/as artistas
    mamulengueiros/as em processo de inclusão digital.


  • Mostrar Abstract
  • A partir de la pandemia de COVID-19, el trabajo de Artistas del Teatro de Mamulengo se restringió a la tecnología
    de la comunicación, es decir, al tecnovívio - concepto desarrollado por el filósofo Jorge Dubatti (2016). Aunque la
    convivencia es la base del trabajo de mamulengueiros, las redes sociales, en este momento, se han convertido en la
    única opción de intercambio entre artistas y público. El presente estudio, anclado en la investigación-acción,
    reflexiona sobre algunas estrategias adoptadas por la comunidad mamulengueira debido a las tensiones en el
    formato remoto, y desde una experiencia práctica propone diálogos y acciones formativas con el fin de contribuir a
    la realización de artistas mamulengueiros en el proceso de inclusión digital.

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  • AMANDA DE SOUZA NOGUEIRA
  • MARA(CATUCANDO) QUESTÕES RACIAIS: UM CORTEJO EM HOMENAGEM A CULTURA NEGRA

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • VICTOR HUGO NEVES DE OLIVEIRA
  • Data: 31/03/2022

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  • A dissertação em questão é um cortejo de maracatu no caminhar que enaltece a cultura negra, propõe laboratórios
    intitulados Maracatucar, em uma perspectiva de “catucar” (chamar a atenção) das bailarinas da turma de dança
    contemporânea da Escola de Balé Sonhos e você, caro leitor e cara leitora, sobre as questões raciais e provocar o
    fortalecimento das culturas negras, gerando, portanto, uma discussão em torno do Maracatu enquanto movimento de luta negra, enquanto uma dança popular afro-brasileira, bastante presente, aliás, na nossa cultura nordestina. O
    estudo visa ressaltar as possibilidades, existentes nos estudos do campo da dança, (no que diz respeito aos processos de criação) na procura de um reconhecimento sobre ser um corpo negro na sociedade e como isso reflete no contexto social. Além disso, temos o intuito de estudar e mostrar nesse cortejo os elementos do maracatu para
    compreender e valorizar sua religiosidade, sua estética da dança e a identidade de uma comunidade negra que sofre diariamente discriminação. Há, portanto, o propósito de promover uma reflexão acerca da identidade cultural afro-brasileira. No que tange à metodologia, o trabalho é de natureza narrativa descritiva de abordagem qualitativa.
    Pretende-se, pois, problematizar questões raciais, por meio da experimentação e da criação, levando à reflexão sobre o Maracatu, expressão cultural pernambucana, esta que ecoa em si a luta do povo negro.


  • Mostrar Abstract
  • The dissertation in question is a procession of maracatu in the walk that praises black culture, proposes laboratories called Maracatucar, in a perspective of "catucar" (catch attention) of the dancers of the contemporary dance class of the Escola de Balé Sonhos e você, caro reader and dear reader, on racial issues and provoke the strengthening of black cultures, thus generating a discussion around Maracatu as a black struggle movement, as an Afro-Brazilian popular dance, quite present, in fact, in our northeastern culture . The study aims to highlight the possibilities, existing in studies in the field of dance, (with regard to creation processes) in the search for a recognition of being a black body in society and how this reflects in the social context. In addition, we intend to study and show in this procession the elements of maracatu to understand and value its religiosity, its dance aesthetics and the identity of a black community that suffers daily discrimination. There is, therefore, the purpose of promoting a reflection on the Afro-Brazilian cultural identity. Regarding the methodology, the work is of a descriptive narrative nature with a qualitative approach. It is intended, therefore, to problematize racial issues, through experimentation and creation, leading to reflection on Maracatu, a cultural expression from Pernambuco, which echoes in itself the struggle of the black people.

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  • ANA LUISA LINCKA DE SOUSA
  • Biblioteca do corpo: movimentos iniciantes e horizontes possíveis para inclusão de obras de dança em acervos institucionais

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • VALÉRIA MARIA CHAVES DE FIGUEIREDO
  • Data: 11/05/2022

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  • Esta dissertação objetiva refletir acerca do processo de criação de um acervo de dança na Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN), a partir do vasto entendimento de que a dança é uma área do conhecimento inserida na Universidade, propomos o início de uma memória para a dança. Apresenta os trabalhos coreográficos do Grupo de Dança da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (GDUFRN) como obras artísticas de dança resultantes de pesquisas corporais, laboratórios e estudos do corpo, realizados pelos seus componentes. Entende os espetáculos do GDUFRN como patrimônios artístico-culturais merecedores de preservação e divulgação, ao longo de trinta anos de existência, via projeto de extensão universitária. Parte do mais recente trabalho do GDUFRN – “(Des)Caminhos” – como espetáculo potencial a ser estudado e disponibilizado no sistema Acervus da UFRN. Discorre sobre a filosofia e a memória da dança, destacando seus entendimentos e diferenças para evidenciar o que é possível guardar desta arte efêmera. Considera a histórica preocupação da preservação das performances artísticas das artes da cena em contraste ao que é possível arquivar em dança. Evidencia a urgência da construção de um acervo de dança embasada por políticas culturais nacionais e institucionais. Por meio dos relatos dos bailarinos-intérpretes-criadores do GDUFRN e demais materiais vinculados ao acontecimento, utilizando como fio condutor a metodologia fenomenológica-existencialista de Merleau-Ponty, por entender o corpo como portador de conhecimento e a dança como um fenômeno entrelaçado à experiência do sujeito em seu tempo, no qual somos também objetos. Como resultado, são evidenciados os pontos de acesso e características específicas para que a dança ocupe os acervos, concluindo que existe um caminho possível para o início da memória da dança na UFRN, por meio de um arquivo vivo e interligado, vinculado à Universidade.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation aims to reflect on the process of creating a dance collection at the Federal University of Rio Grande do Norte (UFRN), from the vast understanding that dance is an area of knowledge inserted in the University, we propose the beginning of a memory for the dance. It presents the choreographic works of the Dance Group of the Federal University of Rio Grande do Norte (GDUFRN) as artistic dance works resulting from body research, laboratories and body studies, carried out by its components. It understands the GDUFRN shows as artistic and cultural heritage worthy of preservation and dissemination, over thirty years of existence, via a university extension project. Part of the most recent work by GDUFRN – “(Des)Caminhos” – as a potential show to be studied and made available in UFRN's Acervus system. It discusses the philosophy and memory of dance, highlighting their understandings and differences to highlight what is possible to keep from this ephemeral art. It considers the historical concern of preserving the artistic performances of the performing arts in contrast to what is possible to archive in dance. It highlights the urgency of building a dance collection based on national and institutional cultural policies. Through the reports of the dancers-performers-creators of GDUFRN and other materials linked to the event, using Merleau-Ponty's phenomenological-existentialist methodology as a guideline, for understanding the body as a carrier of knowledge and dance as a phenomenon intertwined with experience. of the subject in its time, in which we are also objects. As a result, the access points and specific characteristics are highlighted for dance to occupy the collections, concluding that there is a possible path to the beginning of the memory of dance at UFRN, through a live and interconnected archive, linked to the University.

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  • EDUARDO VALENCIA ARMIENTA
  • MEMÓRIA COLETIVA E IMAGENS ANCESTRAIS: UM PARALELO ENTRE AS ARTES CÊNICAS E AS EXPERIÊNCIAS RITUAIS

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 30/05/2022

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  • No presente estudo do teatro ritual, entende-se que o teatro desde seus primórdios possuía elementos rituais (místicos) que sempre se distinguiam pela característica de fazer sonhar outras realidades ou trazer outras percepções aos seus participantes. As experiências que aproximam o artista de estados alterados de consciência o acompanham desde o início das representações artísticas. Os elementos em cena, a preparação do ator, a arquitetura de novos espaços, alguns temas, melodias e símbolos, todos esses elementos incríveis geram um espaço simbólico, um lugar para sonhar e uma atmosfera que traz a essência sagrada que pertence ao ritual. As experiências que levam o artista a estados alterados de consciência são “uma nova busca do sagrado” do religioso. O ritual e o teatro mantêm a coletividade e as imagens e forças simbólicas que preservam as chaves para abrir a porta do ancestral, do espiritual e das forças criativas arquetípicas. É no teatro ritual, onde o próprio ritual encontra outro lugar de ação. Os arquétipos são estudados no teatro e no ritual, comparando as experiências pessoais do pesquisador nos rituais Wixarrikas e no Arkhétypos Grupo de Teatro. Deste modo busca-se descobrir o que acontece no ator após excitar seus sentidos e ser exposto aos elementos rituais dessa cultura, esperando que eles nos revelem a natureza poiética das formas geométricas harmônicas escondidas em cada átomo, pensamento, sentimento ou ação. Como um espiral que em diferentes dimensões sempre segue seu caminho, seu contorno harmônico é a base da geometria e da matemática da natureza. Assim, por exemplo, a espiral é um arquétipo universal presente em todas as expressões da vida, nela oculto e nascido com a vida onde todo o universo dança. Tudo se forma em espaços simbólicos, universos invisíveis (mundus imaginalis) que se manifestam no ato ritualístico. Por fim, o coletivo que se gera no teatro-ritual por meio de emoções humanas instintivas ou espirituais faz com que este seja percebido por alguns autores como um lugar e uma forma de se levar às profundezas o conhecimento do ser, incluindo neste processo a cura, a decolonialidade do imaginário, o câmbio, a coesão e a transformação social.


  • Mostrar Abstract
  • In the present study of ritual theater, we understood that the theater since its beginnings had ritual (mystical) elements that were always distinguished by the characteristic of making other realities dream or bringing other perceptions to its participants. The experiences that bring the artist closer to altered states of consciousness have accompanied him since the beginning of artistic representations. The elements in the scene, the preparation of the actor, the architecture of new spaces, some themes, melodies and symbols, all these incredible elements generate a symbolic space, a place to dream and an atmosphere that brings the sacred essence that belongs to the ritual. The experiences that lead the artist to altered states of consciousness are “a new search for the sacred” of the religious. Ritual and theater maintain the collectivity and the symbolic images and forces that preserve the keys to open the door to the ancestor, the spiritual and the archetypal creative forces. It is in the ritual theater, where the ritual itself finds another place of action. Archetypes are studied in theater and ritual, comparing the researcher's personal experiences in the Wixarrikas rituals and in the Arkhétypos Theater Group. In this way, we seek to discover what happens in the actor after exciting his senses and being exposed to the ritual elements of this culture, hoping that they reveal to us the poietic nature of the harmonic geometric shapes hidden in each atom, thought, feeling or action. Like a spiral that in different dimensions always follows its path, its harmonic contour is the basis of the geometry and mathematics of nature. So, for example, the spiral is a universal archetype present in all expressions of life, hidden in it and born with life where the whole universe dances. Everything is formed in symbolic spaces, invisible universes (mundus imaginalis) that are manifested in the ritualistic act. Finally, the collective that is generated in ritual theater through instinctive or spiritual human emotions makes it perceived by some authors as a place and a way of taking the knowledge of being to the depths, including healing in this process, the decoloniality of the imaginary, exchange, cohesion and social transformation.

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  • PIERRE KEYTH RODRIGUES FERREIRA
  • JOÃO MARCELINO: Entre tramas, volumes e texturas de um indumentarista

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • ROSANE MUNIZ ROCHA
  • Data: 13/06/2022

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação é motivada pelo estudo de Cenografia de Teatro no Brasil, ressaltando a importância de criar uma cultura do acervo e documentação e demais registros da profissão de Indumentarista. Alguns aspectos como as origens do artista e as referências que marcaram suas produções são abordados nesta pesquisa, buscando reunir conhecimentos necessários que se cruzam e reflete no processo criativo, inspiração e produção nas indumentárias do João Marcelino que vem contribuindo com essa área desde o início dos anos 80, já são mais de quatro décadas como artista, desenvolvendo um estilo que se caracteriza como sua assinatura. Ao longo desta pesquisa pode-se ver como as influências imagéticas e práticas, assim como os cursos de formação podem transformar a percepção de um indivíduo, em sua arte alguns elementos ganham destaques como a modelagem, os artigos têxteis e o estudo de ergonomia e antropometria, normalmente usados na moda, mas que nas indumentárias do Marcelino, elas se manifestam de forma orgânica, também é possível perceber a partir desse estudo como a indumentária neste caso assume uma linguagem, um discurso.


  • Mostrar Abstract
  • This thesis is motivated by the study of Theater Scenography in Brazil, with emphasis on the importance of creating a culture of collection, documentation, and other records of the Costume Designer profession. Some aspects such as the origins of the artist and the references that marked his productions are addressed here, with the goal being to gather necessary knowledge that intersect and reflect on the creative process, inspiration and production in the clothes of João Marcelino, an artist who has been contributing to this area, since the early 80s, and has developed a signature style throughout this period. This thesis will highlight how imagery and practical influences, as well as training courses, can transform an individual's perception. In his art, some of the more prominent elements include modeling, textile articles and the study of ergonomics and anthropometry. While these are normally used in fashion, they manifest themselves in an organic way in Marcelino’s work. From this thesis, it is also possible to understand how the clothes themselves assume a language and a discourse.

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  • JAVIER IGNACIO DÍAZ DALANNAIS
  • NOSOTROS LOS NÁUFRAGOS: DERIVAS DE CONSCIÊNCIA COMO PRÁTICAS PARA A CENA

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • OSCAR ANDRES GONZÁLEZ BOSQUE
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 19/07/2022

  • Mostrar Resumo
  • Movido pela questão do devir enquanto potência múltipla e criadora, e tendo a cartografia como orientação metodológica, este Projeto objetiva cartografar os processos de alteridade gerados e coordenados na prática préexpressiva da Oficina Emergência Cênica, e seus desdobramentos pedagógicos.
Conectado a isso, propõe-se elaborar a metáfora do naufrágio para caracterizar a pedagogia decorrente desse trabalho psicofísico, bem como compor conceitualmente a “prática de si” (prática de dispor e coordenar alteridades emergentes) no contexto da Oficina. Como interlocutores do estudo, procura-se um diálogo entre filosofia da diferença, com Deleuze e Derrida, neurobiologia, com Humberto Maturana e Francisco Varela, e dramaturgia corporal com Amílcar Borges de Barros, cujas teorizações tem permitido a este Projeto entender a fisicalidade em suas relações com os modos como o corpo dispõe suas habilidades de adaptação perante os desafios psicofísicos propostos. A fisicalidade extrema lança o corpo a um lugar de desdobramento que cria condições para estar-se atento à simultaneidade de diferentes domínios que engendram o devir: domínio fisiológico, conceitual, perceptivo, narrativo. Assim, as linhas que estão sendo construídas nesse desenho cartográfico inicial dispõem as alteridades emergentes da referida Oficina ao lado do desequilíbrio, do erro, do naufrágio, como condição para os processos de criação de si no trabalho artístico e na vida.


  • Mostrar Abstract
  • Moved by the issue of becoming as a multiple and creative power, and having cartography as a methodological orientation, this Project aims to map the alterity processes generated and coordinated in the pre-expressive practice of the Scenic Emergency Workshop, and its pedagogical developments. Connected to this, it is proposed to elaborate the shipwreck metaphor to characterize the pedagogy resulting from this psychophysical work, as well as to conceptually compose the “practice of the self” (practice of disposing and coordinating emergent alterities) in the context of the Workshop. As interlocutors of the study, we seek a dialogue between philosophy of difference, with Deleuze and Derrida, neurobiology, with Humberto Maturana and Francisco Varela, and body dramaturgy with Amílcar Borges de Barros, whose theorizations have allowed this Project to understand physicality in his relationships with the ways in which the body disposes of its adaptive abilities to the proposed psychophysical challenges. Extreme physicality launches the body into a place of unfolding that creates conditions to be aware of the simultaneity of different domains that engender becoming: physiological, conceptual, perceptive, narrative domain. Thus, the lines that are being built in this initial cartographic design dispose of the alterities emerging from the Workshop alongside imbalance, error, shipwreck, as a condition for the processes of self-creation in artistic work and in life.

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  • TALLES ATYHE CARDOSO DE LIMA
  • DANÇA E DISCURSO:POÉTICAS E NARRATIVAS DE RESISTÊNCIA EM CORPOS DISSIDENTES

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • LUCAS VALENTIM ROCHA
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • TATIANA WONSIK RECOMPENZA JOSEPH
  • Data: 23/08/2022

  • Mostrar Resumo
  • A presente dissertação intenta analisar e refletir sobre as poéticas e narrativas de resistência inscritas em corpos dissidentes, que se apresentam como instâncias discursivas na dança contemporânea. Compreende-se a dança enquanto potência enunciativa que se materializa nos discursos dançados, como performatização de mobilizações, projetadas na cena como atos políticos de enfrentamento a determinados padrões e micropolíticas que emergem do corpo-sujeito que dança e (d)enuncia. Dessa forma, propõe-se a discutir como se constroem e se apresentam tais configurações na dança, partindo da análise de processos criativos das Companhias potiguares Gira Dança e CIDA (Coletivo Independente Dependente de Artistas). Apresenta-se, metodologicamente, como um Estudo de Caso (YIN, 2001). Pretende-se demonstrar como a potência discursiva da dança parte da ação engajada e coletiva de agrupamentos e sujeitos que se lançam em uma rede de projeção de sentidos, imagéticas e dissidências. 


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation intends to analyze and reflect on the poetics and narratives of resistance inscribed in dissident bodies, which present themselves as discursive instances in contemporary dance. Dance is understood as an enunciative power that materializes in the danced speeches, as a representation of mobilizations, projected on the scene as political acts of confrontation with certain standards and micropolitics that emerge from the subject-body that dances and (d) enunciates. Thus, it proposes to discuss how such configurations are constructed and presented in dance, starting from the analysis of the creative processes of the Potiguar companies Gira Dança and CIDA (Coletivo Independente Dependente de Artistas). It is presented, methodologically, as a Case Study (YIN, 2001). It is intended to demonstrate how the discursive power of dance starts from the engaged and collective action of groups and subjects that launch themselves into a network of projection of meanings, images and dissent.

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  • THAYANNE PERCILLA SANTOS DE AZEVEDO
  • Percursos da criação poética de uma encenadora-dramaturga: investigações a partir do processo criativo MAURÍCIO

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MONIZE OLIVEIRA MOURA
  • REBEKA CAROÇA SEIXAS
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 29/08/2022

  • Mostrar Resumo
  • Essa pesquisa-participativa de caráter experiencial nasce de uma prática artística que vem sendo desenvolvida há quatro anos por uma artista-pesquisadora que concebe montagens cênicas enquanto encenadora-dramaturga em um grupo jovem de teatro, transpondo a literatura autoral para a dramaturgia e esta para a encenação. Tal pesquisa utilizou como estudo de caso um recorte do processo criativo MAURÍCIO, do Grupo Interferências de Teatro, sendo material de análise a Peça-Experimento Maurício (2018) e a primeira fase da montagem do espetáculo Maurício, que se desdobrou na criação de Maurício: Uma Cena Experimento Virtual (2020). Pretende-se com esta investigação compreender o que é a função de encenadora-dramaturga, o que caracteriza essa função e quais os procedimentos de criação usados na criação poética de uma encenadora-dramaturga, sendo estes aspectos analisados em um contexto de grupo de teatro que atravessa e é atravessado pela pesquisa. Ao fim desta pesquisa, tem-se o registro de um trabalho desenvolvido de forma colaborativa por uma encenadora-dramaturga em um grupo jovem e independente do teatro potiguar.


  • Mostrar Abstract
  • This participatory-research of an experiential character is born from an artistic practice that has been developed for four years by a female artist-researcher who conceives scenic montages as a director-dramatist in a young theater group, transposing authorial literature to dramaturgy and this one to staging. This research used as a case study a clipping of the creative process MAURÍCIO, from Grupo Interferências de Teatro, being the material of analysis the Peça-Experimento Maurício (2018) and the first stage of the montage of the play Maurício, which unfolded in the creation of Maurício: Uma Cena Experimento Virtual (2020). The aim of this investigation is to understand what the role of a female director-dramatist is, what characterizes this role and what are the procedures used in the poetic creation of a female director-dramatist, being these aspects analyzed in a theater group context that crosses and is crossed by research. At the end of this research, there is a record of a work developed in a collaborative way by a female director-dramatist in a young and independent group from potiguar theater

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  • GLÊNIA MARIA DA SILVA FREITAS
  • Três diário à Carolina: Escrevivências de pele memória de uma artista-pesquisadora-negra na cena

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE ESPÍRITO SANTO DA SILVA
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • Data: 29/08/2022

  • Mostrar Resumo
  • Partindo da prática da escrevivência (EVARISTO, 2006), em articulação com a proposta de uma escrita acadêmica performática, uma escrita f(r)iccional (LYRA, 2020), essa dissertação em primeira pessoa, busca tramar um encontro meu com a escritora brasileira Carolina Maria de Jesus (2014) para uma conversa sobre nossos diários escritos em diferentes tempos, com o intuito de fomentar uma construção dramatúrgica, que tem como temas: a infância e a não representatividade nas mídias, a adolescência e a solidão da mulher artista negra nos dias atuais. Eu e Carolina, mulheres negras vivendo realidades tão semelhantes, travamos um diálogo entretempos onde são expostas situações de racismo, machismo, objetificação do corpo feminino negro, luta de classe dentro e fora da cena real e ficcional, tendo como base de reflexão, estudos introdutórios dos feminismos negros (RIBEIRO, 2018), (hooks, 2019), na defesa da ideia de uma experiência de pele-memória.


  • Mostrar Abstract
  • Starting from the practice of writing/living (EVARISTO, 2006), in conjunction with the proposal of an performative academic writing, a f(r)ictional writing (LYRA, 2020), this first-person dissertation seeks to arrange an encounter between me and the Brazilian writer Carolina Maria de Jesus (2014) for a conversation about our diaries written at different times, in order to foster a dramaturgical construction, that have as themes: childhood and non-representation in the media, adolescence and loneliness of the black female artist nowadays. Carolina and I, black women living such similar realities, engage in a dialogue between times where situations of racism, misogyny, objectification of the black female body, class struggle inside and outside the real and fictional scene are exposed, based on reflection, introductory studies of black feminisms (RIBEIRO, 2018), (hooks, 2019), defending the idea of a skin-memory experience.

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  • LILIANE DA SILVA BEZERRA
  • (SOU)PA DE PEDRAS: O RITUAL PERFORMÁTICO E O SIMBOLISMO ANCESTRAL A PARTIR DAS POÉTICAS DE SI

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOICE AGLAE BRONDANI
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 30/08/2022

  • Mostrar Resumo
  • A presente pesquisa identifica, analisa e vivencia os aspectos performáticos, ritualísticos e simbólicos em (Sou)pa de Pedras como estratégia de reivindicação política, social e cultural por meio de uma construção poética de si. A partir das experiências biográficas das minhas matriarcas que reverberam na minha trajetória pessoal, assim como também, no inconsciente coletivo ancestral de cada mulher discorro sobre os apedrejamentos sociais. De forma crítica e reflexiva, reconstitui uma linha do tempo investigativa a partir de um plano cartográfico das memórias para o levantamento de vivências que têm como base a transmutação da dor secular da alma feminina e os mitos que a partir delas se repetem. Ao resgatar os simbolismos sagrados do meu feminino ancestral, me deparo com a panela, enquanto caldeirão de sentimentos, sonhos e ideais interrompidos e privados por conta da supremacia patriarcal nordestina em que as mulheres da minha família e eu estamos inseridas. Nesta perspectiva este estudo estabelece uma ótica territorial sobre a resistência do existir. E, para reconstituir caminhos e possibilidades, encontro-me com outro símbolo de poder que desde as nossas ancestrais eram usadas para assinalar “locais de poder”: as pedras. O resultado disso é uma grande (Sou)pa de pedras, ritual performático, nomeado assim para alumiar o surgimento de um alimento artístico, espiritual e poético que tem a intenção de nutrir e restabelecer a nossa relação com as faces da grande Deusa. No final do trabalho eu escrevo uma carta para Maria Madalena e me reencontro com o outro lado do véo. Para concluir, me aproprio do conceito de fotoperformance, e a partir dele, consigo ressignificar o ritual de (Sou)pa de Pedras. Assim, através desta pesquisa busco resgatar a percepção, o deslocamento e a projeção da consciência em um nível profundo e sensível, nível em que se inserem os rituais.


  • Mostrar Abstract
  • This research identifies, analyzes and experiences the performative, ritualistic and symbolic aspects in (Sou)pa of stones as a strategy of political, social and cultural revindication through a poetic construction of the self. Based on the biographical experiences of my matriarchs that reverberate in my personal trajectory, as well as in the ancestral collective unconscious of each woman, I discuss social stoning. In a critical and reflexive way, I reconstitute an investigative timeline from a cartographic plan of memories to the survey of experiences that have as their basis the transmutation of the secular pain of the feminine soul and the myths that are repeated from them. In rescuing the sacred symbolisms of my ancestral femininity, I come across the pot, as a cauldron of feelings, dreams, and ideals interrupted and deprived because of the patriarchal northeastern supremacy in which the women in my family and I are inserted. From this perspective, this study establishes a territorial view on the resistance of existing. And, in order to reconstruct paths and possibilities, I find myself with another symbol of power that since our ancestors were used to mark "places of power": stones. The result is a great (Sou)pa of stones, a performative ritual, named thus to lighten the emergence of an artistic, spiritual and poetic food that has the intention to nourish and reestablish our relationship with the faces of the great Goddess. At the end of the work I write a letter to Maria Madalena and I meet the other side of the veil. To conclude, I appropriate the concept of photoperformance, and from it I can re-signify the ritual of (Sou)pa de Pedras. Thus, through this research I seek to rescue the perception, displacement and projection of consciousness at a deep and sensitive level, a level in which rituals are inserted.

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  • JESSICA DE LIMA TORREAO CEREJEIRA
  • INVESTIGAÇÃO HISTÓRICA SOBRE OS TRAJES DE CENA DOS CABARÉS E O TRAJE

    DA LENDÁRIA MARIA BOA


  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 31/08/2022

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa teve início a partir da vivência que antecedeu o desenvolvimento da coleção de moda feita pela autora,intitulada “Habite-me” (2015), durante a sua participação no Reallity Show Desafio Brasil Fashion, que teve como referência central a história de Maria Boa, uma figura icônica do Rio Grande do Norte. O objetivo geral da pesquisa é documentar a história dos trajes utilizados pelas mulheres, nos cabarés, ao longo da história, em especial os trajes utilizados pela lendária Maria Boa, tendo em vista que não se tem tantos registros fotográficos da época, de modo que esse estudo possa servir como referência iconográfica para os profissionais ligados a área de figurino e moda, bem como para a confecção de um traje da Maria Boa, delineando a parte expositiva desta pesquisa. Dentre os autores trabalhados nesta pesquisa, enfatizam-se os estudos do Prof. Dr. Fausto Viana (ECA/USP), reunidos no livro “O Traje de Cena como Documento”, que trata sobre o conceito do traje documental. Trata-se de uma pesquisa com caráter qualitativo e documental, no qual é traçado um panorama histórico da evolução dos cabarés e seus trajes ao longo da história, até chegar ao Nordeste brasileiro, onde nos deparamos com a história da lendária Maria Boa, cujo traje, um dos poucos que se tem registros, foi reproduzido e documentados, podendo posteriormente ser utilizado como figurino para produções audiovisuais e/ou teatrais. Nesse sentido, o projeto subsidiará o conhecimento científico do trabalho de pesquisa do traje, enquanto documento e sua intrínseca importância para a produção cênica.


  • Mostrar Abstract
  • This research began from the experience that preceded the development of the fashion collection made by the
    author, entitled "Habite-me" (2015), during her participation in the Reallity Show Desafio Brasil Fashion, which had as central reference the story of Maria Boa, an iconic figure of Rio Grande do Norte. The overall goal of the research is to document the history of costumes used by women in cabarets throughout history, especially the costumes used by the legendary Maria Boa, given that there are not so many photographic records of the time, so that this study can serve as an iconographic reference for professionals linked to the area of costume design and fashion, as well as for the making of a costume of Maria Boa, outlining the expository part of this research. Among the authors worked on this research, we emphasize the studies of Prof. Dr. Fausto Viana (ECA/USP), gathered in the book "O Traje de Cena como Documento", which deals with the concept of documentary costume. This is a qualitative and documental research, in which a historical panorama of the cabaret evolution and its costumes throughout history is traced, until it reaches the Brazilian Northeast, where we come across the story of the legendary Maria Boa, whose
    costume, one of the few recorded, was reproduced and documented, and may later be used as costumes for
    audiovisual productions and/or theater. In this sense, the project will subsidize the scientific knowledge of the
    costume research work, as a document and its intrinsic importance for scenic production.

     
     
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  • DENILSON DAVID OLIVEIRA SILVA
  • Um encontro com a extensão universitária na licenciatura em Teatro:  inquietações, atravessamentos e transformações

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • IRENE DE ARAUJO VAN DEN BERG
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 05/09/2022

  • Mostrar Resumo
  • A Extensão Universitária oportuniza aos discentes colocar em prática o conhecimento assimilado durante a graduação, ao mesmo tempo que possibilita que estes adquiram experiências na carreira escolhida, enquanto prestam um serviço à sociedade, e assim se tornem profissionais mais preparados e mais qualificados para o mercado de trabalho. Nessa perspectiva, o presente trabalho, recorre a estratégias descritivo-analíticas de dados qualitativos referentes ao processo de formação inicial do autor na Licenciatura em Teatro da Universidade Federal do Rio Grande do Norte e no seu entrelaçamento com a extensão universitária ocorrido durante este período, considerando as práticas desenvolvidas através do Grupo de Teatro Eureka e do Circuito de Teatro Escolar. Realizamos, portanto, uma aproximação reflexiva, em modo investigativo qualitativo, das contribuições da extensão no processo de formação acadêmica no referido curso e dos benefícios oriundos dessa relação. Pretende, ainda, evidenciar que é fundamental discutir os conceitos, as possibilidades, potencialidades e as dificuldades existentes na realização destas atividades supracitadas, de modo que seja possível, aperfeiçoá-las e ampliá-las para poderem cada vez mais atingir maiores contribuições e impactos na formação dos licenciados em Teatro.


  • Mostrar Abstract
  • The University Extension gives students the opportunity to put into practice the knowledge acquired during graduation, at the same time allowing them to acquire experiences in the chosen career, while providing a service to society, and thus becoming more prepared and more qualified professionals for the job market. job. In this perspective, the present work resorts to descriptive-analytical strategies of qualitative data referring to the process of initial formation of the author in the Degree in Theater of the Federal University of Rio Grande do Norte and in its intertwining with the university extension that occurred during this period, considering the practices developed through the Eureka Theater Group and the School Theater Circuit. Therefore, we carried out a reflective approach, in a qualitative investigative way, of the contributions of extension in the process of academic training in that course and the benefits arising from this relationship. It also intends to show that it is essential to discuss the concepts, possibilities, potentialities and difficulties in carrying out these aforementioned activities, so that it is possible to improve and expand them in order to increasingly achieve greater contributions and impacts on the training of graduates in Theater.

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  • MARIANA DOS SANTOS FERNANDES
  • Corpo Griot: Narrativas Ancestrais em Cena

  • Orientador : LARA RODRIGUES MACHADO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • CINÉZIO FELICIANO PEÇANHA
  • Data: 20/10/2022

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  • Este estudo corresponde a uma trajetória de pesquisa em dança iniciada ainda no período de
    graduação e que desemboca nesta dissertação de mestrado. Ancorada nas metodologias:
    Autoetinografia (SANTOS, 2017) e “Jogo da Construção Poética” (MACHADO, 2020), a
    pesquisa se desenvolve a partir do entendimento de corpo que habita as fronteiras entre a
    Tradição Oral e as Artes Cênicas, e que ao se mover conta histórias e anuncia ancestralidade, que
    aqui chamamos de “Corpo Griot”. O termo Griot, na região ocidental africana, refere-se à figura
    de um guardião e orador dos saberes culturais da sua comunidade que tem por função repassar o
    conhecimento de geração em geração, a partir da oralidade (BÂ, 1982). Na investigação deste
    corpo, interessa-nos perceber como ele se organiza e cria estratégias quando em processo de
    criação ou situação cênica. A partir de narrativas de memórias ancestrais, tanto da minha família
    materna, quanto da Capoeira Angola, forma-se na teia deste estudo, uma trama de questões
    pessoais e políticas sobre o corpo e sua história, refletindo problemáticas étnico-raciais na vida e
    nas artes cênicas, ligadas à minha trajetória. Essa trama, voltando-se a investigação em dança,
    engendra uma dramaturgia interna, a Tramaturgia, processo metodológico que vem se
    desenvolvendo durante esta pesquisa, maneira pela qual teceu sentidos entre: memórias,
    narrativas, escritas e a criação do solo “Corpo Griot”.


  • Mostrar Abstract
  • This study corresponds to a trajectory of research in dance that started during the graduation
    period and ended up in this master's thesis. Anchored in the methodologies: Autoetinography
    (SANTOS, 2017) and “Game of Poetic Construction” (MACHADO, 2020), the research is
    developed from the understanding of the body that inhabits the boundaries between the Oral
    Tradition and the Performing Arts, and that when move tells stories and announces ancestry,
    which we call here “Corpo Griot”. The term Griot, in the West African region, refers to the
    figure of a guardian and orator of the cultural knowledge of his community whose function is to
    pass on knowledge from generation to generation, based on orality (BÂ, 1982). In investigating
    this body, we are interested in understanding how it organizes itself and creates strategies when
    in the process of creation or scenic situation. From narratives of ancestral memories, both from
    my maternal family and from Capoeira Angola, a web of personal and political questions about
    the body and its history is formed in the web of this study, reflecting ethnic-racial issues in life
    and in performing arts, linked to my trajectory. This plot, turning to research into dance,
    engenders an internal dramaturgy, the Tramaturgy, a methodological process that has been developed during this research, the way in which it woven meanings between: memories, narratives, writings and the creation of the soil “Urucum'go”.

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  • MIGUEL EUGENIO BARBOSA SEGUNDO
  • NAVEGÂNCIAS AUTOFICCIONAIS: ROTAS PARA UMA ABORDAGEM ENTRE O REAL E O FICCIONAL NA CENA

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MÁRCIA CHIAMULERA
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 31/10/2022

  • Mostrar Resumo
  • Este trabalho é formado por duas camadas, a primeira, referente aos processos discursivos e reflexivos sobre a autoficção. A segunda, uma camada poética que atravessa a primeira, reorganizando e deslocando os olhares para o próprio ato do meu ser/fazer pesquisador/pesquisar. Essa pesquisa tem por objetivo investigar a autoficção no teatro, percebendo sua trajetória desde a literatura, onde o termo foi cunhado por Serge Doubrovysk, em 1977, até chegar ao campo das Artes Cênicas com a perspectiva de identificar estruturas que facilitem o reconhecimento dessas produções. Para fazer uma análise sobre esse tipo de produção autoficcional, crio duas rotas que formam essa minha experiência em navegância para perceber as relações de referencialidade nominal, a ficcionalização como modelagens de acontecimentos e uma abordagem não narcísica do eu. A primeira rota está associada à origem do termo autoficção na literatura e, posteriormente, à utilização do termo no teatro. A segunda, volta-se ao estudo de caso do espetáculo Deus te faça feliz, do Coletivo de Teatro Aruã (PB), no intuito de perceber quais elementos entre dramaturgia, espaço e encenação podem contribuir para perceber a autoficção no campo teatral, como também, quais podem ser os elementos de ficcionalização de uma obra e suas possíveis (re)elaborações da memória nesse processo.


  • Mostrar Abstract
  • This work is formed by two layers, the first, destined to discursive and reflective processes on autofiction. The second, a poetic layer that crosses the first, reorganizing and shifting the eyes to the very act of my being/doing researcher/research. This research aims to investigate autofiction in theatre, perceiving its trajectory from literature, where the term was coined by Serge Doubrovysk in 1977, until reaching the field of the Performing Arts, with the perspective of identifying structures that facilitate the recognition of these productions. To make an analysis of this type of autoficcional production, two routes were created that form this experience of my navegancias to perceive the relationships of nominal referentiality, fictionalization as models of real events and a non-narcissistic approach of the self. The first route is associated with the origin of the term autofiction in the literature and, later, the use of the term in the theater. The second one turn to the case study of the show God make you happy, from the Aruã Theater Collective (PB), in order to perceive which elements between dramaturgy, space and staging can contribute to perceive self-fiction in the theatrical field, as well as what can be the elements of fictionalization of a work and its possible (re)elaborations of memory in this process.

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  • SIMONE MARIA DOS SANTOS
  • EM MIM, "AS DORES DELAS": ELEMENTOS PEDAGÓGICOS DA OFICINA "CORPO RITUAL" DO GRUPO TOTEM

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • ALEXANDRE SILVA NUNES
  • Data: 21/12/2022

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  • A presente pesquisa de Mestrado tem por objetivo investigar elementos pedagógicos da Oficina Corpo Ritual do Grupo Totem, entendidos como condições de possibilidade para a emergência da performance "As Dores Delas", relativa a situações de violência obstétrica. Tendo a pedagogia do Grupo Totem como o pilar principal da pesquisa, esse trabalho descreve e analisa como a Oficina Corpo Ritual permitiu o processo de criação da referida performance, que compõe cenicamente questões tais como: a necessidade da humanização na assistência ao parto, a mortalidade materna, o papel da doula, o direito da mulher na escolha do parto normal ou cesáreo, e o racismo institucional contra as gestantes negras. A análise da performance é feita a partir do diálogo com referenciais teóricos sobre essa temática, enfatizando-se a importância de trabalhos cênicos de caráter político-social (artivismo) engajados com o empoderamento feminino.


  • Mostrar Abstract
  • This Master's research aims to investigate pedagogical elements of the "Ritual Body" workshop of Grupo Totem, understood as conditions of possibility for the emergence of the performance “Their Pains”, related to situations of obstetric violence. Having the pedagogy of Grupo Totem as the main pillar of the research, this work describes and analyzes how the "Ritual Body" workshop allowed the creation process of the referred performance, which scenically composes questions such as: the need for humanization in childbirth care, the mortality motherhood, the role of the doula, the woman's right to choose normal or cesarean delivery, and institutional racism against black pregnant women. The analysis of the performance is based on a dialogue with theoretical references on this theme, emphasizing the importance of scenic works of a political-social nature (artivism) engaged with female empowerment.

2021
Dissertações
1
  • PAMELA DUTRA DANTAS
  • Aurita: uma persona em desmontagem contínua

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • MARA LUCIA LEAL
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 26/02/2021

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  • Esta pesquisa refere-se ao processo de desmontagem contínua da obra original, criada como objeto de pesquisa da graduação, levando em consideração o atravessamento que ocorre diante da pessoalidade que se apresenta e que conduz a subjetividade na performance. Estou interessada na questão de como a performance imprime uma transgressão específica diante da realidade, mudando a perspectiva do espaço e do tempo, então eu olho para o processo de criação usando a metáfora dos diferentes estados de deglutição de uma beterraba, para experimentar a persona Aurita e suas formas infinitas. O objetivo geral do trabalho visa investigar o processo de transformação pelo qual passa a persona Aurita, para perceber as dores e afetos que cercam a mulher, por meio de uma dinâmica de narrativas familiares vinculadas à violência e ao trauma. E mostra a resistência contra atitudes que discriminam ou rejeitam a ideia de igualdade de direitos entre homens e mulheres que prevalece na sociedade. Aproveito então a desmontagem cênica como motor para a criação incessante multiplicando possibilidades, transformando o processo artístico em uma espécie de “instauração”, ou seja, um estado criativo que permanece em constante desmantelamento e expressa metamorfoses da “persona”, que se mantém fluida, livre e exposta a novas possibilidades de criação.


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  • This research refers to the process of continuous disassembly of the original work, created as an object of undergraduate research, taking into account the crossing that occurs before the personality that presents itself and that leads to subjectivity in performance. I'm interested in the question of how the performance prints a specific transgression in the face of reality, changing the perspective of space and time, so I look at the creation process using the metaphor of the different states of swallowing a beet, to experience the persona Aurita and its infinite forms. The general objective of the work aims to investigate the transformation process that persona Aurita goes through, in order to perceive the pains and affections that surround women, through a dynamic of family narratives linked to violence and trauma. And it shows the resistance against attitudes that discriminate or reject the idea of equal rights between men and women that prevails in society. I then take advantage of the scenic disassembly as an engine for the ceaseless creation multiplying possibilities, transforming the artistic process into a kind of “establishment”, that is, a creative state that remains in constant dismantling and expresses metamorphoses of the “persona”, which remains fluid, free and exposed to new possibilities of creation.

2
  • ALLEFF EMANUELL ARAUJO LIMA
  • : Cartas Diversas: Uma Investigação do Corpo-Máscara através da artificialidade, percepção e estado

  • Orientador : ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Rogério Lopes da Silva Paulino
  • Data: 25/03/2021

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa possui o objetivo de investigar o corpo-máscara através da identificação de três características: Artificialidade, Percepção e Estado. A partir da proposta de redes de criação, de Cecilia Salles, apresento uma metodologia processual, que se tece a partir das interações e afetos que acontecem durante o percurso. Assim, visando abrir diálogos, origanizo o texto no formato de cartas. Como estudo de caso, analiso alguns processos de criação que participei, à luz de reflexões sobre o corpo-máscara propostas por alguns pesquisadores, como Felisberto Sabino da Costa, Rudson Duarte e Andréa Stelzer.


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  • This research aims to investigate the body-mask through the identification of three characteristics: Artificiality, Perception and State. Based on the proposal of creation networks, by Cecilia Salles, I present a processual methodology, which is woven from the interactions and affections that happen during the course. Thus, aiming to open dialogues, I originate the text in the format of letters. As a case study, I analyze some creative processes in which I participated, in the light of reflections about the body-mask proposed by some researchers, such as Felisberto Sabino da Costa, Rudson Duarte and Andréa Stelzer.

3
  • JOÃO LUCAS SILVA BENTO
  • A COMPANHIA TRAQUEJO E O TEATRO NO SERTÃO DO ARARIPE

  • Orientador : ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • NERINA RAQUEL DIP
  • Data: 27/03/2021

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  • A presente pesquisa tem como tema principal as atividades da Companhia Traquejo, grupo de teatro com sede na cidade de Exú, PE. Busca-se apresentar o funcionamento da própria companhia e, com isso, evidenciar possibilidades para a profissionalização do teatro. O objetivo da investigação é o de discutir e compartilhar o caminho da Cia Teatro e Dança Traquejo. Importante salientar que o pesquisador é também membro fundador da Traquejo e, por conta disso, a metodologia de pesquisa utilizada faz referência aos estudos autobiográficos e histórias de vida. Espera-se que a pesquisa possa ser útil àqueles que queiram optar pelo gratificante caminho da profissionalização teatral através da gestão, pois uma das principais contribuições da presente pesquisa para o campo teatral é auxiliar a estudantes da área de Artes Cênica a buscarem a possível e árdua construção e manutenção de um grupo de teatro, alinhado à sua realidade de inserção social. Essa expectativa também visa colaborar para a criação, discussão e compartilhamento de estratégias possíveis de sustentabilidade de coletivos artísticos do interior brasileiro.


  • Mostrar Abstract
  • The main research of this research is the activities of Companhia Traquejo, a theater group based in the city of Exú, PE. It seeks to present the operation of the company itself and, with that, to highlight possibilities for the professionalization of the theater. The purpose of the investigation is to discuss and share the path of Cia Teatro e Dança Traquejo. It is important to note that the researcher is also a founding member of Traquejo and, because of this, the research methodology used makes reference to autobiographical studies and life stories. It is hoped that the research can be useful to those who want to choose the rewarding path of theatrical professionalization through management, as one of the main contributions of this research to the theatrical field is to help students in the area of Performing Arts to seek the possible and arduous construction and maintenance of a theater group, aligned with its social insertion reality. This expectation also aims to collaborate for the creation, discussion and sharing of possible sustainability strategies for artistic collectives in the Brazilian countryside.

4
  • BÁRBARA ARAÚJO GOMES E SOUZA
  • A imaginação e a (re)criação de memórias no processo criativo de atrizes e atores

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 29/03/2021

  • Mostrar Resumo
  • A presente dissertação busca rastrear as potencialidades da imaginação, durante a preparação de atrizes e atores. Nesse sentido, essa investigação teórico-prática parte dos registros de alguns dos meus diários de trabalho realizados nos ensaios do monólogo “Retalhos”, inspirado na vida e no universo particular de minha avó materna, que há anos tem lidado com a perda de memória. A reflexão teórica é acompanhada por alguns princípios da Somática e os métodos interpretativos desenvolvidos pelos atores e encenadores-pedagogos russos, Constantin Stanislávski e Michael Chekhov.


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to track the potential of imagination into the actresses and actors work. In this sense, this theoretical-practical investigation starts with some of my work diaries from the creative process of “Retalhos”, a monologue inspired by my grandmother’s life and private universe, which has changed in the past few years due to her memory loss. Theoretical reflection is based on some principles of Somatics and the interpretative methods developed by the Russian actors and stage pedagogues, Constantin Stanislavsky and Michael Chekhov.

5
  • CLARA OLIVEIRA DE MEDEIROS
  • A representação da mulher cangaceira no teatro: um estudo sobre os textos 'Lampião', de Rachel de Queiroz e 'Cangaceiras', de Cristina Siqueira

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • ANDRE CARRICO
  • ELEN DE MEDEIROS
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 30/03/2021

  • Mostrar Resumo
  • O presente trabalho investiga a representação da mulher cangaceira em textos dramáticos. Para tanto, são estudados os textos: Lampião (1953) de Rachel de Queiroz e Cangaceiras (2018) de Maria Cristina Siqueira. Os dois trabalhos apresentam o cangaço como mote central de suas narrativas e são estudados sob três aspectos: análise dramatúrgica, referências norteadoras e modo de representação das personagens cangaceiras. Por fim, é realizada uma análise comparativa entre as obras em relação a esses três aspectos. Como referencial teórico são utilizada(o)s a(o)s seguintes autora(o)s: Jorge Dubatti (2016) , Adriana Negreiros (2018), Durval Muniz de Albuquerque Júnior (2009; 2011),  Jean-Pierre Sarrazac (2017) e João Sanches (2016).


  • Mostrar Abstract
  • The present work investigates the representation of cangaço’s women in dramatic texts. For that, the dramas: Lampião (1953) by Rachel de Queiroz and Cangaceiras (2018) by Maria Cristina Siqueira, are sudied. Both works presentes the cangaço as the central theme of their narratives. The texts are studied under three aspects: dramaturgical analysis, guiding references and representation of the cangaceiras’ characters. Finally, a comparative analysis between the works is carried out regarding these three aspects. The following author (s) are used as the theoretical framework: Jorge Dubatti (2016), Adriana Negreiros (2018), Durval Muniz de Albuquerque Júnior (2009; 2011),  Jean-Pierre Sarrazac (2017) and João Sanches (2016).

6
  • ADRIANO ANDRÉ ROSA DA SILVA
  • Coreoedição: fluxo criativo na videodança

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 05/07/2021

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  • Esta pesquisa é fruto coreográfico das imagens que movem a coreoedição e sua poética em diálogo com a dança e o cinema, revelados nos processos de montagem e edição: quadros, planos e técnicas que se fazem presentes no gesto do corpo cinestésico para produção de imagens digitais de forma interativa na construção da videodança. Se enquadra em uma metodologia qualitativa, tendo como objetivo ampliar a pesquisa em dança e tecnologia por meio de produção prática e teórica, articulando conhecimentos acerca de técnicas do cinema, a partir dos autores Sergei Eisenstein (2002) e Andrei Tarkovsky (1998), tais como a dialética da montagem do cinema soviético, o plano-sequência, e a poética dos elementos expressos na cena do filme e como estes podem ser utilizados na coreoedição. Para tal, a presente pesquisa busca ainda refletir acerca das contribuições da cineasta Maya Deren (1960) por meio do coreocinema, buscando também refletir sobre os processos coreográficos através do corpo e da imagem em movimento dialogando com os recursos de filmagem. Faz-se relevante ainda o diálogo com duas autoras que consideram a edição uma forma de coreografia: Gretchen Schiller (2003) e Karen Pearlman (2009). Pretende-se também olhar para o desenvolvimento de videodanças no Brasil, cuja perspectiva foi ampliada nos últimos dois anos devido ao isolamento social da Covid-19, aproximando diversos artistas da dança e ampliando a criação dessa linguagem no país. Ademais, apresenta um percurso artístico-docente através da criação em videodança e uma descrição metodológica do processo de orientação da residência artística Coreoedição: fluxo criativo na videodança, desenvolvido pelo CenaUniversidade (UFPE - Universidade Federal de Pernambuco), bem como as videodanças coreoeditadas por artistas de Natal/RN e Recife/PE. Por fim, aponta a videodança e a coreoedição como uma possibilidade do corpo e do coreoeditor se expressarem através dos recursos tecnológicos da filmagem e edição, compartilhando poéticas.


  • Mostrar Abstract
  • This research is a choreographic result of images that move choreoediting and its poetics in dialogue with dance and cinema, which are revealed in the editing and mounting processes: frames, schemes and techniques that make themselves present in the gesture of the kinesthetic body for the production of digital images interactively in the construction of videodance. Fits into a qualitative methodology, aiming to expand research in dance and technology through practical and theoretical production, articulating knowledge about cinema techniques, based on the authors Sergei Eisenstein (2002) and Andrei Tarkovsky (1998), such as the dialectic of montage of the Soviet cinema, the sequence-shot, and the poetics of the elements expressed in the film scene and how they can be used in choreoediting. To this end, this research also seeks to reflect on the contributions of filmmaker Maya Deren (1960) through choreocinema, also seeking to reflect on the choreographic processes through the body and the moving image, dialoguing with the filming resources. It is also relevant the dialogue with two authors who consider editing a form of choreography: Gretchen Schiller (2003) and Karen Pearlman (2009). It is also intended to look at the development of videodance in Brazil, whose perspective has been expanded in the last two years due to the social isolation of Covid-19, bringing together several dance artists and expanding the creation of this language in the country. Furthermore, it presents an artistic-teaching course through videodance creation and a methodological description of the orientation process of the artistic residency Coreoedição: fluxo criativo na videodança developed by CenaUniversidade (UFPE) as well as videodances coreoedited by artists from Recife/PE and Natal/RN. Finally, points out videodance and choreoediting as a possibility for the body and the choreoeditor to express themselves through the technological resources of filming and editing, sharing poetics.

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  • PRICILA MORAIS DE FREITAS
  • TOCADOS PELA DANÇA, DANÇANDO PELO TOQUE : EXPERIÊNCIAS NO CONTEXTO DA ESCOLA DE ARTE E CULTURA PRO-ARTE – GUAMARÉ-RN

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA ROMANO DE ANDRADE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 30/08/2021

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  • O presente trabalho busca discutir sobre a importância do tocar no contexto do ensino da dança dialogando com algumas práticas corporais que utilizam o toque como referência, tais como o Contato Improvisação de Steve Paxton e a Eutonia de Gerdar Alexander. A abordagem metodológica tem como base a Fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty e parte das experiências vividas pela pesquisadora e por seus alunos da Escola de Arte e Cultura PRO-ARTE da cidade de Guamaré-RN-Brasil. Para a discussão se aproxima de autores como: Ashley Montagu, Maturana e Varela, Jorge Larrosa, Karenine Porpino, Petrucia Nóbrega, dentre outros. As reflexões apontam para possibilidades de ensinar dança partindo das sensações proporcionadas pelo tocar e consideram que o toque na pele também atravessa o invisível sendo capaz de despertar a consciência do indivíduo para sua dança. Embora a origem sensorial do toque seja percebida na pele, suas consequências vão além do que é sentido pelo tato e pelo visível, e favorece a sensibilização para a criação em dança.


  • Mostrar Abstract
  • The reasearch aims discuss about the importance of touching in the context of dance teaching interacting with some body practical that use touch as reference as Steve Paxton Contact Improvisation and Gerdar Alexander Eutony. The methodological approach is based on Maurice Merleau-Ponty Phenomenology and part of lived experience by the researcher and her students from Escola de Arte e Cultura – PRO-ARTE in Guamare-RN Brazil. For the discussion comes closer to authors like: Ashley Montagu, Maturana e Varela, Jorge Larrosa, Karenine Porpino, Petrucia Nóbrega and others. The reflections target to the possibilities of dance teaching from sensations given by touching and consider that skin touch also cross invisible lines evoking individual consciousness to one’s dance. Although the touch sensory origin is realized on someone’s skin, its consequences goes beyond what Is felt by the touch sense and the visible field and promotes awereness of dance creation.

8
  • CLAREANA NUNES GRAEBNER
  • Iá Ticum - O terreno fértil das vivências entre o campo e a criação cênica

  • Orientador : LARA RODRIGUES MACHADO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CARLA CRISTINA OLIVEIRA DE ÁVILA
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 30/08/2021

  • Mostrar Resumo
  • Essa dissertação de Mestrado propõe refletir sobre o processo de

    criação cênica desenvolvido pela autora do texto, alicerçado nas investigações

    de inventário pessoal e nas pesquisas sobre saberes tradicionais e ancestrais,

    junto às comunidades com as quais conviveu durante o percurso da pesquisa.

    A proposta metodológica do “Jogo da Construção Poética”, concebida por Lara

    Rodrigues Machado, foi base para o processo de pesquisa e para a criação da

    cena “Iá Ticum”. As comunidades que ampararam o desenvolvimento dessas

    reflexões foram, a comunidade da capoeira angola, a comunidade do

    Assentamento “Nova Suíça” e comunidades acadêmicas a exemplo da UFRN

    entre outras. Por meio das buscas de histórias do passado, descobertas

    corporais em vida escritas no presente, e das projeções desses saberes

    corporificados, como continuidade das giras vividas, acredita-se na sabedoria

    de “saber de si em comunidade”.


  • Mostrar Abstract
  • This master's degree dissertation, intend to reflect a concept about the scenic creation process developed by the author based on investigation of personal files and at the ancient and traditional knowledge, experienced with the communities wich the author got along trhow the study process. The methodologic propose of 'Game of the Poetic Construction' born of Lara Rodrigues Machado, was source to the study and creation process of 'Ia Ticum' scene. The communities that sustained this concept were Communitie of Capoeira Angola the settlement of the Communitie of Nova Suiça  and the academic communitie as UFRN itself among others.

9
  • THÂMARA MONIQUE CUNHA
  • ABRAM-SE AS CORTINAS: Uma montagem teatral como prática pedagógica inclusiva para o Ensino de Teatro

  • Orientador : JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • RUMMENIGGE MEDEIROS DE ARAÚJO
  • Data: 30/08/2021

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa de mestrado intitulada ABRAM-SE AS CORTINAS: Uma montagem teatral como prática pedagógica inclusiva para o Ensino de Teatro, tem como objetivo analisar o processo de montagem de uma peça teatral, por intermédio de uma prática pedagógica que considere a participação de crianças com e sem deficiência em contexto escolar. A montagem estava ligada ao Projeto de Literatura e Arte da escola, que tinha como homenageado nesse ano o escritor Ariano Suassuna. Cada turma ficou responsável por uma de suas obras, a escolha foi feita pelas professoras de Língua Portuguesa e Arte e os 9º anos ficaram com a peça A Pena e a Lei. Esse estudo acontece na Escola Municipal Benvinda Nunes Teixeira, no município de Guamaré/RN, em três turmas de 9º ano (A, B e C), no turno vespertino, sendo que a análise se centra na turma do 9º A, a qual tinha trinta e um alunos, contando com duas alunas com deficiência. Por meio desse trabalho vimos que é possível utilizar a montagem teatral como prática pedagógica envolvendo alunos com e sem deficiência ao longo do processo.


  • Mostrar Abstract
  • The master's research entitled OPEN THE CURTAINS: A theatrical montage as an inclusive pedagogical practice for Teaching Theater aims to analyze the process of mounting a theatrical play, through a pedagogical practice that considers the participation of children with and without disabilities in a school context. The montage was linked to the school's Literature and Art Project, which this year honored the writer Ariano Suassuna. Each class were responsible for one of his works. The choice was made by the Portuguese Language and Art teachers, and the 9th graders received the play A Pena e a Lei. This study takes place in the municipal school Benvinda Nunes Teixeira, in the municipality of Guamaré/RN, in three 9th grade classes (A, B, and C), in the afternoon shift, but this analysis focuses on the 9th grade A class, which had thirty-one students, including two students with disabilities. Through this work, we saw that it is possible to use theatrical production as a pedagogical practice, involving students with and without disabilities throughout the process.

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  • RENAN CARLOS MEDEIROS DA SILVA
  • ROTEIRO PERFORMATIVO: CIRCUITO DE INTERVENÇÕES PEDAGÓGICAS NA PRÁTICA DO PROFESSOR-PERFORMER

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • BETTINA RUPP
  • REBEKA CAROÇA SEIXAS
  • Data: 30/08/2021

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  • Esta pesquisa-intervenção dialoga com o híbrido professor-performer no processo de criação de uma prática denominada roteiro performativo. Realizada com turmas do ensino básico fundamental e médio da Escola Estadual Desembargador Floriano Cavalcanti (Natal – RN), as intervenções no corpo escolar foram apresentadas na jornada Nuvem de Partilhas – O Chão no Qual Pisamos (2019), realizada na escola pelo LABPerformance (Laboratório de Performance e Teatro Performativo - UFRN). Estruturada em formato de material educativo, apresenta quatro cadernos dissertativos compostos pelos roteiros performativos das ações pedagógicas presentes no catálogo do evento; colagens e fotografias; mídias e textos escritos durante a sua realização. No caderno Lousas: o pensamento em arte na prática do professor-performer, há um diálogo sobre o trajeto de composição dos projetos de performance e como eles partiram do conteúdo em arte ensinado em sala de aula para o conjunto de roteiros performativos criados nesta pesquisa. Em um segundo momento, o caderno Cartografias: configurações para os elementos corporais da performance, expõe as intervenções que surgiram nessas vivências entre o professor- performer e o corpo discente por meio de visualizações de mapas, linguagens e afetos. O terceiro caderno, Roteiro Performativo: laboratórios pedagógicos em práticas work in process, tem a finalidade de perceber como o professor-performer opera a criação coletiva de um roteiro performativo, ele consiste em uma reflexão dos acionadores performativos do corpo imerso em laboratórios work in process e quais elementos compõem a sua escrita. Há o Roteiro Performativo: circuito de ações pedagógicas em performance, onde são publicadas as 30 práticas criadas nesta pesquisa. Ele pode ser consultado em qualquer momento da leitura e é um convite ao leitor para ativá-las por meio da experiência. Portanto, ao fomentar no espaço da escola pública poéticas particulares conectadas intimamente ao seu trajeto pessoal fora dela, o roteiro performativo se constitui como expressão dos questionamentos que professores e alunos trazem para a sua formação. As diferentes formas de ancoragem do desejo nos processos subjetivos das diferentes identidades do corpo escolar produziram o exercício da linguagem artística para dar corpo aos impulsos gerados, de acordo com os valores expressos nos direitos humanos.


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  • These research-intervention dialogues with the hybrid teacher-performer in the process of creating a practice called performative script. Carried out with elementary and high school classes at the Desembargador Floriano Cavalcanti State School (Natal – RN), the interventions in the school body were presented in the journey Cloud of Shares – The Floor We Step (2019), held at the school by LABPerformance (Laboratory of Performance and Performative Theater - UFRN). Structured in the format of educational material, it presents four dissertation notebooks composed of the performative scriptss of the pedagogical actions present in the event's catalogue; collages and photographs; media and written texts during its realization. In the School Boards notebook: thinking in art in the practice of the teacher-performer, there is a dialogue about the path of composition of performance projects and how they departed from the art content taught in the classroom to the set of performative scripts created in this research. In a second moment, the Cartographies notebook: configurations for the bodily elements of performance, exposes the interventions that emerged in these experiences between the teacher-performer and the student body through visualizations of maps, languages and affection. The third notebook, Performative Scriptt: pedagogical laboratories in work in progress practices, aims to understand how the teacher-performer operates the collective creation of a performative script, it consists of a reflection of the performative triggers of the body immersed in work in progress laboratories and which elements compose the writing. There is the Performative Script: circuit of pedagogical actions in performance, where the 30 practices created in this research are published. It can be consulted at any time during the reading and is an invitation to the reader to activate them through experience. Therefore, by fomenting private poetics in the public school space intimately connected to their personal path outside it, the performative script is constituted as an expression of the questions that teachers and students bring to their training. The different forms of anchoring desire in the subjective processes of the different identities of the school body produced the exercise of artistic language to embody the generated impulses, in accordance with the values expressed in human rights.

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  • NELITA CASTRO ANDRADE
  • O LUGAR SECRETO: TESSITURAS CRIATIVAS ENTRE TECIDOS E CORPOS

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ISABEL CRISTINA VIEIRA COIMBRA DINIZ
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 31/08/2021

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  • A pesquisa apresentada aborda um estudo de cunho teórico-prático a partir de discussões sobre as tessituras e cargas poéticas criativas que o corpo é atravessado na contemporaneidade. Tem por objetivo refletir sobre uma construção criativa que põe em diálogo o tecido como elemento cênico e o corpo do intérprete na dança contemporânea, a partir de uma analogia, à significância dos tecidos que envolveram o persona de Jesus Cristo, para o processo de criação em dança contemporânea. A metodologia deste trabalho está baseada na proposição de Ciane Fernandes (2018), A prática como Pesquisa, que pensa a pesquisa em Arte como constructo entre teoria e prática cênica. Sendo assim, a minha prática de criação alimenta e é alimentada por fundamentos teóricos que sustentam e são sustentados pelos laboratórios  de investigação composicional. A pesquisa tem uma abordagem qualitativa e parte do entendimento que o corpo é a minha condição de existir, de aprender e de conhecer. O estudo dialoga com a improvisação como ferramenta à construção cênica para fomentar o ato criativo que entrelaça corpo-pele-tecidos. Foi possível perceber que o Lugar Secreto é dança na vida/de vida. Não é sobre apenas eu dançar minhas experiências, mas também poder ressignificar as mesmas. Essa pesquisa contribui para a área das Artes Cênicas, especificamente para a Dança ao mostrar o acontecimento artístico no espaço litúrgico cristão, no que diz respeito a esse corpo sagrado que cria através das técnicas de improvisação. Logo, é um trabalho cuja  transversalidade cultural é presente, pois é uma pesquisa que traz a ciência, religião e arte para discussão na contemporaneidade.


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  • The presented research addresses a theoretical-practical study based on discussions about the textures and creative poetic loads that the body is traversed in contemporaneity. Its objective is to reflect on a creative construction that puts in dialogue the fabric as a scenic element and the body of the performer in contemporary dance, based on an analogy, to the significance of the fabrics that involved the persona of Jesus Christ, for the process of creation in contemporary dance. The methodology of this work is based on the proposition of Ciane Fernandes (2018), Practice as Research, who thinks research in Art as a construct between theory and scenic practice. Thus, my creation practice feeds and is nourished by theoretical foundations that support and are supported by compositional research laboratories. The research has a qualitative approach and starts from the understanding that the body is my condition of existing, learning and knowing. The study dialogues with improvisation as a tool for scenic construction to foster the creative act that interweaves body-skin-fabrics. It was possible to see that Lugar Secreto is a dance in life/life. It's not just about me dancing my experiences, but also being able to reframe them. This research contributes to the area of Performing Arts, specifically for Dance, by showing the artistic event in the Christian liturgical space, with regard to this sacred body that it creates through improvisation techniques. Therefore, it is a work whose cultural transversality is present, as it is a research that brings science, religion and art to contemporary discussion.

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  • NICHOLAS GOMES VIANA DE OLIVEIRA
  • DESIDENTIFICAÇÃO DE GÊNERO: EXPERIÊNCIA QUEER NA PERFORMATIVIDADE DA DRAG QUEEN

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • REBEKA CAROÇA SEIXAS
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 31/08/2021

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  • Esta pesquisa visa refletir sobre a performatividade de gênero existente na minha prática cênica como professora drag queen performer. Nesse sentido, como estratégia metodológica relato minha formação em criação enquanto uma pessoa queer em processo pessoal de desidentificação. Desse modo, por um lado, utilizei a sala de aula como lugar de laboratório de performance, a fim de compreender a corporeidade presente no estado queen,  e, por outro,  a partir de experiências, busco  dialogar com pessoas marcadas por uma narrativa de resistência em performance queer. Os espaços abordados nesta dissertação são territórios de poder que se reconfiguram através das andanças de um corpo dissidente, clamando contra a normatividade e a ordem compulsória. O resultado desta dissertação é um relato, na forma de texto-performance de um corpo em trânsito migrando por caminhos errantes que se contaminam além das fronteiras para revelar suas práticas de performance e a criação de um laboratório drag.  


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  • This research aims to reflect on the gender performativity existing in my scenic practice as a drag queen performer teacher. In this sense, as a methodological strategy I report my training in creation as a queer person in my personal process of disidentification. Thus, on the one hand, I used the classroom as a place for a performance laboratory, in order to understand the corporeality present in the queen state, and, on the other, from experiences, I seek to dialogue with people marked by a narrative of resistance in queer performance. The spaces covered in this dissertation are territories of power that are reconfigured through the wanderings of a dissident body, clamoring against normativity and compulsory order. The result of this dissertation is an account, in the form of text-performance, of a body in transit migrating along wandering paths that contaminate itself across borders to reveal its performance practices and the creation of a drag laboratory.

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  • BIANCA ADELTRUDES DE VASCONCELOS
  • PESQUISADORA DE SI: INDIVIDUAÇÃO E CRIAÇÃO RITUALÍSTICA NAS ARTES DA CENA

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • JOICE AGLAE BRONDANI
  • Data: 31/08/2021

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  • A pesquisa intitulada Pesquisadora de Si: Individuação e Criação Ritualística nas Artes da Cena caminha pela vida e pela arte, pela ancestralidade e pela cultura, trafegadas pela autora. O principal objetivo deste estudo é verificar de que modo as pesquisas sobre si podem contribuir para os processos de criação nas artes da cena. Na busca por caminhos que desemboquem em uma cena ritualística a artista criadora tece relatos de suas próprias experiências (LARROSA, 2014) no campo das artes usando como principal fonte de inspiração a ancestralidade vivida no ceio familiar. Nesta trama a autora costura a vida real, os processos de criação e os processo de individuação (JUNG, 1991) trazendo à tona os atravessamentos provocados sobre sua vida em um universo dominantemente patriarcal. Estes relatos permitem um resgate do feminino e promovem um encontro da pesquisadora consigo mesma em seu corpo-casa-memória que é amparado pela mitologia da Deusa Tríplice e suas faces. A fim de criar um diálogo entre o fazer e o pensar a pesquisadora tece relações com o Teatro Ritual (HADERCHPEK, 2020), com a obra Mulheres que Correm com os Lobos (ÉSTES, 2014), e com A Jornada da Heroína (MURDOCK, 1990). Das tensões nascidas do encontro do corpo com as estruturas vigentes e as situações corriqueiras que compõem o ser mulher, artista e professora, irrompe uma contínua reflexão da pesquisadora sobre o seu próprio ser. Essa reflexão permite à pesquisadora uma compreensão das tramas que compõem a sua vida e evidenciam o diálogo com o coletivo e as práticas que a atravessam.


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  • The research entitled Researcher of the Self: Individuation and Ritualistic Creation in the Performing Arts walks through life and art, through ancestry and culture, carried by the author. The main objective of this study is to verify how research about oneself can contribute to the creative processes in the performing arts. In the search for paths that lead to a ritualistic scene, the creative artist weaves accounts of her own experiences (LARROSA, 2014) in the field of arts, using as her main source of inspiration the ancestry lived in the family setting. In this plot, the author sews real life, the processes of creation and the individuation process (JUNG, 1991) bringing to light the crossings caused on her life in a predominantly patriarchal universe. These accounts allow a rescue of the feminine and promote the researcher's encounter with herself in her body-house-memory that is supported by the mythology of the Triple Goddess and her faces. In order to create a dialogue between doing and thinking, the researcher weaves relationships with Ritual Theater (HADERCHPEK, 2020), with the work Mulheres que Correm com os Lobos (ÉSTES, 2014), and with A Jornada da Heroína (MURDOCK, 1990). From the tensions arising from the encounter of the body with the current structures and the everyday situations that make up being a woman, artist and teacher, a continuous reflection of the researcher on her own being emerges. This reflection allows the researcher to understand the plots that make up her life and evidence the dialogue with the collective and the practices that go through her.

2020
Dissertações
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  • NATALI FERREIRA ASSUNÇÃO
  • Narrativas de uma memória em chamas: uma experiência em teatro documentário

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARCOS MARCELO SOLER
  • Data: 10/02/2020

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  • A presente pesquisa aborda a construção de uma narrativa artística que engloba cinema, fotografia, teatro e escrita no pensamento acerca do documental. Propõe-se uma metodologia própria e uma reflexão sobre a construção de uma única narrativa documental a respeito da liberdade e do aprisionamento no cotidiano feminino a partir de 11 depoimentos reais, de mulheres de diferentes realidades sócio econômico culturais, em diálogo com um texto ficcional do escritor Mia Couto. O trabalho parte de uma escrita performativa e pensa sobre o teatro documentário, suas características, possibilidades e viabilização na cena em diálogo com a construção narrativa, trabalhando ainda a linguagem fotográfica por meio de um ensaio e a audiovisual por meio de um documentário em vídeo utilizando essas construções como etapas para a cena.


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  • This research addresses the construction of an artistic narrative that encompasses cinema, photography, theatre and writing in the thinking about documentary. It is proposed its own methodology a reflection on the construction of a single documentary narrative about freedom and imprisonment in women’s daily life from 11 real statements, of women from diferente cultural sócioeconomic realities, in dialogue with a fictional text by the writer Mia Couto. The work starts from a performative writing and thinks about the documentary theater, its characteristics, possibilities and feasibility in the scene in dialogue with the narrative construction, still working the photographic language through an essay and the audiovisual through a video documentary using these constructions as steps for the scene.

2
  • ELZE MARIA DE OLIVEIRA BARROSO
  • Um Corpo Cavalgado - A Pomba-Gira como Mito-Guia na Criação Performática

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA VALÉRIA RAMOS VICENTE
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 10/02/2020

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  • O trabalho visa a investigar a Pomba-Gira sob a perspectiva do mito-guia (LYRA, 2013), experienciado corporalmente, a partir da criação de uma série de performances destampadas pela Mitodologia em Arte (LYRA, 2013) propõe um caminho de procedimentos na restauração da imagem e do mito como disparadores do reconhecimento de si. Na experiência de performar a Pomba-Gira, acaba-se por tensionar o termo pejorativo de “mulata”, ao trabalhar imagens associadas à ideia de figuras femininas objetificadas pela sexualidade e advindas de um contexto histórico de discriminações por serem de matrizes africanas. Sendo mulher negra, a pesquisadora, dá corpo à figura da Pomba-Gira, discute questões sobre racismo estruturante e feminismo negro, procurando trazê-las para o âmbito das artes cênicas. Em convergência com o material acerca da Mitodologia em Arte, de Lyra, busca-se dialogar também com os conceitos de Pedagogia das Encruzilhadas, Luiz Rufino (2019). Pomba-Gira, Andréa Lage (2004), Stefania Capone (2003) Reginaldo Prandi (1996), Racismo, Grada Kilomba (2019), Interseccionalidade, Angela Davis (1981) e Performance, Renato Cohen (2002) para investigar o mito da Pomba-Gira.


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  • The work aims to investigate the Afro-Brazilian myth Pomba-Gira from the perspective of guide-myth (LYRA, 2013), experienced bodily from the creation of a series of performances uncovered by Mitologia em Arte (LYRA, 2013). Mitodologia em Arte proposes a path of procedures in the restoration of image and myth as devices of self-recognition. In the experience of performing the Pomba-Gira, the derogatory term of mulata ends up being stretched, working on a broader scope of female figures that are sexually objectified and departing from a historical context of discrimination due to their African matrices. Being a black woman, the author-researcher of this project, who embodies the figure of the Pomba-Gira, I wish to raise questions on societal racism or structural racism in Brazil and on black feminism, seeking to elaborate these issues in the performing arts. In convergence with the material of Mitologia em Arte, (“Mythodology in Art”), by Lyra, this work also seeks to dialogue with the concepts of Encruzilhada (Crossroads), Pedagogia das Encruzilhadas (Pedagogy of the Crossroads), Luiz Rufino (2019), the myth of the Pomba-Gira, Andréa Lage (2004), Stefania Capone (2003), Reginaldo Prandi (1996), Racism, Grada Kilomba (2019), intersectionality, Angela Davis (1981) and of Performance Art, Renato Cohen (2002) to investigate the myth of the Pomba-Gira.

3
  • FRANCO WILLAMY LIMA DA FONSECA
  • AGORA CHUPA ESSA MANGA - A CENA PÓS COQUETEL: INTERFACES DA AIDS NAS ARTES DA CENA

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE DUARTE BARBOSA JUNIOR
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 27/02/2020

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  • CONTRA INDICAÇÕES Este trabalho lê a aids como metáfora e defende o uso da metáfora a partir da construção ensaiada pela autora Susan Sontag (2007). Aqui apresento algumas provocações em formato de gota, uma gota reagente dos fluídos da pesquisa na qual discutimos as representações poéticas da aids nas artes da cena e como estas interagem com elementos intrínsecos a uma cultura caracterizada pelo domínio masculino, pelas disparidades sociais entre as fronteiras de gênero, classe e raça. Esta dose que lhes apresento é um compilado de escritos em formato de ensaios, casca, polpa e caroço da pesquisa sobre a noção de “pós coquetel” elaborada por Alexandre Nunes (2015). Neste escrito faço um relato reflexivo e dialogo em primeira pessoa sobre as experiências de campo que foram realizadas entre 2018 e 2020 e suas reverberações para esta pesquisa no campo prático e teórico. Ao tomar essas doses enxergo demarcações de territórios bem questionáveis sobre a carência do protagonismo de artistas soropositivos falando acerca da temática da aid$ e de como a noção de literatura pós coquetel pode ser lida como uma possível representação para o exame discursivo da epidemia nas artes da cena no Brasil. Esta representação dialoga com ideia de “epidemia discursiva” refletida por Marcelo Secron Bessa (1997) e ambas surgem no campo literário, sendo aqui contaminadas para um contexto no qual a epidemia se dá no âmbito nacional das artes da cena. Experimento lançar um olhar pós coquetel às artes da cena, e exemplifico como esta noção influencia a leitura dos processos criativos e no meu caso em uma dialética entre o erótico e o político. Encerro nossa conversa ensaiada na descrição de Práticas Contaminadas, tópico que reúne as atividades ainda em análise de dados, que expõe as práticas artísticas, pedagógicas e informativas da pesquisa em curso, que seguirá em movimento ainda depois de sua defesa de mestrado. Por fim, discorro sobre a ideia de Afeto colateral do qual sua principal reverberação é a performance Agora Chupa Essa manga.


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  • AGAINST INDICATIONS This work reads AIDS as a metaphor and defends the use of metaphor based on the construction by the author Susan Sontag (2007). Here I present some provocations in the shape of a drop, a reactive drop of the research fluids in which we discuss the poetic representations of AIDS in the performing arts and how they interact with elements intrinsic to a culture characterized by the male domain, by the social disparities between the borders of gender, class and race. This dose that I present to you is a compilation of writings in the form of essays, shell, pulp and lump from the research on the notion of “post cocktail” elaborated by Alexandre Nunes (2015). In this writing I make a reflective report and dialogue in first person about the field experiences that were carried out between 2018 and 2020 and its reverberations for this research in the practical and theoretical field. When taking these doses, I see very questionable demarcations of territories about the lack of protagonism of HIV-positive artists talking about the theme of "AID$" and how the notion of post-cocktail can be read as a possible representation for the discursive examination at epidemy in the arts of scene in Brazil. This representation dialogues with the idea of a “discursive epidemic” reflected by Marcelo Secron Bessa (1997) and both appear in the literary field, being contaminated here in a context in which the epidemic occurs within the national scope of the performing arts. I try to take a post-cocktail look at the performing arts, and I exemplify how this notion influences the reading of creative processes and in my case in a dialectic between the erotic and the political. I conclude our rehearsed conversation in the description of Contaminated Practices, a topic that brings together activities still in data analysis, which exposes the artistic, pedagogical and informative practices of the research in progress, which will continue in motion even after his post graduate defense. Finally, I discuss the idea of Side Affection, whose main reverberation is the performance Agora Chupa Essa Manga.

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  • NAARA OLIVEIRA MARTINS
  • A gente combinamos de escreviver: Poéticas Pretas e modos de autopotência na criação em Artes Cênicas

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • DENISE CARVALHO DOS SANTOS RODRIGUES
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • SARA ELTON PANAMBY
  • Data: 02/03/2020

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  • A partir de perspectivas afrocêntricas, este estudo pesquisa a noção de Poéticas Pretas como possibilidade de autopotência na criação em Artes Cênicas e como desestabilização das estereotipias raciais nesse âmbito, entendendo tais estereotipias como práticas epistemicidas que necessitam ser problematizadas e combatidas. Inspirando-se no conto A gente combinamos de não morrer, de Conceição Evaristo, a Dissertação ora apresentada, que se intitula A gente combinamos de escreviver, tece relações entre Poéticas Pretas e a produção de subjetividades Pretas, trabalhando com a importância do afeto entre nós mesmas/os (bell hooks) e com os “usos da raiva” (Audre Lorde), ambos necessários para a manutenção e sustento das nossas escrevivências. Para tanto, parte-se dos conceitos de “encruzilhada”, de Maria Leda Martins, como reversão metodológica; e de “necropolítica”, de Mbembe, enquanto política da morte, supressora e mantenedora das narrativas hegemônicas sobre os nossos corpos — este seundo conceito também inspirou a necroperformance ¿Y si muero aquí?, realizada nas cidades de Oaxaca de Juárez e Cidade do México / México, como parte desta pesquisa. Na esteira disso, este trabalho encruzilha epistemes de autoras e autores como Audre Lorde (1978; 2018), Abdias do Nascimento (1980), Sueli Carneiro (2003), Frantz Fanon (2008), Lélia Gonzalez (2018), Achille Mbembe (2018; 2016), bell hooks (1994), Maria Leda Martins (2003), Alice Walker (2018), Molefi Asante (2009), Alex Ratts (2007), entres outras/os. Este trabalho é carregado de “projéteis” que laboram sobre a responsabilidade com nós mesmas/os, a de compartilharmos e difundirmos linguagens e ações. Nós temos um compromisso com a quebra do silêncio, com a sua transformação numa linguagem criativa e artística. Assim, o que interessa nesta pesquisa-encruzilhada é sobretudo a reverberação dos abalos provocados pelas Poéticas Pretas. Essas que pretendem ir além dos padrões tradicionalmente entendidos como “raça”, fazendo cintilar a ideia de que há muitas formas de enunciar essas subjetividades Pretas a partir da arte e, portanto, também na vida.


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  • From afrocentric perspectives, this study investigates the notion of Black Poetics (Poéticas Pretas) as a possibility of self-power (autopotência) in the creation in Scenic Arts and as a destabilization of racial stereotypes in this scope, understanding such stereotypies as epistemicidal practices that need to be problematized and combated/opposed. Inspired by the story “A gente combinamos de não morrer” by Conceição Evaristo, the Dissertation presented here, which is entitled “A gente combinamos de escreviver” weaves relations between Black Poetics and the production of Black subjectivities, working with the matter of affection between ourselves (bell hooks) and the “uses of anger” (Audre Lorde), both needed for the maintenance and sustenance of our writings (escrevivências).  To do so, one begins with the concepts of “encruzilhada”, by Maria Leda Martins, as a methodological reversal; and “necropolitics”, by Mbembe, as politics of death, suppressor and maintainer of the hegemonic narratives on our bodies - this concept also inspired the necroperformance ¿Y si muero aquí?, performed in the cities of Oaxaca de Juárez and Mexico City / Mexico as part of this research. In the wake of this, this research crosses epistemes of authors and authors like Audre Lorde (1978, 2018), Abdias do Nascimento (1980), Sueli Carneiro (2003), Frantz Fanon (2008), Lélia Gonzalez (2018), Achille Mbembe (2018), bell hooks (1994), Maria Leda Martins (2003), Alice Walker (2018), Molefi Asante (2009), Alex Ratts (2007), among others. This research is filled with “projectiles” that acs on the responsibility with ourselves, to share and to spread languages and actions. We have a compromise in breaking the silence with its transformation into creative and artistic language. Thus, what matters in this “crossroads” research is overall the reverberation of the impression provoked by the Black Poetics. These are those that intend to go beyond the standards traditionally understood as “race”, making clearer the idea that there are many ways to enunciate these Black subjectivities from art and, also in life.

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  • FRANCISCO ALEXSANDRO DA SILVA
  • Do Palco ao Picadeiro – Circo e Palhaçaria Tradicional no Trabalho da Cia. 2 em Cena.

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • DANIELE PIMENTA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 03/03/2020

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  • O presente trabalho investiga o processo de apropriação da arte do Palhaço Tradicional Circense realizado pela Cia. 2 em Cena no período de 2007 a 2017, tomando como objeto de estudo três espetáculos do referido coletivo. Através de um Estudo de Caso, são analisados os elementos palhacescos/clownescos presentes nos espetáculos: Palhaçadas – História de um circo sem lona, Reprilhadas e Entralhofas – Um concerto para acabar com a tristeza e Do Vestido ao Nariz. Entre os elementos analisados encontram-se: a exploração do antagonismo da dupla cômica tradicional, a apropriação da dramaturgia circense clássica, a musicalidade circense e o papel da mulher palhaça no circo contemporâneo. A Cia. 2 em Cena de Teatro, Circo e Dança é um núcleo de pesquisa e produção cultural, sediado em Recife/PE, formado por Palhaços, músicos, atores e bailarinos que desempenham estudos acerca do Circo e do Palhaço Tradicional Circense, bem como sobre o teatro para crianças.


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  • The present work investigates the process of appropriating the art of the Traditional Circus Clown carried out by Cia. 2 em Cena from 2007 to 2017, taking as object of study three shows of the referred collective. Through a Case Study, the clown / clown elements present in the shows are analyzed: Clowns - History of a circus without canvas, Reprilhadas and Entralhofas - A concert to end sadness and From Dress to Nose. Among the elements analyzed are: the exploration of the antagonism of the traditional comic duo, the appropriation of classical circus dramaturgy, circus musicality and the role of the clown woman in contemporary circus. Cia. 2 em Teatro de Teatro, Circo e Dança is a center for research and cultural production, based in Recife / PE, formed by Clowns, musicians, actors and dancers who perform studies on Circus and Traditional Circus Clown, as well as about the theater for children.

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  • NATÃ BORGES FERREIRA
  • Portfólio Expandido: [Performance] Agah Precária [Afetada]

     

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • REGINA HELENA PEREIRA JOHAS
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 03/03/2020

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  • [Aqui] ressoa a voz da persona Agah Precária, como necessidade de existência, que se utiliza das noções de precário (Butler, 2004) para desestabilizar a ordem de gêneros identitários, compor um universo e prática queering, enquanto lugar de fala. Agah pode servir como uma metáfora das vestimentas que utilizamos para sair na rua, um atributo para o âmbito social e relacional, é uma possível composição de ser, para a reflexão que o espelho nos oferece. Através de desenhos e do repertório artístico na arte contemporânea, apresento meus trabalhos enquanto artista/pesquisadora. Trabalhos que tem a performance arte como eixo central da criação, um campo em constante fluxo e que tem o corpo como lugar do acontecimento. Este corpo se posiciona em um terreno político ante a um discurso massivo existente, que faz com que nos coloquemos uns contra os outros, atravessados por afetos como o medo. E somos individualizados e trancafiados em obtusas narrativas de solidão, atrás de grades, câmeras de segurança, condomínios fechados. A prática da performance [aqui] pode ser um convite para visitar o mundo e reformular discursos, pensar no chão que pisamos e no olhar para o outro, portanto diz dos afetos como vínculo social e político, como a amizade. Esse trabalho se divide em três partes, entrecortado também por intervenções textuais [texturas]. A primeira parte é o portfólio com 07 trabalhos como resultado da pesquisa que são: Id Entidade [Três Partes] (2015-17); Transito-No-Não-Trânsito (2016); Enquanto Me Calei Envelheceram Meus Ossos [Duas Partes] (2017); Arremedos (2017); Casamentos (2017-18); Guiada Pela Multidão (2018) e Xifopagã Capilares [Duas Partes] (2018). Na segunda parte apresento um olhar para a produção de outros artistas: Francis Alys, Doris Salcedo, Tunga e Tehching Hsieh. E a terceira parte são textos que dissertam, através de tópicos, questões pertinentes as performances apresentadas. São os seguintes tópicos: [Precária, Outro, Amizade, Corpo Precário e Malabar de Signos].

     


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  • The voice of the persona Agah Precária resonates [here], as a necessity for existence, which uses the notions of precariousness (Butler, 2004) to destabilize the order of identity genres. It compose a universe and queering practice, as a place of speech. Agah can be a metaphor for the clothes we use to go out on the street, an attribute for the social and relational realm. It is a possible composition of being for the reflection offered by the mirror. Through drawings and the artistic repertoire in contemporary art, I present my work as an artist / researcher. Works that have performance art as the central axis of creation, a field in constant flux and that has the body as the place of the event. This body is positioned on a political ground in the face of an existing massive discourse, which makes us stand against each other, crossed by affections such as fear. Thus, we are individualized and we became prisoner in obtuse narratives of solitude, behind bars, security cameras, apartment complex. The practice of performance [here] can be an invitation to visit the world and reformulate speeches, to think about the ground we walk on and to look at the other. It says about affections as a social and political bond, like friendship. This work has three parts, also interrupted by textual interventions [textures]. The first part is the portfolio with 07 works as the result of the research: ID Entidade (ID Entity)  [three Parts] (2015-17); Transito-no-não-trânsito (Transit-In-Non-Transit) (2016); Enquanto me calei envelheceram meus ossos (While I stood quiet My Bones got old) [two Parts] (2017); Arremedos (Simulacrum) (2017);  Casamentos (Weddings) (2017-18); Guiado pela multidão (Guided by the Crowd) (2018) and Xifopagã Capilares (without translation)  [two Parts] (2018). In the second part, I present a perspective at the production of other artists: Francis Alys, Doris Salcedo, Tunga and Tehching Hsieh. The third part is a text that addresses topics related to the performances presented before. The topics are [Precarious, Other, Friendship, Precarious Body and Juggling of Signs]

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  • FERNANDA DA SILVA ARAÚJO MÉLO
  • CARTOGRAFIOS DE UMA NARRATRIZ: performances entre contação de histórias, teatro e educação

  • Orientador : KARYNE DIAS COUTINHO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA PAULA ABRAHAMIAN DE SOUZA
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • LUCIANA HARTMANN
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 04/03/2020

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  • Esta Dissertação cartografou performances como experiências de criação de uma narratriz, envolvendo na composição desta a discussão de corpo narrativo, performance art e performance narrativa (contação de histórias). Escolhendo diferentes espaços educacionais como lócus performático, atravessando os conceitos de artista/docente de Isabel Marques (2011; 2014) e professor-performer de Naira Ciotti (2014), compreendi o híbrido narratriz dando corpopalavra a uma artista/educadora que mobiliza corporalmente questões onde quiser instaura-las. A investigação aconteceu através da vivência de três performances art provocadas pelas questões que o universo da narração oral trouxe a minha existência, costuradas às memórias de meu percurso pessoal como contadora de histórias e a pesquisas de contadoras/es de histórias brasileiras/os sobre a narração oral no mundo contemporâneo. Foi através dessas tecituras que destaquei três dos muitos fios presentes na composição com/do híbrido narratriz, em diálogo com discussões sobre corpo e performance, em teóricas/os como Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014) e Suely Rolnik (2016), bem como com o conceito de experiência em Jorge Larrosa (2014; 2018) e das relações entre performance e educação trazidas pelas vozes de Gilberto Icle (2017) e Mônica Bonatto (2017).


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  • This dissertation mapped performances as experiences of creation by a narractress, gathering for its composition the discussion of narrative body, art performance, and narrative performance (storytelling). By choosing different educational spots as performance locus, going through the concepts of artist/teacher formulated by Isabel Marques (2011; 2014) and professor-performer by Naira Ciotti (2014), I understood the hybrid narractress as providing body-word to an artist/teacher who mobilizes issues bodily anyplace she wants to. The investigation happened through the experience of three art performances provoked by the questions that the universe of oral narration brought to my existence, sewed to the memories of my personal path as a storyteller, and to the researches made by Brazilian storytellers on oral narration in the contemporary world. It was through those weavings that I highlighted three of many sewing threads present in the composition with/from the hybrid narractress, in dialogue with the discussions on body and performance: the theorists as Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014), and Suely Rolnik (2016), as the concept of performance developed by Jorge Larrosa (2014; 2018), and the relationship between performance and education brought by the voices of Gilberto Icle (2017) and Mônica Bonatto (2017).

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  • PABLO ROBERTO VIEIRA FERREIRA
  • MANEIRAS DE COMPOSIÇÃO EM PERFORMANCE 

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCELO EDUARDO ROCCO DE GASPERI
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 11/03/2020

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  • Esta pesquisa tem como objetivo investigar maneiras de composição relacionadas a linguagem da performance. Com intuito de traçar um panorama dessas maneiras que tocam no âmbito relacional, político e/ou engajamento social, me aproprio dos escritos de artistas como pressuposto metodológico. Como forma de aproximação direta deflagrando os disparadores desses performers, busco explorar e analisar a produção de Eleonora Fabião, Tania Alice e Beatriz de Medeiros, além das minhas vivências em performance. Entre os principais teóricos utilizados destacam-se Renato Cohen, Eleonora Fabião, Guillermo Gómez-Peña, Naira Ciotti, Jorge Glusberg e Tania Alice. 


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  • This research aims to investigate ways of composition related to performance language. In order to draw a panorama of those ways that touch on the relational, political and / or social engagement, I appropriate the writings of artists as a methodological presupposition. As a form of direct approach to trigger the triggers of these performers, I seek to explore and analyze the production of Eleonora Fabião, Tania Alice and Beatriz de Medeiros, in addition to my experiences in performance. Among the main theorists used are Renato Cohen, Eleonora Fabião, Guillermo Gómez-Peña, Naira Ciotti, Jorge Glusberg, and Tania Alice.

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  • RONILDO JÚNIOR FERREIRA NÓBREGA
  • Performar a prótese: corpos prostéticos e performatividades descrentes

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 12/03/2020

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  • Partindo de um entendimento de performance como ação-pensamento, esta dissertação coloca em discussão uma série de performances da descrença. Numa dinâmica que implica o corpo prostético e os processos autorreflexivos de escritura de gênero, busca-se traçar uma compreensão estética e política acerca de operações metalinguísticas da prótese em cena. Privilegiando o diálogo entre os estudos da performance e conceitos provenientes da teoria queer, cada capítulo é dedicado à leitura de obras que propõem, com particular intensidade, uma crítica ao gênero como mecanismo imposto numa complexa rede de relações econômicas, políticas e sociais. Destacando o gesto metaprostético como procedimento metacrítico da prótese sobre si mesma, argumenta-se que o corpo prostético, na iminência de tornar-se outro, não só experimenta o gênero enquanto máquina, mas se desdobra como agenciador de zonas de descrença em relação a uma tessitura de saberes que produzem identidades, práticas significantes e posições de enunciação a partir da genitalidade (cisnormatividade).


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  •  

    Considering performance art as an action-thought form, this dissertation raises a discussion on of a series of performances of disbelief. In a dynamic that involves the prosthetic body and the self-reflective processes of gender inscription, this research aims to trace an aesthetical and political understanding on the effects of a metalinguistic appearance of the prosthesis on the scene. Privileging the dialogue between performance studies and concepts from queer theory, each chapter organizes an analysis of works that propose, with particular intensity, a critique of gender as a mechanism imposed in a complex network of economic, political and social relations. Highlighting the metaprosthetic gesture as a metacritic procedure of the prosthesis on itself, it is argued that the prosthetic body, on the verge of becoming another, not only experiences the genre as a machine, but unfolds itself as an agent of disbelief zones in relation to a texture of knowledge that produces identities, significant practices and enunciation positions from genitality (cisnormativity).

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  • RENÊ LUIZ JÚNIOR
  • DANÇA, RESIDÊNCIAS ARTÍSTICAS E COMPOSIÇÃO EM TEMPO REAL 

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • ROSA CRISTINA PRIMO GADELHA
  • Data: 26/06/2020

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  • As palavras que começam a ser lidas agora, apresentadas como uma dissertação performativa, se colocam aqui como uma extensão de um corpo que dança. Se colocam enquanto uma ferramenta performativa que reevoca / que rememora / que traz à tona uma vez mais os encontros, os atravessamentos e os transtravessamentos artísticos do autor. Tem-se como propósito geral inserir o leitor no contexto de uma pesquisa de movimento contínua, tornando-o experienciador e cumplice dessa jornada. Trata-se, da exacerbação rizomática de quatro processos criativos originados pela confluência entre as vivências de uma residência artística para com o diálogo desse artista com as técnicas de composição em tempo real na dança. Esses dois conceitos se apresentam como os fios condutores dessa pesquisa, mas ao mesmo tempo se relacionam com outros conceitos igualmente relevantes para a produção do artista. Para alinhavar estas movências textuais a escrita performativa de artista é o fio condutor utilizado por um artista independente com formação transdisciplinar em design, que faz uso de palavras pretas, escritas sob o fundo amarelo, em um conjunto de páginas, escritas em sua maioria, na fonte Avenir Next, tamanho dez, por vezes justificado.


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  • The words that are now being read, presented as a performative dissertation, are placed here as an extension of a dancing body. They pose themselves as a performative tool that recalls / remembers / that brings up, once again, the artist's encounters, crossings and artistic crossings. Its general purpose is to insert the reader in the context of a continuous movement research, making him an experimenter and accomplice of that journey. It is the rhizomatic exacerbation of four creative processes originated by the confluence between the experiences of an artistic residency with the dialogue of this artist with the techniques of composition in real time in dance. These two concepts are presented as the conducting threads of this research, but at the same time they are related to other concepts equally relevant to the artist's production. To tackle these textual movements, the artist's performative writing is the guiding thread used by an independent artist with a transdisciplinary background in design, who uses black words, written under the yellow background, in a set of pages, written mostly in the Avenir Next font, size ten, sometimes justified.

     

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  • JOSEANE MARIA DA SILVA
  •  A Maquiagem como Experiência Artística e Pedagógica 

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MÔNICA FERREIRA MAGALHÃES
  • Data: 04/07/2020

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  • A pesquisa aborda o estudo da maquiagem enquanto experiência artística e pedagógica com alunos do ensino fundamental II. Esse estudo tem como objetivo discutir os conhecimentos da maquiagem partindo da ideia de aparência, a fim de proporcionar reflexões sobre o conceito de imagem nas relações sociais e na construção do personagem. Busca-se com o desenvolvimento de práticas pedagógicas e estratégias metodológicas, auxiliar no processo de construção do conhecimento da maquiagem e sua percepção enquanto elemento de linguagem da cena teatral. Os diálogos estabelecidos fundamentam-se na metodologia de pesquisa-ação, considerando as questões trazidas pelos discentes, e assim, despertando o olhar crítico do sobre sua própria realidade. Dessa forma, partimos das ideias de Bourdieu e Landowski para discutir sobre a aparência e os fatores que influenciam na construção da imagem. Destarte, as discussões dos autores Magalhães, Souza e Ramos trouxeram contribuições no entendimento da maquiagem enquanto linguagem cênica, refletindo enquanto um elemento que altera a aparência de quem a usa. Trago também as ideias de Freire como norte teórico sobre a educação, entendendo a importância dialógica entre o professor e o aluno no processo de construção do conhecimento. Assim, busca-se, com a pesquisa, difundir as questões sobre o ensino de teatro por meio do ensino da maquiagem, ampliando as discussões sobre a pedagogia teatral.


  • Mostrar Abstract
  • This research is about a makeup study as an artistic and learning experience in a secondary school. Its main objective is discussing the makeup knowledge from an idea of appearance. At the same time, it provides reflections about the concept of the image and how it interferes with social life and with character design. With the development of drama education and methodologic strategies, the work done with the students aims to assist them in the construction process of makeup knowledge, and its perception as an essential element on stage art. The dialogues are built based on the action research process. Moreover, they take into account the students' experiences and bring a thoughtful perspective about the students' lives.  That way, starting from the ideas of Bourdieu and Landowski, I discuss appearance and the factors that influence the personal image. Magalhães, Souza, and Ramos contribute with their perspective about the understanding of makeup as a stage art technology, which is an element that impacts the looks of those who wear it. In order to discuss education, based on Freire's ideas, who understands the dialogic importance between the teacher and the student in the learning process. As a result, this research strives to disseminate drama education with makeup experience, both enhancing and provoking discussions on drama pedagogy. 

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  • DALIANA MEDEIROS CAVALCANTI
  • Percursos de Formação de uma Cantora Lírica em Natal, Rio Grande do Norte

     

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • BARBARA BISCARO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 10/08/2020

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  • Essa dissertação tem como objetivo a democratização e partilha do conhecimento, através da minha trajetória, enquanto cantora lírica/de ópera, na busca não apenas de um corpo que canta, mas de um corpo que conta, se experimenta, se conhece, se conscientiza e se disponibiliza cenicamente, com o intuito de redimensionar a interpretação das músicas do repertório clássico, especialmente, a ópera. A pesquisa se destina a todas as cantoras líricas/cantores líricos, atrizes e atores e a qualquer pessoa que se interesse pelo tema corpo-voz. Essas experiências serão relatadas por meio de linguagem ensaística, inscrita numa estrutura que combine o texto acadêmico com a escrita musical da ópera, a fim de desenvolver uma polifonia entre essas linguagens e aproximar a(o) leitora/leitor dessa arte, que reúne recursos musicais e teatrais.


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  • This dissertation aims to democratize and share knowledge, through my trajectory, as a lyric/ opera singer, in the search not only for a body that sings, but for a body that counts, experiences itself, know itself, aware itself and it is available scenically, in order to resize the interpretation of the songs of the classical repertoire, especially the opera. The research is intended for all lyric singers, actresses and actors and anyone who is interested in the body-voice theme. These experiences will be reported through essay language, written in a structure that combines the academic text with the musical writing of the opera, in order to develop a polyphony between these languages and bring the reader closer to this art, that brings together musical and theatrical resources.

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  • JOSÉ BRITO DA SILVA FILHO
  • A experiência da Cia. Ortaet de Teatro do Centro-Sul cearense: percurso pedagógico e processos criativos

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • MARIA ALICE POSSANI
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 17/08/2020

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  • O presente texto trata de uma investigação e reflexão acerca do movimento de teatro de grupo no interior do estado do Ceará e em especial, as atividades artísticas e formativas da Cia Ortaet de Teatro, coletivo sediado na cidade de Iguatu/CE, no Centro-Sul cearense do qual sou um dos fundadores. A experiência do grupo apresenta alguns disparadores interessantes para se pensar como se dá a formação e a criação artística, assim como a organização e manutenção de um grupo fora dos grandes eixos econômicos do país. A pesquisa está ancorada em minha experiência prática dentro da Companhia Ortaet de Teatro e nos relatos de vários artistas e pesquisadores teóricos do estado do Ceará.


  • Mostrar Abstract
  • This text deals with an investigation and a thought about the group theater movement in inland cities of the state of Ceará and in particular, the artistic and training activities of “Cia Ortaet de Teatro”, a collective based in the city of Iguatu/CE, in the Center-South from Ceará of which I am one of the founders. The group's experience presents some interesting triggers to think about how formation and artistic creation take place, as well as the organization and maintenance of a group outside the major economic centers of the country. The research is anchored in my practical experience within the “Companhia Ortaet de Teatro” and in the reports of several artists and theoretical researchers from the state of Ceará.

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  • EDCEU BARBOZA DE SOUZA
  • GRUPO NINHO DE TEATRO, EXPERIÊNCIA E USOS TÁTICOS NA PRODUÇÃO E NA GESTÃO EM TEATRO DE GRUPO NO CARIRI CEARENSE

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LUIZ RENATO GOMES MOURA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 27/08/2020

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  • Compondo um entendimento das práticas do Grupo Ninho de Teatro a partir de dada compreensão de experiência (LARROSA E BENJAMIN), e por meio de minha localização como sujeito e objeto desta pesquisa que tem como metodologia a História Oral (PORTELLI), elaboro uma construção que articula saber e fazer em produção e gestão teatral a partir do olhar para as práticas do teatro de grupo em diálogo com os/as autores/as Flávia Janiaski Rosyane Trotta, Samanta Cohen, Danilo Castro e outros/as. Com recorte na trajetória de doze anos do Grupo Ninho de Teatro e do espaço Casa Ninho, no município de Crato/Ceará, região do Cariri, reflito sobre os procedimentos táticos (CERTEAU) que o grupo vem praticando para manter seu projeto sócio-político-estético de grupo. Para tanto, é descortinado o cotidiano do grupo evidenciando como este encontra, no campo do teatro de grupo, formas de gestar e produzir a manutenção de seu repertório, projetos e sede artística, nesse campo de estudos me aproximo dos autores Romulo Avellar, Teixeira Coelho, Maria Helena Cunha. Assim, o objeto dessa pesquisa se centra no teatro de grupo a partir do Grupo Ninho de Teatro, e seu modo de produzir e gerir. O objetivo dessa pesquisa é contribuir, a partir de dado recorte, para o registro de métodos e modos de fazer produção e gestão de um projeto de grupo considerando suas próprias táticas. Busco ainda colaborar para os estudos contemporâneos da história do teatro no Ceará.


  • Mostrar Abstract
  • Composing an understanding of the practices of Grupo Ninho de Teatro, based on a certain understanding of experience (LARROSA AND BENJAMIN), and through my location as the subject and object of this research, which uses Oral History as methodology (PORTELLI), I elaborate a construction which articulates knowledge and doing in production and theatrical management, from the perspective of group theater practices in dialogue with the authors Flávia Janiaski, Rosyane Trotta, Samanta Cohen, Danilo Castro and others. Based on the twelve-year trajectory of the Ninho de Teatro Group and the Casa Ninho space, in the city of Crato / Ceará, Cariri region, I reflect on the tactical procedures (CERTEAU) that the group has been practicing to maintain their group's socio-political-aesthetic project. For that, the group's daily life is revealed, showing how the group finds ways to manage and produce the maintenance of its repertoire, projects and artistic headquarters in the field of group theater. In this field of studies, I approach the authors Romulo Avellar, Teixeira Coelho, Maria Helena Cunha. Therefore, the object of this research focuses on group theater based on the Ninho de Teatro Group and its way of producing and managing. The objective of this research is to contribute, from a given point of view, to the registration of methods and ways of producing and managing a group project considering its own tactics. I also seek to collaborate for contemporary studies of the history of theater in Ceará.

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  • MARCIO FIGUEIREDO DE SÁ LEITÃO
  • CIRCO-DANÇA: UMA VISÃO SOBRE O HIBRIDISMO ENTRE O CIRCO E A DANÇA A PARTIR DA EXPERIÊNCIA NA RODA CYR

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • LETÍCIA DAMASCENO BARRETO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • Data: 16/12/2020

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  • Essa dissertação visa pesquisar em uma abordagem transdisciplinar como a dança e o circo se modificam quando trabalham juntos, a partir da utilização do aparelho circense chamado roda cyr. O circo surge como cultura popular, repositório de crendices, mitos, representações consideradas, até então, grotescas e linguagens espontâneas, sem o rigor necessário para se chegar ao padrão artístico, muito distante ainda da perfeição do Belo, ideal este predito pela cultura clássica. A arte e os artistas circenses são reconhecidos por apresentarem uma miscigenação com várias outras linguagens artísticas, incluindo a Dança, que por sua vez é utilizada como um elemento de coesão e diversão na construção dos espetáculos e números circenses. Pode-se afirmar que existem processos de criação, em espetáculos do circo contemporâneo, que entrecruzam o circo e a dança, surgindo assim uma possível nova linguagem. As duas artes têm o corpo e o movimento como elementos essenciais em comum. A partir da reflexão do papel do corpo nos processos hibridizados pelas duas áreas e pensando nas possibilidades de movimentações com o aparelho utilizado, está sendo possível ampliar o horizonte de reflexões teóricas e metodológicas presentes na interface do fazer cênico com outras linguagens artísticas. Com um caráter qualitativo, a partir de um relato de experiência e além da pesquisa bibliográfica, no trabalho estão sendo utilizadas como fontes de coletas de dados as seguintes ações: pesquisa documental e entrevistas semiestruturadas, com roteiro semidefinido, relacionando com minha experiência artística.

     


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation aims to research in a transdisciplinary approach how dance and circus change when they work together, using a circus device called the cyr wheel. The circus emerges as popular culture, a repository of beliefs, myths, representations considered, until then, grotesque and spontaneous languages, without the necessary rigor to reach the artistic standard, still far from the perfection of the Beautiful, an ideal predicted by classical culture. Circus art and artists are recognized for their miscegenation with several other artistic languages, including dance, which in turn is used as an element of cohesion and entertainment in the construction of circus shows and numbers. It can be said that there are creative processes, in contemporary circus shows, that intertwine circus and dance, thus emerging a possible new language. The two arts have the body and movement as essential elements in common. From reflecting on the role of the body in the processes hybridized by the two areas and thinking about the possibilities of movement with the device used, it is possible to expand the horizon of theoretical and methodological reflections present in the interface of scenic making with other artistic languages. With a qualitative character, from an experience report and in addition to bibliographic research, the following actions are being used as sources of data collection: documentary research and semi-structured interviews, with a semi-defined script, relating to my artistic experience.

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  • LEILA BEZERRA DE OLIVEIRA
  • Gira Coral: A Dança do Sagrado Feminino como manifestação da Dança no Jogo da Construção Poética

  • Orientador : LARA RODRIGUES MACHADO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA ELEONORA MONTENEGRO DE SOUZA
  • Data: 16/12/2020

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  • O presente trabalho busca imergir no universo da Dança do Sagrado Feminino como manifestação da Dança no Jogo da Construção Poética. Os textos abordam impressões vividas pela artista e autora dessa dissertação, sobre a trajetória desse mergulho no que há de mais íntimo em seu corpo e suas descobertas ao propor um retorno ao templo interno, às raízes, à natureza selvagem, ao coração. Em suas essências é uma pesquisa de vivências que imergem em danças, ritos e rituais de mulheres. Por meio de laboratórios práticos, com procedimentos metodológicos de poéticas pessoais do corpo, dar-se vida a um processo de criação artística ritualística imersa em danças. Um processo de descoberta e afloramento. Uma provocação aos impulsos que vêm de dentro.


  • Mostrar Abstract
  • The present work seeks to immerse in the universe of Feminine Sacred Dance as a manifestation of the Dance in the Play of Poetic Construction. The texts address impressions lived by the artist and author of this dissertation about a trajectory of this dive that is no longer intimate in his body and his discoveries by proposing a return to inner temple, such as the variations of archives, a wild nature, to the heart. In its essences is a research of experiences that arise in dances, rites and rituals of women. Through practical laboratories with methodological procedures of personal poetics of the body, bring to life a process of ritualistic artistic creation immerserd in dances. A process of discovery and flowering. A taunt to impulses from within.

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  • LÍVIA CAMILLE MACIEL DE OLIVEIRA
  • A DANÇA-JOGO COMO POSSIBILIDADE NO ENSINO DA DANÇA

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA ROMANO DE ANDRADE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 18/12/2020

  • Mostrar Resumo
  • Este trabalho é uma pesquisa qualitativa que teve como objetivos: refletir sobre a prática da dança-jogo como possibilidade de ensino da dança; como fazer uma aula de dança em que os alunos se motivassem a participar e investigar outras possibilidades do ensino da dança. A pesquisa abrangeu a experimentação de aulas desenvolvidas com alunos dos quintos anos da Escola Municipal Deputado Erivan França, discentes na disciplina de mestrado “Poéticas e Estéticas Descoloniais” do Programa de PósGraduação em Artes Cênicas da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN) e graduandos na disciplina de Licenciatura em Dança da UFRN “Dança e Educação”. Para isso, as pesquisas de alguns autores da área de dança educação são consideradas com o intuito de reflexão, como Carolina Andrade e Kathya Godoy (2018), Teodora Alves (2019), Márcia Strazzacappa (2001), Karenine Porpino (2006) e Lara Machado (2017). Percebeu-se que os alunos da escola lócus da pesquisa em fase inicial participavam ativamente de jogos propostos em sala de aula que envolviam movimentação corporal, mas não dançavam. Nesse sentido, esse estudo desenvolveu o termo dança-jogo com o intuito de transformar o jogo em uma proposta de dança. É necessário considerar que essa pesquisa deixa em aberto a possibilidade de novos desdobramentos desse termo através de novas experimentações em seus diversos espaços, como sala de aula, quadra esportiva, laboratórios de criação, praças, ruas e onde mais for possível ser realizada.


  • Mostrar Abstract
  • This work is a qualitative research whose objectives were: to reflect on the practice of dance-game as a possibility of teaching dance; how to take a dance class in which students are motivated to participate and investigate other possibilities of dance teaching. The research covers classes with students of the fifth grade of the Deputado Erivan França Public School, students in the class “Poetics and Decolonial Aesthetics of the Graduate Program in Performing Arts at the Federal University of Rio Grande do Norte (UFRN) and Dance undergraduate students in the class "Dance and Education". For this, the researches of some authors in the field of dance education are brought with the intention of reflection, such as Carolina Andrade and Kathya Godoy (2018), Teodora Alves (2019), Márcia Strazzacappa (2001), Karenine Porpino (2006) and Lara Machado (2017). It was noticed that the students of the Public School actively participated in the games proposed in the classroom that involved body movement, but did not dance. In this sense, this study developed the term dance-game in order to transform the game into a dance proposal. It is necessary to consider that this research leaves open the possibility of new developments of this term through new experiments in its various spaces, such as the classroom, sports court, creative laboratories, squares, streets and where else it can be done.

2019
Dissertações
1
  • RITA TATIANA GUALBERTO DE ALMEIDA
  • Performances desobedientes Compartilhadas Com Crianças: Diário do Professor-Performer

     

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • GLÁUCIO MACHADO SANTOS
  • Data: 14/02/2019

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  • Este trabalho configura-se como um diário sobre compartilhamento de performances desobedientes com crianças de São Paulo (SP), Cunha (SP), Recife (PE), Natal (RN) e Nova Olinda (CE). Para tanto se utiliza de uma linguagem que busca compartilhar com o leitor o processo de criação junto às crianças utilizando o método cartográfico (KASTRUP, 2015). O ponto de partida para compreender as crianças está conectado a conceitos oriundos da sociologia (SARMENTO, 2002) e da antropologia da criança (COHN, 2005), nos quais ela é compreendida como protagonista do seu meio cultural. O processo artístico em constante transformação tem como base para construção de pensamento o ato do brincar como performance a partir dos estudos da performance (SCHECHNER, 2003) e do Work in Process (COHEN, 2004), buscando refletir sobre a figura do professor-performer (CIOTTI, 2014) como um agente disparador de propostas e a cena performativa. Para discutir o compartilhamento de ações, a pesquisa apresenta estudos sobre a Arte Participante e Virada Pedagógica na arte (BISHOP, 2012) e a Transpedagogia e Arte Social Engajada (HELGUERA, 2011). Foi verificado neste estudo que as performances desobedientes criam espaços de livre expressão como possibilidade de diálogo para repensar processos artísticos e pedagógicos, e para refletir sobre estas questões, relaciona os estudos das pesquisadoras e feministas negras como RIBEIRO (2017), BERTH (2018), HOOKS (2013), os estudos sobre a caça as bruxas (FEDERICI,2017), a perspectiva sobre infância e compartilhamento dos povos originário através de KRENAK (2018), a ideia de Cultura Matrística (VERDEN-ZOLLER;MATURANA,2015) e a contribuição de pensamento sobre a desconstrução da colonialidade (QUIJANO,2009) para que possamos rever conceitos acerca de políticas para a infância, a partir de pontos de vistas que estão próximos a formação da cultura Latino Americana.


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  • This work is set up as a journal about sharing disobedient performances with children from São Paulo (SP), Cunha (SP), Recife (PE), Natal (RN) and Nova Olinda (CE). For this, a language is used that seeks to share with the reader the process of creation with the children using the cartographic method (KASTRUP, 2015). The starting point for understanding children is connected to concepts from sociology (SARMENTO, 2002) and child anthropology (COHN, 2005), in which they are understood as protagonists of their cultural environment. The art process in constant transformation is based on the construction of thought the act of playing as a performance based on performance studies (SCHECHNER, 2003) and Work in Process (COHEN, 2004), seeking to reflect on the figure of the teacher-performer (CIOTTI, 2014) as a proposal triggering agent and performative scene. To discuss the sharing of actions, the research presents studies on Participatory Art and Pedagogical Turn in Art (BISHOP, 2012) and Transpedagogy and Engaged Social Art (HELGUERA, 2011). It was verified in this study that disobedient performances create spaces of free expression as a possibility of dialogue to rethink artistic and pedagogical processes, and to reflect on these issues, relates the studies of black feminists and researchers such as Riberiro (2017), Bert (2018), HOOKS (2013), studies on witch-hunts (FEDERICI, 2017), the perspective on childhood and sharing of the original peoples through KRENAK (2018), the idea of matrística culture (Verden-Zoller, Maturana, 2015) and contribution of thought on the deconstruction of coloniality (QUIJANO, 2009) so that we can review concepts about policies for childhood, from points of view that are close to the formation of Latin American culture.

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  • VICENTE MARTOS MOREIRA
  • Pesquisa-Casa: Táticas Analíticas sobre Performances Invisíveis

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 21/02/2019

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  • Esta pesquisa-casa tem como referência poética a Casa Amarela, de Vincent Van Gogh, e trata-se de um exercício de escrita em residência. Nos situamos no campo da Performance para perseguir um relato de experiência partir do deslocamento São Paulo/SP - Natal/RN. Na primeira parte – Pesquisa-Casa, abordamos a noção de casa em uma perspectiva ampliada, tornando visíveis as subjetividades no processo de habitar, bem como suas relações com o processo criativo. Na segunda parte – Táticas Analíticas, revisitamos as caixas de objetos e as experiências de moradas passadas. Visitamos as residências, os trabalhos antigos, exposições e projetos dos quais participei. Na terceira parte, Performances invisíveis, evocamos os arquivos, fazendo exercícios de curadoria. Tratamos dos processos de Expulsão e Apagamento, e também algumas diferentes visões do conceito de Afeto. Alguns processos criativos e produtos estéticos foram produzidos ao longo da pesquisa. Como produto artístico apresentamos a instalação de mesmo título da pesquisa, no LABPerformance UFRN/DEART.


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  • This house-research has The Yellow House, by Vincent Van Gogh, as poetic reference, and it is a writing exercise in residence. We are located in the field of Performance to pursue an experience report about the displacement São Paulo / SP - Natal / RN. In the first part - House-research, we approach the notion of house in an extended perspective, making visible the subjectivities in the process of dwelling, as well as its relations with the art creative process. In the second part - Analytical Tactics, we revisit the boxes of objects and the experiences of past addresses. We visited the residences, the old works, exhibitions and projects of which I participated. In the third part, Invisible Performances, we evoke the archives by doing curative exercises, dealing with the processes of Expulsion and Erasure, and also some different views of the concept of Affection. Some creative processes and aesthetic products were produced throughout the research. As an artistic product we present the performing installation LABPerformance UFRN / DEART.

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  • ALLAN PHYLLIPE GOMES CASSEMIRO DE ARAÚJO
  • Entre a dor e o amor: A excitação do corpo sensível, as memórias e os afetos nos processos de criação cênica.

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LÍGIA LOSADA TOURINHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 25/02/2019

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  • O presente trabalho apresenta uma reflexão acerca da excitação do corpo sensível que foi desenvolvida dentro do Grupo Arkhétypos e estudada no decorrer do meu Trabalho de Conclusão de Curso de Licenciatura em Teatro (2015) na Universidade Federal do Rio Grande do Norte.  O corpo sensível, que busco conceituar, é aquele em que a abertura para a troca com o outro se torna plena, despertando afetos e reacendendo memórias. Tal estudo se pauta no conceito proposto por Francisco Duarte Junior (2001) do sensível, que remete aos sentimentos e emoções adquiridos no decorrer de nossas histórias e encontros. A pesquisa aborda também o conceito de Memória defendido por Bergson e de afetos e sua interpessoalidade – afetar e ser afetado – trabalhado por Spinosa. O estudo sobre esta excitação deste corpo sensível é realizado a partir do meu trabalho de intérprete-criador dentro do processo de criação do espetáculo Gosto de Flor, um trabalho cênico que situa-se entre a Dança e o Teatro e que aborda a temática do amor dentro da perspectiva do universo masculino/homoafetivo. O espetáculo contou com a direção de Lara Machado e foi desenvolvido no ano de 2017 pelo Grupo Arkhétypos. Analisando o processo de criação pude constatar que este despertou memórias em meu corpo e produziu afecções que me fizeram resignficar a dor e reconhecê-la como potência para a criação cênica. No decorrer do trabalho eu me doo, me entrego e exponho minhas memórias a partir de uma discussão de gênero decorrente do processo criativo, e finalizado o trabalho concluindo que o corpo sensível também tem uma dimensão política.


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  • The present work presents a reflection about the excitation of the sensitive body that was developed within the Arkhétypos Group and studied during my Work of Completion of Degree in Theater (2015) at the Federal University of Rio Grande do Norte. The sensible body, which I seek to conceptualize, is the one in which openness to exchange with the other becomes full, arousing affections and rekindling memories. This study is based on the concept proposed by Francisco Duarte Junior (2001) of the sensible, which refers to the feelings and emotions acquired in the course of our stories and encounters. The research also addresses the concept of Memory advocated by Bergson and affections and their interpersonality - affect and be affected - worked by Spinosa. The study of this excitement of this sensitive body is carried out through my work as an interpreter-creator within the process of creating the show Gosto de Flor, a scenic work that sits between Dance and Theater and that approaches the theme of love within the perspective of the masculine / homoaffective universe. The show was directed by Lara Machado and was developed in the year 2017 by the Arkhétypos Group. Analyzing the process of creation I could see that it awakened memories in my body and produced affections that made me resignify the pain and recognize it as a power for the scenic creation. In the course of the work I give myself, surrender and expose my memories from a discussion of gender resulting from the creative process, and finalizing the work concluding that the sensitive body also has a political dimension.

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  • HIKEL BRAUWN RIBEIRO DE MORAIS
  • A ARTE DOS MÁGICOS: CORPO, PERFORMATIVIDADE E ENGANAÇÃO

     

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 27/02/2019

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  • Esta pesquisa é um estudo experimental sobre a arte dos mágicos. Analisamos e discutimos alguns dos processos criativos desencadeantes utilizados por esses artistas como elementos técnicos que promovem a ilusão, formas de fazer e agir e o universo subjetivo do artista. Estabelecemos relações com as artes cênicas, os livros de referência e as anotações de palestras de mágicos, diluindo fronteiras epistêmicas. Três elementos pontuam esta investigação: o corpo do performer, a performatividade e a natureza de sua arte. Entrevistas e relatos de experiências foram analisados nesta pesquisa, considerando também o próprio processo artístico do pesquisador. A discussão teórica propõe diálogos com autores das artes cênicas, performance teatral e performativa, abordando os aspectos práticos e teóricos relacionados à formação de mágicos.


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  • This research is an experimental study on the art of magicians. We analyze and discuss some of the creative processes triggered by these artists as technical elements that promote the illusion, ways of doing and acting and the subjective universe of the artist. We established relationships with the performing arts, reference books and magician lecture notes, diluting epistemic boundaries. Three elements punctuate this investigation: the body of the performer, the performativity and the nature of its art. Interviews and reports of experiences were analyzed in this research, also considering the artist's own artistic process. The theoretical discussion proposes dialogues with authors of the performing arts, theatrical and performative performance, addressing the practical and theoretical aspects related to the formation of magicians.

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  • NADJA ROSSANA LOPES DE SOUSA
  • A.M.E. – Arte, Método e Espiritualidade: Processos de Criação Cênica Inspirados pela Educação em Valores Humanos

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ESTHER FRAGOSO FERNÁNDEZ
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 28/02/2019

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  • A inquietação de transformar-me e o desejo de estimular as pessoas para que elas possam descobrir seu caminho de transformação foi o que me moveu nessa pesquisa. O teatro se mostra para mim como um espaço propício e fértil que me permite vislumbrar essas possibilidades, mesmo diante de uma sociedade que vive uma crise ética, do não exercício dos valores humanos e o isolamento social. A sociedade que tem sede e necessidade da criatividade. Assim, esta investigação propõe identificar os elos entre a Educação em Valores Humanos (EVH) criado por Sathya Sai Baba, e o Teatro, a partir da Dramaturgia dos Encontros (o eu, o outro, a plateia) e da Poética dos Elementos (Ar, Terra, Água, Fogo, Éter) desenvolvida por Robson Haderchpek, tendo como pano de fundo o pensamento complexo de Edgar Morin. Toda a investigação tem como fio condutor o modelo da criatividade quântica e parte da premissa da consciênciaproposta por Amit Goswani. Para propor essas conexões metodológicas, foi preciso antes refletir e descrever o sentindo do corpo e sua implicação no processo criativo, o que me levou à denominação e à percepção de que a cada instante lidamos com um corpus. Para desmistificar, esta pesquisa fala de conhecimentos que nos acompanham desde a ancestralidade até os dias atuais, por isso divagamos em tempos diferentes, costuramos fatos e dialogamos conhecimentos da sociedade que mostram algumas dimensões que contemplam e constituem no despertar nos Valores Humanos em cada um de nós. Como resultado prático desta pesquisa nós temos o experimento cênico Em Terra Ser que é analisado sob a perspectiva do método Educare e que faz paralelos entre os processos de criação cênica e Educação em Valores Humanos.


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  • The anxiety of transforming myself and the desire to stimulate people so that they can discover their path of transformation was what moved me in this research. The theater shows itself to me as a propitious and fertile space that allows me to glimpse these possibilities, even in the face of a society that is experiencing an ethical crisis, not exercising human values and social isolation. The society that has thirst and need for creativity. Thus, this research proposes to identify the links between Education in Human Values (EVH) created by Sathya Sai Baba, and the Theater, from the Dramaturgy of Meetings (the self, the other, the audience) and the Poetics of the Elements , Earth, Water, Fire, Ether) developed by Robson Haderchpek, against the background of the complex thinking of Edgar Morin. All research has as its guiding principle the model of quantum creativity and part of the premise of consciousness proposed by Amit Goswani. In order to propose these methodological connections, it was necessary first to reflect and describe the feeling of the body and its implication in the creative process, which led me to the denomination and the perception that at every instant we deal with a corpus. In order to demystify, this research speaks of knowledge that accompanies us from ancestry to the present day, so we digress in different times, sew facts and dialogue knowledge of society that show some dimensions that contemplate and constitute in awakening in Human Values in each of we. As a practical result of this research we have the scenic experiment In Earth Being that is analyzed from the perspective of the Educare method and that parallels the processes of scenic creation and Education in Human Values.

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  • JOÃO VITOR FERREIRA NUNES
  • A Força e a Chuva Feminina em um Sertão bem masculino: imersão performática nos ritos de passagem de Bia Mulato pela Mitodologia em Arte

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 01/03/2019

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  • Ao redor do mundo, enquanto pesquisadoras buscavam respostas sobre os fenômenos que há no universo exterior, Carl Gustav Jung (1984a; 2000b; 2012c; 2013d), psiquiatra suíço, realizava uma pesquisa inversa, questionando-se acerca dos fenômenos em nosso interior. Jung dedicou parte de sua vida a esta pesquisa, descobrindo que no interior masculino há uma dimensão do feminino em contínua retroalimentação. Para nomear essa dimensão feminina, apropriou-se da palavra Ânima, que se pode traduzir por Alma e é oriunda do latim. Segundo Jung, para além da instância religiosa que a palavra evoca; a ânima: alma, nada mais é do que as imagens arquetípicas do eterno Feminino, tanto no inconsciente como na conscientização de todos os homens. Integrado a esta proposição junguiana, reconhecendo e valorizando a minha feminilidade, como pesquisadora, desde 2013, inaugurei uma busca por processos de criação nas artes da cena que tivessem como mote a provocação desta dimensão anímica em mim, na intenção de desancorar as figuras femininas que se encontrem em meu interior. Ao longo de investigações corporais, por cerca de três anos, no contexto da graduação em Teatro da UFRN, desemboquei na figura da minha avó materna, Bibiana Maria da Conceição, conhecida como Bia Mulato. Pois é justamente a figura da cabocla Bia, cuja história de luta e resistência remonta significativos ritos de passagem (GENNEP, 2011), em episódios de violência, prostituição e busca de liberdade, que vai conduzir este trabalho dissertativo. Estimulada em laboratórios de criação pela Mitodologia em Arte (2011a; 2014b; 2015c); um complexo de procedimentos de criação de cunho ritualísticos e míticos desenvolvidos pela Profa. Dra. Luciana Lyra, adentrei em experiências corporais que vem destampando impulsos anímicos, os quais me afinam com minha avó, na provocação de um lugar de escuta entre gerações, que, a um só tempo, desemboca no fenômeno da fala pela via da cena.


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  • While several researches around the world were seeking answers to the phenomena that occur in outer universe, the swiss psychologist Carl Gustav Jung (1984a, 2000c, 2012, 2013d) was conducting a research towards the opposite direction, rising questions about the phenomena in our inner self. Jung, who dedicated part of his life to this research, concluded that in the inner masculine subject there is a feminine dimension that remains in a continuous feedback. This feminine dimension was named Anima, a term of latin origin that means Soul. According to Jung, besides the religious connotation of the word, anima/soul also represents the archetypal images of the eternal feminine dimension, both in the unconscious and conscious mind of all men. Following this Jungian proposition and recognizing and valuing my femininity, as a researcher, since 2013 I have started searching for creative processes in performing arts that have as motto the provocation of the soul dimension in me, in order to release the feminine figures that are in my inner self. Over several processes of corporal investigation in the course of three years, during my graduation in performing arts at UFRN, I have reached to the figure of my maternal grandmother, Bibiana Maria da Conceição, known as Bia Mulato. In this regard, this study was conducted through the figure of cabocla Bia, whose history of struggle and resistance recreates significant rites of passage (GENNEP, 2011) in episodes of violence, prostitution and the search for freedom. During a series of ritualistic and mythical creation procedures that were fostered in laboratories of creation through Mythodology in arts (2011a; 2014b; 2015c) and developed by Profa. Dr. Luciana Lyra, I have entered into corporal experiences that have been unraveling my soul's impulses, which brought me closer to the figure of my grandmother, in pursuit of a space for hearing between generations, which, at the same time, leads to the speech through the scene.

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  • RODRIGO CUNHA SANTOS
  • Coletivo de Teatro Bárbara Idade: engendramentos feministas na cena da mulher senescente

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • RENATA PIMENTEL TEIXEIRA
  • Data: 01/03/2019

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  • Este trabalho dissertativo lança um olhar acerca dos aspectos pedagógicos e cênicos desenvolvidos com o Coletivo de Teatro Bárbara Idade, um grupo de alunas e alunos idosos, aqui nomeadas de senescentes (em estado de envelhecimento), e formado a partir dos cursos de teatro para terceira idade do SESC SANTO AMARO/PE. Tomando como base de investigação os processos de criação e os espetáculos do coletivo desde 2005, acercamos os trânsitos do grupo no que se refere ao hibridismo de linguagens entre teatro, literatura, artes visuais e performance, em especial, a presença de histórias pessoais na cena, dialogando com os caminhos de criação das artistas-pesquisadoras: Luciana Lyra (2011, 2013, 2015), Emanuella de Jesus(2016) e Vivi Téllas (apud DOURADO, 2017). Neste trama entre cena e pedagogias de criação, desembocamos em uma abordagem feminista ao palco entrecruzando olhares com Márcia Tiburi (2018), Djamila Ribeiro (2017), Chimamanda Adíchie (2016) e Margaretn Rago (1998).


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  • This dissertation takes a look at the pedagogical and scenic aspects developed with the Coletivo de Teatro Bárbara Idade, a group of elderly students, here named senescente (in a state of aging), and formed from the theater courses for third age of SESC SANTO AMARO / PE. Based on research on the creation processes and the collective shows since 2005, we have approached the transits of the group regarding the hybridism of languages between theater, literature, visual arts and performance, especially the presence of personal stories in the scene , dialoguing with the creative ways of the artists-researchers: Luciana Lyra (2011, 2013, 2015), Emanuel de Jesus (2016) and Vivi Téllas (apud DOURADO, 2017). In this plot between the scene and creative pedagogies, we end up with a feminist approach to the stage intersecting with Márcia Tiburi (2018), Djamila Ribeiro (2017), Chimamanda Adíchie (2016) and Margaretn Rago (1998).

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  • GEORGE ROCHA HOLANDA
  • A autodireção como experiência criativa do ator

  • Orientador : ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 01/03/2019

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  • Esta pesquisa tem como objeto a autodireção num trabalho solo. O estudo parte de processos criativos para investigar modos de se dirigir, o enfoque no papel do ator e do diretor, e a dinâmica de quem cria ocupando ao mesmo tempo a direção e a atuação. O trabalho também analisa a posição do performer quanto à sua autonomia criativa, a relação do teatro de grupo e a criação do palhaço. Foram realizadas entrevistas com quatro atores-diretores que passaram pela recente experiência da autodireção: Georgette Fadel (SP), Nena Inoue (PR), Matteo Bonfitto (SP) e Michel Melamed (RJ). As entrevistas foram utilizadas para a análise dos modos de autodireção e delas foram extraídos pontos de discussão sobre o tema. Serve de base teórica para o trabalho as obras de autores como Anne Bogart (2011), Peter Brook (2002), Antônio Araújo (2011) e David Mamet (2014), Matteo Bonfitto (2002 e 2013), Cassiano Sidow Quilici (2015), Sophie Proust (2006), Fayga Ostrower (2014) entre outros. Destaque-se ainda para a utilização do método cartográfico - em face da intervenção do pesquisador no processo e daquele investigar a autodireção durante uma experiência de criação -, e a escrita por meio de ensaios.

     


  • Mostrar Abstract
  • This research aims the self-direction in a solo work. The study had parted of creative processes that investigates ways to direct, the work of acting and directing and the dynamics of those who create occupying the places of actor and director at the same time. In addition, the work also examines the performer's position on his creative autonomy, the theater groups and the creative process of the clown. It was interviewed four actors-directors who have been through the experience of self-directing recently: Georgette Fadel (SP), Nena Inoue (PR), Matteo Bonfitto (SP) and Michel Melamed (RJ). The interviews were used for the analysis of the forms of self-direction and, from them, it was extracted points of discussion of the subject. The work of Anne Bogart (2011), Peter Brook (2002), Antônio Araújo (2011) e David Mamet (2014), Matteo Bonfitto (2002 e 2013), Cassiano Sidow Quilici (2015), Sophie Proust (2006), Fayga Ostrower (2014) and many others, serves as a theoretical basis for the work. This research also uses the cartographic method - because the intervention of the researcher in the process and this researcher investigate the selfdirection in a creation experiment - and the writting in the form of esays.

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  • MONIQUE LUCA MARITAN
  • Caboclas de lança e flor na boca - Experiência artetnográfica na cena das mulheres do Maracatu Coração Nazareno-PE

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 01/03/2019

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  • Esse trabalho dissertativo busca analisar a cena e as relações de gênero do Maracatu Rural, expressão artística presente majoritariamente no município de Nazaré da Mata – Pernambuco, com foco no grupo de mulheres, intitulado Maracatu Coração Nazareno (2004). A dissertação traz à tona os aspectos das dimensões estéticas (cena, personagens/figuras, figurinos, máscaras, música, dança, textualidades), que definem o Maracatu Rural como ‘Brincadeira’. O trabalho abrange também as dimensões dos aspectos ritualísticos presentes no Maracatu Rural, acerca dos elementos rituais e sagrados na cena performática. Na discussão de gênero, busca analisar e compreender os lugares ocupados pelas mulheres do grupo e as consequentes ressignificações das relações que envolvem gênero e poder, provocadas, em especial, pela performance da Cabocla de Lança, uma releitura do caboclo de lança, figura fundamental do Brinquedo, de tradição masculina e patriarcal. Por meio do trabalho de campo, buscou-se compreender quais esferas são alcançadas por essa transgressão e ressignificação proposta pela tomada e ocupação das mulheres nesses novos espaços e renovados cargos dentro da tradição. O caminho metodológico utilizado na investigação em campo foi a Artetnografia, que sugere que o encontro entre artistas e contextos de alteridade se configure como um contato intenso e subjetivo, no intuito de chegar à complexidade das estruturas e organizações dos símbolos que habitam as estruturas sociais relacionais e seus corpos.


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  • This dissertation seeks to analyze the scene and the gender relations of the Maracatu Rural, an artistic expression present mainly in the municipality of Nazaré da Mata - Pernambuco, with a focus on the women group, entitled Maracatu Coração Nazareno (2004). The dissertation brings to light the aspects of aesthetic dimensions (scene, characters / figures, costumes, masks, music, dance, textualities), which define the Maracatu Rural as 'Joke'. The work also covers the dimensions of the ritualistic aspects present in the Rural Maracatu, about the ritual and sacred elements in the performance scene. In the discussion of gender, it seeks to analyze and understand the places occupied by the women of the group and the consequential re-significances of the relationships involving gender and power, caused in particular by the performance of Cabocla de Lança, a retelling of the spear caboclo, a fundamental figure of the Toy, of masculine and patriarchal tradition. Through fieldwork, we sought to understand what spheres are reached by this transgression and resignification proposed by the taking and occupation of women in these new spaces and renewed positions within the tradition. The methodological path used in the field research was Artetnography, which suggests that the encounter between artists and contexts of alterity is configured as an intense and subjective contact, in order to reach the complexity of the structures and organizations of the symbols that inhabit relational social structures and their bodies.

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  • MATHEUS GIANNINI CALDAS DANTAS
  • NARRATIVAS AUTOBIOGRÁFICAS: UMA PROPOSTA DIALÓGICA PARA O ENSINO DE TEATRO


  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CHARLITON JOSE DOS SANTOS MACHADO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 07/03/2019

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  • A presente pesquisa parte da necessidade de problematizar um planejamento pedagógico para o Ensino de Teatro, numa perspectiva dialógica, a partir de uma idéia de ampliação dos conteúdos e práticas de ensino. Investigar a inserção nesse campo de trabalho das Narrativas Autobiográficas enquanto uma forma de repensar o próprio percurso, de estabelecer relações entre esse percurso pessoal e familiar e questões sociais, econômicas, políticas e culturais mais amplas, de trazer à tona a importância da memória. O desenho investigativo que se apresenta a partir da pesquisa qualitativa nos conduziu a pensar uma abordagem metodológica que não expusesse apenas o diálogo freireanoe sua relação com o Ensino de Teatro, através das Narrativas Autobiográficas como fundamento para a realização da pesquisa. Mas de certo modo, foi preciso compreender a realidade do aluno, para elaboração dos planos de aulas que proporcionassem a construção de conhecimento e ampliassem a visão sobre teatro; que não seria apenas de descrever uma prática, de estudar um caso, mas de dialogar com os sujeitos e construir a pesquisa junto a eles através da pesquisa ação. Neste sentido, buscamos focalizar nas situações específicas do cotidiano da Escola Estadual em Tempo Integral Ambulatório Cardeal Câmara, situada no município de Mossoró, RN, durante as aulas de Artes nas turmas dos 4º e 5º anos, a partir de um mergulho sobre o projeto “Minhas Narrativas”.A pesquisa está delineada detalhando uma descrição do lócus associando-o aos princípios freireanos durante a proposta pedagógica, discutindo o que é autobiografia e descrevendo sua proposta metodológica, Além da apresentação da execução do projeto através de uma construção dialógica do ensino de Teatro, utilizando a preparação corporal para iniciação das narrativas autobiográficas e Jogos para a construção cênica do espetáculo de cada turma. Além de analisar as dificuldades, facilidades, e o que mudou em relação ao ensino e a aprendizagem em Teatro.


  • Mostrar Abstract
  • The present research starts from the need to problematize a pedagogical plan for Theater Teaching, from a dialogical perspective, based on an idea of expanding the contents and practices of this teaching, and investigating the insertion in this field of Autobiographical Narratives as a form of to rethink their own course, to establish relationships between this personal and family journey and wider social, economic, political and cultural issues, to bring to the fore the importance of memory. The research design that presents itself from the Qualitative research led us to think a methodological approach that not only exposed the Freirean dialogue and its relation with Theater Teaching through the Autobiographical Narratives as basis for the realization of the research. In this way, it was necessary to understand the reality of the student, to elaborate the lesson plans that would provide the construction of knowledge and broaden the vision and the theater; which would not only describe a practice, to study a case, but to dialogue with the subjects and build the research along with them through action research.In this sense, seeking to focus on the specific situations in the daily life of the Escola Estadual em Tempo Integral Ambulatório Cardeal Câmara, located in the city of Mossoró, RN,during the classes of Arts in the classes of the 4th and 5th years, from a dive on the project " My Narratives ".The research is outlined detailing a description of the locus associating with the Freirean principles during the pedagogical proposal, discussing what is autobiography and describing its methodological proposal; besides the presentation of the project execution through a dialogical construction of Theater teaching, using the body preparation for initiation of the autobiographical narratives and Games for the scenic construction of the spectacle. In addition to analyzing the difficulties, facilities, and what has changed in relation to teaching and learning in Theater.

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  • STEPHANE LOUISE DE VASCONCELOS DAMACENA
  • REFLEXÕES ACERCA DE UMA DRAMATURGIA DA “CARA PINTADA”

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • ADRIANA VAZ RAMOS
  • Data: 22/03/2019

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  • As reflexões que fazemos em torno de uma dramaturgia da “cara pintada” assentam-se na área das Artes Cênicas, como um estudo teatral alinhado à perspectiva de um teatro que compreenda a imagem e o corpo para além do entendimento que tivemos na modernidade, ou seja, compreendemos o corpo como percepção e sentido e a imagem, como um dispositivo e uma presença. Para tanto, fazemos uso da percepção, aos moldes da fenomenologia (Merleau-Ponty, 1996); da experiência como método de produção de conhecimento (Larossa, 2002) e da dramaturgia como tessitura da teatralidade (Pavis, 1999; 2003; 2017), a partir de uma semiologia (Barthes, 1987; 2007) do mundo contemporâneo. Isso, porque reconhecemos a “pintura da cara” como um fenômeno que está para além da compreensão da maquiagem enquanto tecnologia de cena ou aparato visual ou técnica cenográfica ou, mesmo, estética da composição plástica da personagem. O presente trabalho considera a “cara pintada” um dos momentos mais significativos da criação teatral contemporânea, apresentando-a como uma possível solução para o problema da maquiagem como uma poética da cena. Partimos da investigação do ato de pintar-se como poética do sujeito para discutir a importância da pintura da cara enquanto elemento civilizatório humano. Para tal, organizamos uma breve “cosmogonia” acerca das narrativas que estes constroem através de suas pinturas para construir significados na sociedade em que estão inseridos, através de um “sistema da linguagem” que se organiza na “figura” através da pintura. A partir daí, buscamos: a) investigar a “experiência” da pintura do rosto, e dos aspectos de seu uso na cena teatral, como um fenômeno dramatúrgico; b) discutir a pintura da cara (maquiagem em seu sentido mais amplo) como elemento conceitual da teatralidade; c) analisar os fenômenos de composição da cara pintada na prática de actantes e d) realizar, a partir da experiência destes actantes, uma síntese conceitual da cara pintada enquanto rito poético para a cena.


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  • The  reflexions  we make around a “painted face” dramaturgy take place within the Performing Arts field as a theatrical study which aligns with the perspective of a theatre that sees the image and the body beyond the understanding that we have until Modernity - in other words, we see the body as a perception and a purport and the image as a device and a presence. For such, we understand the perception in the phenomenology mold (Merleau-Ponty, 1996); of experience as a method of knowledge production (Larossa, 2002) and dramaturgy as a theatrical texture element (Pavis, 1999; 2003; 2017) from a semiology (Barthes, 1987; 2007) of a contemporary world since we recognize the “face paint” as a phenomenon that surpasses the understanding of stage makeup as a scenograohic technology or a visual apparatus or, even, as a characters’ plastic composition aesthetic technique. The present work considers “face paint” as one of the most significant moments of contemporary theatrical creation, placing it as a possible solution to the recurring problem of make up as a poetic of the scene. Our investigation starts at the act of self painting as one’s poetic as a means of discussing the importance of “face paint” as a civilizing element. In order to do so, we organized a brief cosmogony about the narratives built by individuals through their paintings to create meaning in the Society wherein they live, through a language system which is organized in the figure through the “face painting”. From there we seek: a) to investigate the experience of “face painting” and the aspects of its use in the theatrical scene as a dramaturgical phenomenon; b) to discuss the “face paint” (stage makeup in its broader sense) as a conceptual element of theatricality; c) to analyse the “face painting” composition phenomenon in the actants’ practices and d) to produce, as from the actants’ experience, a conceptual synthesis of the “face paint” as a poetic ritual for the scene.

     

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  • TIAGO HERCULANO DA SILVA
  • UMA RESSIGNIFICAÇÃO DO CORPO NU EM CENA

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 30/04/2019

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  • O olhar da grande maioria das pessoas perante a nudez está norteado pelos padrões sociais impostos, porém podemos entendê-la pelo viés artístico pois este pode nos proporcionar um olhar diferenciado. O corpo desnudo está sujeito ao julgamento das aparências e as inevitáveis associações ao pecado original, no mundo atual onde as religiões permeiam muitas ações cotidianas da população, assim, acaba por ser tratado como ofensivo, até mesmo dentro do campo artístico, e as obras que utilizam a pele como figurino tendem a carregar o peso dessas associações feitas por meio dos paradigmas sociais existentes. Obras artísticas, que utilizam a nudez como elemento estético e poético, podem proporcionar uma percepção diferenciada desse corpo nu em cena. Na busca por um olhar diferenciado, a hipótese aqui levantada propõe que esta nudez seja entendida não como ausência de figurino ou exibição intima do corpo, mas pela pele como veste, pelo qual, o artista pode ressignificar o uso do corpo desnudo em cena.


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  • The view of the great majority of people in the face of nudity is guided by imposed social standards, but we can understand it by artistic bias because it can give us a different look. The naked body is subject to the judgment of appearances and the inevitable associations to original sin, in the present world where religions permeate many daily actions of the population, thus, it is treated as offensive, even within the artistic field, and the works that use the skin as costumes tend to carry the weight of such associations made through existing social paradigms. Works of art, which use nudity as an aesthetic and poetic element, can provide a differentiated perception of this naked body in the scene. In the search for a differentiated look, the hypothesis proposed here proposes that this nudity be understood not as absence of costume or intimate exhibition of the body, but by the skin as clothes, by which, the artist can resignify the use of the naked body in scene.

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  • FERNANDA CUNHA NASCIMENTO

  • CARTAS DE AMOR E VIOLÊNCIA:

     UM ESTUDO SOBRE A EXISTÊNCIA DAS MULHERES PARTIR DA TRAGÉDIA SHAKESPEARIANA



  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 07/05/2019

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  • Esta pesquisa é produto de uma investigação teórica sobre a obra dramatúrgica do escritor inglês William Shakespeare e da morte das mulheres como elemento decisivo da tragédia, mediante a análise de três obras do autor: Tito Andrônico (1594), Hamlet (1601) e Otelo, O Mouro de Veneza (1604). O trabalho se detém à análise dessas três obras para compreender os seguintes pontos: o silenciamento feminino, o direito da mulher sobre seu corpo e as reverberações da representação do feminino morto. O estudo sobre a morte feminina nas tragédias é realizado a partir da análise dos escritos de Nicole Loraux e do estudo de teóricas feministas, principalmente Naomi Wolf, sobretudo ao que concerne ao mito da beleza e a representação social feminina. Além disto, aborda-se a construção de um espetáculo cênico com base nestes estudos, para isto a principal base é a compreensão da construção da masculinidade; A partir dos estudos das três personagens das peças mencionadas, Lavínia, Ofélia e Desdêmona, da análise das mortes das mulheres na literatura e em alguns casos reais e da construção dramatúrgica deste objeto cênico, busca-se a compreensão da violência e do amor que recai sobre as mulheres tanto na vida, quanto na dramaturgia.

     


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  • não se aplica pois ja tem em frances

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  • ROBERTA PEDRONI
  • A RELAÇÃO ENTRE ARTE E POLÍTICA: Possíveis expressões de enfrentamento e contra-hegemonia

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • CHRISTINA GONTIJO FORNACIARI
  • Data: 09/05/2019

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  • O objetivo desta pesquisa é captar os sentidos produzidos pelas relações entre o universo artístico e o universo político, através de suas expressões artístico-políticas na atualidade brasileira. Para isso, transito na realidade através de três fenômenos: por um lado, expressões de enfrentamento permanente, localizadas aqui pelo ativismo artístico; por outro, o enfrentamento insurgente e temporalmente localizado, aqui representado pelo Movimento #OcupaMinc, ocorrido em 2016; por fim, as investidas de censura que determinados grupos/indivíduos da cena política brasileira conduziram em relação a obras artísticas no ano de 2017, especificamente à exposição Queermuseu e à performance La Bête, de Wagner Schwartz. Compreendendo a cultura e, por extensão, a arte como possível fazer contrahegemônico, a partir do conceito gramsciano de hegemonia, realizo uma articulação entre bibliografias, notícias jornalísticas e conteúdos – imagens, vídeos e textos – publicizados na internet, buscando construir um panorama amplo acerca do objeto de estudo. Encontro, nesse caminho, um cenário complexo, móvel e frutífero na relação entre arte e política, de fazeres e dizeres diversos, em que a arte, sofrendo rebatimentos e tensionamentos da política, também os produz, criando espaços que potencializam sua natureza contra-hegemônica.

     


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  • The objective of this research is to capture the meanings produced by the relations between the artistic universe and the political universe, through its artistic-political expressions in Brazilian reality. For that, I am actually moving through three phenomena: on the one hand, expressions of permanent confrontation, located here by artistic activism; on the other, the insurgent and temporally located confrontation, represented here by the #OcupaMinc Movement; finally, the censorship efforts that certain groups / individuals of the Brazilian political scene conducted in relation to artistic works in the year 2017, specifically the exhibition QueerMuseu and the performance La Bête by Wagner Schwartz. Understanding culture and, by extension, art as possible counter-hegemonic, based on the Gramscian concept of hegemony, I articulate bibliographies, news stories and contents - images, videos and texts published on the internet, seeking to construct a panorama the object of study. I find in this way a complex, mobile and fruitful scenario in the relation between art and politics, of different works and sayings, in which art, undergoing refutations and tensions of politics, also produces them, creating spaces that enhance its counterhegemonic nature.

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  • OCENI DA SILVA MARTINS
  • OS GRUPOS TEATRAIS DA UFRN E SUAS RESISTÊNCIAS

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • ANA CALDAS LEWINSOHN
  • MARINEIDE FURTADO CAMPOS
  • Data: 16/05/2019

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  • Esta pesquisa mapeia os grupos teatrais da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN) campus central de Natal-RN, na tentativa de compreender estéticas, suas organizações e formas de trabalho; além da necessidade de refletir a existência dos mesmos na perspectiva da resistência. A intenção desse mapeamento é, certa maneira, inventariar os grupos teatrais em atividade, bem como aqueles que estão inativos ou que não mais existam, numa perspectiva de entender como essa formação de grupo contribuiu para a organização teatral na UFRN, em especial aqueles criados no interior do Departamento de Artes dessa Universidade. Além do inventário, faz-se necessário o diálogo com integrantes desses grupos para entender essas formações e como se desenvolvem dentro dos seus processos de criação na experiência do trabalho em grupo. Os grupos mapeados foram grupos teatrais: Arketypos, Grupo Cores, Eureka, Grupo Popular de Teatro (GPT), Grupo Pele de Fulô, Cruor Arte Contemporânea que estão em atividade. Outros grupos formados por alunos ou ex-alunos do curso de graduação em Teatro sucumbiram depois da saída de tais alunos do referido curso. Cita-se a Cia teatral Gabotun. Partindo dos objetivos propostos, questionamos: Como se deu/dá a formação de grupo teatral na UFRN, difundindo-se dessa forma dentro da cidade? A partir de que esses grupos buscam criar, numa esfera política e estética para a sua sobrevivência enquanto grupo? e como se dá os processos de criação? Para uma compreensão metodológica, essa dissertação assenta-se na Pesquisa Qualitativa Descritiva tendo como vieses de pesquisa a Análise de Conteúdo e o Estudo de Caso Interpretativo. A investigação se configura na observação da análise e registro dos fenômenos que envolvem os grupos teatrais, ressaltando a importância de um olhar externo como pesquisadora sem a introdução de conteúdos pré-estabelecidos. Através dessas constantes análises de observação é necessário perceber como, quando e por que os fenômenos presentes na pesquisa em questão ocorrem/ocorreram.


  • Mostrar Abstract
  • This research maps the theatrical groups of the Federal University of Rio Grande do Norte (UFRN) central campus of Natal-RN, in an attempt to understand aesthetics, their organizations and ways of working; besides the need to reflect their existence in the perspective of resistance. The intention of this mapping is, in a way, to inventory the active theatrical groups, as well as those that are inactive or that no longer exist, with a view to understanding how this group formation contributed to thetheater organization in UFRN, especially those created in the interior of the University's Department of Arts. In addition to the inventory, it is necessary to dialogue with members of these groups to understand these formations and how they develop within their processes of creation in the experience of group work. The groups mapped were theater groups: Arketypos, Grupo Cores, Eureka, Popular Group of Theater (GPT), Skin Group of Fulô, Cruor Arte Contemporânea that are in activity. Other groups formed by students or alumni of the undergraduate course in Theater succumbed after the departure of such students from said course it is mentioned Gabotun Theater Cia.Based on the proposed objectives, we asked: How did the formation of a theater group in UFRN take place, spreading in the city? From what do these groups seek to create, in a political and aesthetic sphere for their survival as a group? and how do the creation processes take place? For a methodological understanding, this dissertation is based on Descriptive Qualitative Research, having as biases the Content Analysis and the Interpretative Case Study. The investigation is based on the observation of the analysis and recording of the phenomena involving theater groups, emphasizing the importance ofan external look as a researcher without the introduction of pre-established contents. Through these constant analysis of observation it is necessary to understand how, when and why the phenomena present in the research in question occurred / occurred.

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  • ANDRÉ MARCELINO DA SILVA
  • MASCARAMENTO: ATUAÇÃO E CONFECÇÃO EM PROCESSO DE CRIAÇÃO INTEGRADO

  • Orientador : MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • IVANILDO LUBARINO PICCOLI SANTOS
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 30/06/2019

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  • O presente texto é a apresentação de uma pesquisa que se encontra em curso e investiga em que medida a confecção de máscaras teatrais expressivas podem contribuir, positiva ou negativamente, no trabalho de criação do ator, tendo em vista que foram elaboradas a partir de suas propostas de construção corpórea enquanto uma materialização de "personagens-tipo". A pesquisa busca, também, refletir sobre o desenvolvimento de um processo de retroalimentação para que ambas as esferas de criação, tanto a do ator como a do mascareiro, possam se potencializar mutuamente. Desse modo o eixo principal da investigação está na análise do objeto máscara enquanto estímulo e potencializador do trabalho do ator.


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  • The present text is the presentation of a research that is underway and investigates to what extent the making of expressive theatrical masks can contribute, positively or negatively in the creation work of the actor, considering that they were elaborated from their proposals of corporeal creation as a materialization of "character-type". The research also seeks to reflect on the development of a feedback process so that both spheres of creation, both actor and worker, can be mutually reinforcing. In this way the main axis of the investigation is in the analysis of the object as stimulus and potentiator of the work of the actor.

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  • ADRIANO MARINHO DOS SANTOS
  • INVESTIGAÇÃO SOBRE PROCESSOS DE CRIAÇÃO E EXECUÇÃO DA ILUMINAÇÃO NO DEART – UFRN: A EXPERIÊNCIA ACADÊMICA COMO FORMAÇÃO DE UM PROFESSOR DE TEATRO-ILUMINADOR

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 26/07/2019

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  • A dissertação versa sobre uma investigação dos processos de criação e execução da iluminação cênica nos grupos Cruor Arte Contemporânea, Arkhétypos Grupo de Teatro e Gaya Cia de Dança. Essa pesquisa pretende compreender como se dá o processo de criação nos grupos e a participação dos discentes que o integram relacionando suas práticas nos grupos às disciplinas de iluminação as quais cursaram; por entender que esses integrantes são partes fundamentais na criação dos espetáculos dos referidos grupos. Escolhemos um trabalho artístico de cada grupo, a saber: Carmim (Cruor), Santa Cruz do Não Sei (Arkhétypos) e Almar (Gaya) para analisar de forma descritiva o processo de criação da luz e como se deu esse processo do ponto de vista participativo. Para essa discussão nos fundamentamos principalmente nos textos dos seguintes autores: Fayga Ostrower (2014), Ronaldo Costa (2009), Valmir Perez (2007). Este estudo tem relação direta com a prática de trabalho do autor assim, se faz necessário uma explanação sobre minha formação na área para uma melhor compreensão do desejo por este objeto de estudo e o recorte dado. Portanto introduziremos a pesquisa falando sobre a metodologia utilizada na pesquisa e apresentaremos o laboratório de iluminação cênica do Departamento de Artes, após isso faremos um relato sobre a prática discente e apresentaremos os grupos investigados e o processo de criação utilizado por cada um no trabalho selecionado, por fim, enfatizamos a importância da formação dos discentes através de sua participação nos grupos. Apesar de a ênfase ser no processo de criação da luz, o mesmo vale para os demais elementos cênicos, pois a carência de formação profissional nessas áreas ainda é acentuada. Destacamos que os grupos de acadêmicos no Deart são importantes espaços de formação complementar dos discentes das graduações.


  • Mostrar Abstract
  • The dissertation focuses on an investigation of the processes of creation and execution of scenic lighting in the groups contemporary art Cruor, Arkhétypos Theater group and Gaya Cia of Dance. This research intends to understand how the process of creation in the groups and the participation of the students who integrate it relate their practices in the groups to the lighting disciplines they have attended; To understand that these Members are fundamental parts in the creation of the spectacles of these groups. We chose an artistic work of each group, namely: Carmim (Cruor), Holy Cross of don’t know (Arkhétypos) and Almar (Gaya) to analyze in a descriptive way the process of creating the light and how this process was given from a participative point of view. For this discussion we were based mainly on the texts of the following authors: Fayga Ostrower (2014), Ronaldo Costa (2009), Valmir Perez (2007). This study has a direct relationship with the author's work practice, if it is necessary an explanation about my training in the area for a better understanding of the desire for this object of study and the cut-off given. Therefore, we will introduce the research talking about the methodology used in the research and present the stage lighting Laboratory of the Department of Arts, after that we report on the student practice and will present the groups investigated and the creation process used by each one in the selected work, finally, we emphasize the importance of training students through their participation in the groups. Although the emphasis is on the process of creating light, the same goes for the other scenic elements, because the lack of professional training in these areas is still accentuated. We emphasize that the groups of academics at Deart are important spaces for complementary training of students of graduations.

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  • JANINE LEAL ARAÚJO
  • Atualizações pelo erro: a dança que se faz na rua

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • AVELINO ALDO DE LIMA NETO
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 26/07/2019

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  • O presente trabalho aborda a temática do corpo que erra por meio da dança improvisada, enquanto possibilidade de atualização estética do espaço na cidade de Natal – Rio Grande do Norte. Considera as práticas de atenção a si para investigação cênica no espaço público e a criação de movimentos improvisados, tendo como mote o sentir a cidade pela caminhada. Parte das seguintes questões norteadoras: que significações são criadas ou atualizadas ao usar de movimentos improvisados nos espaços da cidade pela errância? Como a cidade afeta a dança e a dança afeta a cidade? Posto isso, o trabalho tem como objetivo investigar as relações existentes entre a improvisação do gesto dançado e a errância pela cidade de Natal/RN, bem como compreender a atualização de significados pela relação entre os espaços e lugares da cidade, perceber como se dá a experiência estética da criação em dança em tempo real nas ruas, refletir sobre as possibilidades da vivência poética dos espaços e lugares da cidade de Natal. Utiliza-se da descrição, redução e reflexão como procedimentos metodológicos no contexto da Fenomenologia para intepretação dos relatos obtidos como resultado das práticas errantes pela cidade e apropria-se também da errância na construção do texto dissertativo por meio das imprevisibilidades poéticas para uma escrita artística-acadêmica. O texto está situado no campo das Artes Cênicas e contribui para área ao refletir e apresentar possibilidades de pesquisar a articulação entre o corpo, a dança e os espaços da cidade, a fim de produzir uma estética do erro e atualizar significados constantemente. Como resultados, o trabalho responde às questões ao relacioná-las às reflexões acerca das vivências descritas, que se dividiram, durante o terceiro capítulo, nos tópicos Sobre as permissividades de sentir e ser: os significados criados que trata da dança em sua ontologia e discute a atualização de significâncias como aquilo que se sente e se expressa no corpo, pela dança; e Sobre as atualizações da dança e da cidade: afetos, energias e suspensões, que refletem sobre as atualizações estéticas da errância dançada e discorre sobre  o espaço que afeta a dança e a dança que afeta o espaço à medida que se dança aquilo que se sente da cidade e retribui para ela, suas novas significações.


  • Mostrar Abstract
  • This work approaches the subject of the body that errs by improvised dance as a possibility of aesthetics update of space in Natal - Rio Grande do Norte/Brazil. It considers the practices of self attention for scenic investigation in public spaces and the creation of improvised movement and has as motto the feeling of the city by walking. It starts from the following guiding questions: what meanings are created or updated after using improvised movements in city spaces by erring? How the city affects the dance and the dance affects the city? That said, the work has the objective of investigating the existing relations between the improvisation of the danced gesture and erring through Natal city as well as understanding the meanings update by the relation between the spaces and places of the city, realizing how the aesthetics experience of creation in dance on the streets in real time, reflecting on possibilities of poetic experience of the spaces and places in the city of Natal. It uses the description, reduction and reflection as methodological procedures in the Fenomenology context for interpretation of the reports obtained as a result of erring practices through the city and also appropriate the erring in dissertation text construction by poetic unpredictabilities for academic-artistic writing. The text is in the field of Scenic Arts and contributes to the area by reflecting and presenting possibilities of researching the articulation between the body, the dance and the spaces of the city in order to produce an error aesthetics and to update meantings constantly.  As results, the work responds to the questions by relating them to the reflections about the described experiences that got divided during the third chapter in the topics About the permissiveness of feeling and being: the meanings created that treats the dance in its ontology and discusses the updates of meanings as what is felt and is expressed in the body by dance; and About the updates of the dance and of the city: affections, energies and suspensions, that reflect about the aesthetic updates of the danced erring and discourse about the space that affects the dance and the dance that affects the space as the person dances what is felt in the city and give it back its new meanings.

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  • HYAGO PINHEIRO DA SILVA SOUSA
  • UM DOCUMENTO EM OBRA – MÉMORIAS DE UM AFETO 

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • FERNANDO ANTÔNIO ABATH LUNA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 30/07/2019

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  • O presente trabalho propõe descrever e discutir um processo de criação, que se configura a partir da seleção e investigação de documentos comprobatórios da vida e morte de uma jovem adolescente. Os documentos foram registrados em cartas, diários, fotografias e relatos. As memórias documentadas nesses diversos materiais arquivados e das lembranças atravessadas por afetos são a base dramatúrgica deste compor. O processo criativo hibridiza a linguagem do teatro e da dança entendendo a importância de se pensar a arte na contemporaneidade. A reflexão teórica se dá através do resultado da prática cênica e dialoga com autores que discutem sobre memória e processos criativos nas artes da cena tais como Salles (2006), Izquierdo (2012), Fabrini (2013) dentre outros. Pudemos perceber ao longo dos laboratórios e da escrita textual que trabalhar com a história real não é somente um impulso, se torna uma necessidade, pois encontrar no outro a nossa história nos move enquanto artistas. O processo criativo suscita questões e o lidar com escolhas, com sensações diversas entre frustações e prazeres, somas e perdas, que entrelaçam  o nosso mundo individual e o coletivo. A pesquisa se faz importante para a área de conhecimento da arte ao destacar o documentar em cena como propulsor da criação. Espera-se contribuir com um material para a formação de atores, diretores e pesquisadores interessados num fazer e pensar nas Artes Cênicas que não dissocie a construção artística da vida sócio-afetiva do artista-pesquisador.


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  • The present work proposes to describe and discuss a process of creation, which is configured from the selection and investigation of documents about the life and death of a young adolescent. The documents were recorded in letters, journals, photographs and reports. The memories documented in these various archived materials and memories traversed by affections, are the dramaturgical basic of this composing. The creative process hybridizes the language of theater and dance, understanding the importance of thinking art in contemporary times. The theoretical reflection takes place through the result of the scenic practice and dialogues with authors who discuss about memory and creative processes in the scene arts such as: Salles (2006), Izquierdo (2012), Fabrini (2013) among others. We have been able to realize throughout the labs and textual writing that working with real history is not only an impulse, it becomes a necessity because to find in the other our history moves us as artists. The creative process raises questions and cope with choices, with diverse sensations between frustrations and pleasures, sums and losses, that intertwine our individual and collective worlds. The research becomes important for the area of art knowledge by highlighting the documenting on the scene as the propulsor of creation. It is hoped to contribute with a material for the formation of actors, directors and researchers interested in doing and thinking in the Performing Arts that does not dissociate the artistic construction of the socio-affective life of artist-researcher.

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  • EWERTON EMANOEL FERNANDES DE MEDEIROS
  • ENTRE CAMADAS: PROCESSOS DE CRIAÇÃO EM PROCEDIMENTOS DE INSTAURAÇÕES CÊNICAS

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 30/07/2019

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  • Esta pesquisa tem o intuito de investigar as dinâmicas provenientes do entrecruzamento das linguagens artísticas imbricadas em processos criativos intertextuais. Trata-se de uma abordagem qualitativa que envolve os paradoxos da criação artística na contemporaneidade com seus acontecimentos simultâneos em um percurso prático e teórico, permeando intensamente as ambiguidades e imbricações arte/vida. As Instaurações Cênicas criadas pelo CRUOR Arte Contemporânea em Residência Artística no Hospital Psiquiátrico Dr. João Machado configuram-se como objetos de estudos e análise da criação no campo das Artes Cênicas. Introduzo a escrita dessa dissertação narrando trechos da minha vida, que me constituem enquanto artista e pesquisador. No qual menciono produções importantes do Núcleo Transdisciplinar de Pesquisa em Artes Cênicas e Espetaculares/NACE e da sua coligação de práticas de cena: CRUOR Arte Contemporânea. Explico o conceito de “Instauração Cênica” utilizado como procedimento metodológico criativo para a realização das práticas de cena desta pesquisa, termo este criado pela Profa. Dra. Nara Salles em sua tese de doutoramento intitulada “Sentidos: uma instauração cênica – Processos criativos a partir da poética de Antonin Artaud” no ano de 2004. No primeiro capítulo abordo temas da arte e da cena contemporânea em um ambiente manicomial. O segundo capítulo relata o processo de criação das Instaurações Cênicas desAMPARO, De Aniversário e ÁGUA. Finalizo o texto propondo nos Aspectos (in)Conclusivos desdobramentos para esta pesquisa ao refletir a ressemantização da escrita corporal pelos processos vestimentares e da pele.


  • Mostrar Abstract
  • This research aims to investigate the dynamics arising from the intertwining of artistic languages imbricated in intertextual creative processes. It is a qualitative approach that involves the paradoxes of contemporary artistic creation with its simultaneous events in a practical and theoretical way, intensively permeating the ambiguities and imbrications of art / life. The Scenic Instaurations created by CRUOR Contemporary Art in Artistic Residence at the Dr. João Machado Psychiatric Hospital are objects of study and analysis of creation in the field of Scenic Arts. I introduce the writing of this dissertation narrating sections of my life, which constitute me as an artist and researcher. In which I mention important productions of the Transdisciplinary Nucleus of Research in Scenic and Spectacular Arts / NACE and its group of scene practices: CRUOR Contemporary Art. I explain the concept of "Scenic Instauration" used as a creative methodological procedure to perform the scene practices of this research, a term created by Profa. Dr. Nara Salles in his doctoral thesis entitled "Senses: a scenic instauration - Creative processes from the poetics of Antonin Artaud" in the year 2004. In the first chapter I approach themes of art and the contemporary scene in a mental asylum. The second chapter reports on the creative process of the Scenic Instaurations: DESAMPARO, Birthday and WATER. I conclude the text proposing in the Aspects (in) Conclusive developments for this research when reflecting the resemantization of corporal writing by the vestimentary and skin processes.

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  • JOSÉ NILTON DOS SANTOS SILVA
  • O PAPEL DO ATOR-XAMÃ NA INSTAURAÇÃO CÊNICA-RITUAL

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • NARA GRACA SALLES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 31/07/2019

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  • A investigação proposta por esta dissertação esta centrada no sentido de compreender o meu papel como um possível ator-xamã a partir de uma instauração cênica-ritual intitulada  “Y”. O processo criativo colocado em prática e analisado, foi inspirado nos estudos ocultistas da Kabala, da Filosofia Hermética e do Tarot. O pensamento teórico que guiou este trabalho encontra-se fundamentado nas obras de Antonin Artaud, sendo uma referência matriz para esta averiguação. O processo criativo experimentado levou em consideração o conceito de Instauração Cênica elaborado por Nara Salles (2004)  que incorpora elementos das artes visuais ao campo do teatro e da performance além de propor resíduos a serem deixados no local da instauração e como procedimento criativo explora a memória e matrizes corpóreo-vocais dos instauradores da cena. Minha proposta de um trabalho do ator/atriz como xamã parte das ideias apresentadas e discutidas por Antonin Artaud em sua obra, O Teatro e seu Duplo (1985) propondo este olhar a ser acrescido ao conceito de Instauração Cênica sendo a esta agregado.  A partir desta referência e dos elementos cênicos-dramatúrgicos  desenvolvidos na instauração cênica “Y”  descrevo as possibilidades de relações entre o trabalho místico de um ator/atriz e  de um xamã,  percebendo  a forma como eu me aproprio dos estímulos místicos utilizados na criação como um novo procedimento para o teatro compreendido com fundamentos  no ritual. A escrita dissertativa se apresenta como uma série de cartas, sendo estas direcionadas ao Ator e diretor Antonin Artaud. As sessões de textos foram ordenadas e estruturadas com base no Tarô Cabalístico de Rider (2009), assim para cada carta endereçada a Artaud é oferecida uma imagem de tarô como estimulo inicial para o desenvolvimento do tema.

     


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  • The research proposed by this dissertation is centered in the sense of understanding my role as a possible shaman-actor from a scenic-ritual instauration entitled "Y". The creative process put into practice and analyzed was inspired by the occult studies of Kabala, Hermetic Philosophy and Tarot. The theoretical thinking that guided this work is based on the works of Antonin Artaud, being a reference matrix for this investigation. The creative process has taken into account the concept of Scenic Insertion elaborated by Nara Salles (2004) that incorporates elements of the visual arts into the field of theater and performance and proposes residues to be left at the place of installation and as a creative procedure explores the memory and corporeal-vocal matrices of the scene settlers. My proposal for a work by the actor / actress as a shaman starts from the ideas presented and discussed by Antonin Artaud in his work, The Theater in its Double (1985) proposing this look to be added to the concept of Scenic Insertion being added to it. From this reference and from the scenic-dramaturgical elements developed in the scenic setting "Y" I describe the possibilities of relations between the mystical work of an actor / actress and a shaman, realizing how I appropriate the mystical stimuli used in creating a new procedure for the theater understood as ritual. The essay writing appears as a series of letters, these being directed to the Actor and director Antonin Artaud. The text sessions were ordered and structured based on the Rider's Kabbalistic Tarot (2009), so for each letter addressed to Artaud a tarot image was offered as an initial stimulus for the development of the theme.

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  • RAILSON GOMES ALMEIDA
  • A buchada de dramaturgia e o tutano da escritura cênica: sobre a produção de uma dramaturgia e seus possíveis engendramentos

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO MORAES DE OLIVEIRA
  • ANDRE CARRICO
  • JOÃO ALBERTO LIMA SANCHES
  • Data: 13/12/2019

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  • A presente pesquisa pretende refletir acerca de elementos da dramaturgia contemporânea, partindo de um estudo teórico e da produção de um experimento dramatúrgico. O estudo utilizou diferentes referências de ordem técnica e sensível, principalmente, um levantamento teórico sobre a obra de Jean-Pierre Sarrazac. Em seguida, um experimento dramatúrgico foi produzido (A natureza da cebola roxa) como exercício de escrita de um drama contemporâneo. Por fim, são apresentadas as reflexões dessa pesquisa: uma análise do processo de escrita;  uma observação da obra e suas convergências e divergências com os teóricos apresentados e alguns apontamentos sobre o processo de construção da pesquisa e seus prováveis encaminhamentos. Finalmente, uma formulação de possíveis metáforas sobre a dramaturgia contemporânea em geral, aproximando pratos tradicionais do nordeste, a buchada e o tutano, do texto dramático.


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  • This research aims to reflect on elements of contemporary dramaturgy, starting from a theoretical study and the production of a dramaturgical experiment. The study used different technical and sensitive references, mainly a theoretical survey about the work of Jean-Pierre Sarrazac. Then a dramaturgical experiment was produced (The Nature of the Red Onion [A natureza da cebola roxa]) as a writing exercise for a contemporary drama. Finally, the reflections of this research are presented: an analysis of the writing process; an observation of the work in its convergences and divergences with the presented theorists; and some notes about the research construction process and its likely referrals. Finally, a formulation of possible metaphors about contemporary dramaturgy in general, bringing traditional northeastern dishes, buchada and marrow, closer to the dramatic text.

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  • LIA FRANCO BRAGA
  • PERFORMANCES DE CORPOS BRINCANTES: CULTURA AFRICANA E ARTES CÊNICAS NA EDUCAÇÃO INFANTIL

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • KIUSAM REGINA DE OLIVEIRA
  • Data: 18/12/2019

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  • Nesta dissertação, desvelo experiências de performances dos corpos brincantes de crianças na Educação Infantil, estimuladas por elementos da cultura africana, através do universo dos deuses orixás, com centralidade na nação Iorubá. Os processos de criação em arte nesta pesquisa em Artes Cênicas, desenvolvidos no NEI/Cap/UFRN, envolveram um grupo de crianças de 5 a 6 anos e contaram com a participação das duas professoras responsáveis pela turma, bem como de outros profissionais da referida instituição. Foram desenvolvidas observações, entrevistas com adultos, diálogos com as crianças e oficinas artísticas com mediação lúdica: contações de histórias e jogos/brincadeiras corporais ancoradas nas linguagens da dança e do teatro, assim como o uso de elementos de musicalidade. Os desenhos das crianças, as fotografias e os registros em vídeo enriqueceram as narrativas e proporcionaram uma maior aproximação com o fenômeno vivenciado. Os trabalhos de Merleau-Ponty em seu olhar fenomenológico sobre o corpo e a infância, bem como a proposição da pesquisadora Marina Machado, especialmente com o conceito de criança performer, entre outros autores, fundamentaram meu percurso teórico-metodológico. As ancoragens sobre africanidades, negritude e orixás, com base em autores como Kabengele Munanga, Clyde W. Ford, Teodora Alves, Sandra Petit, Kiusam de Oliveira e Reginaldo Prandi, entre outros, com suas abordagens e conceitos afro-referenciados, subsidiaram um olhar crítico e reflexivo para esta pesquisa, de modo a reconhecer e valorizar as riquezas afrodescendentes na Educação Infantil. Este percurso acadêmico, artístico e político corrobora a aplicabilidade da Lei nº 10.639/03, na medida em que a arte no cotidiano escolar tem um papel relevante na disseminação de diálogos, saberes e práticas que favoreçam relações étnico-raciais mais inclusivas e democráticas. A riqueza, a intensidade, as trocas e os aprendizados com as crianças moveram um fazer afro-poético respaldado em uma ancestralidade africana, alargando e intensificando nossas experiências brincantes.


  • Mostrar Abstract
  • In this dissertation I reveal experiences of the children’s playing bodies in kindergarten, stimulated by elements of African culture, through the universe of the gods orixás, with centrality in the Yoruba nation. The art creation processes in performing arts research developed at NEI / Cap / UFRN, involved a group of 5 and 6 year olds, the participation of the 2 teachers responsible for this class and other professionals of the institution. It was developed observations, interviews with adults, dialogues with children and artistic workshops with playful mediation: storytelling and body games, anchored in the languages of dance, theater and the use of elements of musicality. Children's drawings, photographs and video records enriched the narratives and a closer approximation of the phenomenon experienced. The author Merleau-Ponty and his phenomenological look on the body and childhood, as well as the proposition of the researcher Marina Machado, especially with the concept of child performer, among other authors, supported my theoretical and methodological path. Anchorages on Africanities, blackness, orishas, based on authors such as Kabengele Munanga, Clyde W. Ford, Teodora Alves, Sandra Petit, Kiusam de Oliveira, Reginaldo Prandi, and others, with their Afro-referenced approaches and concepts, subsidized a critical and reflective path in order to recognize and value the African descent riches in early childhood education. This academic, artistic and political course corroborates the applicability of Law No. 10,639 / 03, as art in everyday school has a relevant role in the dissemination of dialogues, knowledge and practices that favor more inclusive and democratic ethnic-racial relations. The richness, intensity, exchanges and learning with the children moved an Afro-poetic doing backed by an African ancestry, broadening and intensifying our playful experiences.

2018
Dissertações
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  • GABRIELA GORGES
  • Parla: diálogos corporais movidos por sensações fluentes em improvisação

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • ROSA CRISTINA PRIMO GADELHA
  • Data: 28/02/2018

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  • A presente pesquisa tem por objetivo investigar, perceptiva e sensivelmente, as sensações, sentimentos e emoções (DAMÁSIO, 2011; LABAN, 1978; LEAL, 2012) como meios potentes para a criação em dança considerando o processo histórico, cultural e pessoal do indivíduo. Para tanto, a pesquisa, de cunho participante, (BORGES; BRANDÃO, 2007) conta com investigações laboratoriais realizadas em grupo com a participação de cinco artistas denominadas conversantes, buscando diálogos corporais fundados na sensibilidade que, por sua vez, desencadeiam construções dramatúrgicas envolvidas por memórias, afetos e percepções. Dentre conversas, o trabalho artístico Parla compartilha suas experiências laboratoriais ao público. A escrita-diário (OLIVEIRA, 2015) aparece como registro de experiências conectadas ao íntimo, pessoal, afetivo, que se apresenta, informalmente, intrinsecamente, ligado à uma escrita que possa ser mais próxima da dança. Sendo o laboratório propulsor da pesquisa, tomamos como referência o afeto de Antonin Artaud (CAETANO, 2012; QUILICI, 2002, 2012) com seu poder transformador em meio aos relacionamentos e o acaso (OSTROWER, 2013; SALLES, 2008) como possibilidade criativa capaz de despertar o inédito. A prática meditativa como foco e concentração; a improvisação em dança considerada como técnicas a partir dos conceitos de Mara Guerrero (2008) e Patrícia Leal (2012a), proporcionando liberdade à exploração de movimentos, encontrando características significativas como a fluidez apoiada nos estudos de fluência de Rudolf Laban (1978) por Ciane Fernandes (2001, 2006, 2007), Lenira Rengel (2001) e Patrícia Leal (2012a) associada à liquidez dos fluidos de Zygmunt Bauman (2001). Pesquisar a importância de uma dança que parte de si sem negar ou separar o próprio sentir contribui para a construção de uma arte que expressa o humano, investigando a desestruturação de paradigmas cristalizados de pensar a dança existentes mesmo nos dias de hoje.

     


  • Mostrar Abstract
  • The present research aims to investigate, perceptually and sensibly, the sensations, feelings and emotions (DAMÁSIO, 2011; LABAN, 1978; LEAL, 2012) as potent means for the creation in dance considering the historical, cultural and personal process of the individual. Therefore, the participatory research, (BORGES; BRANDÃO, 2007) has laboratory investigations carried out in a group with participation of five artists called  conversational, searching for body dialogues based on sensitivity that trigger in dramaturgical constructions involved by memories, affections and perceptions. The daily writing (OLIVEIRA, 2015) appears as a record of experiences connected to the intimate, personal, affective,  that presents itself informally,  intrinsically,  linked to a writing  that may be closer to the dance. Being the laboratory that propels the research we take as  reference  the affection of Antonin Artaud  (CAETANO, 2012; QUILICI, 2002, 2012)  with his transforming power amidst relationships and chance (OSTROWER, 2013; SALLES, 2008) as a creative possibility capable of awakening the unprecedented. The meditative practice as focus and concentration dance improvisation considered as techniques from the concepts of Mara Guerrero (2008) and Patrícia Leal (2012a), providing freedom to the exploration of movements, finding significant characteristics such as fluency supported in the studies of fluency of Rudolf Laban (1978)  by Ciane Fernandes (2001, 2006, 2007), Lenira Rengel (2001) and Patrícia Leal (2012a) associated with the Liquidity of Zygmunt Bauman (2001) fluids. Searching for the importance of a dance that part of itself without denying or separating one's own feelings contributes to the construction of an art that expresses the human, investigating the destructuring of crystallized paradigms of thinking the dance existing even today.

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  • THARDELLY PEREIRA LIMA
  • Caça e Caçador: O Ator-Contador e as histórias de onça do interior da Paraíba

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANA CRISTINA MARINHO LUCIO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 28/02/2018

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  • Esta pesquisa teve como objetivo unir as narrativas tradicionais de caçadores ao rico universo de narrativas tomando como inspiração as relações entre homens e feras, bem como os significados políticos, sociais, culturais e as histórias que permeiam essas relações. A pesquisa de campo foi realizada no município de São José do Espinharas/PB, local referido pelo cordelista João Melquíades de Ataíde, no seu folheto “Histórias de Cazuza Sátiro, o matador de onça”. No estudo de campo registramos depoimentos de pessoas que conheciam as histórias dessas caçadas. A segunda etapa visou de maneira prática, experimentar as possibilidades do estado de prontidão necessário ao ator para que ele pudesse atingir zonas de potência. Houve uma pesquisa no sentido da construção de uma narrativa, em que foram realizadas experimentações práticas que confrontaram e concatenaram as teorias utilizadas no decorrer do processo. A terceira e última etapa, compreendeu na criação cênica do experimento Suçuarana, resultado do processo de experimentação desse ator-contador que tomou como base o material coletado na pesquisa de campo e os cordéis encontrados. Ao final do processo a pesquisa consolida uma experiência ímpar de composição cênica através do contato com narrativas de caçadores, sendo estas incorporadas ao texto teatral e à encenação.


  • Mostrar Abstract
  • This research's goal is to unite traditional narratives from hunters with the rich narrative universe taking as inspiratoin the relations between men and beasts, as well as the political, social and cultural meaning of the stories that permeates such relationships. The field research was made in the city of São José do Espinharas/PB, a place that was referred by the cordel storyteller João Melquíades de Ataíde, in his booklet "Histórias de Cazuza Sátiro, o matador de onça". In this field study testimonies were registred from people who knew these hunt stories. The second part, in o practical manner, aimed to experiment the possibilities of the readiness state necessary to the actor's hability to achieve potential zones. There was research on the narrative construction, in which practical experimentations were made. Those practical experimentations confronted and concatened the theories used along the process. The third and last part consisted on a scenic creation of Suçuarana experiment, result of the experimentation process from myself as an actor and storyteller, using as groundwork the material collected in field research and found cordel. At the end of the process the research consolidates a unique experience of scenic composition through contact with hunters narrative which were incorporated to the theatrical text and enactment.

3
  • FRANK DUESBERG
  • Experiência trágica: do conceito ao experimento.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • HÉLIO JUNIOR ROCHA DE LIMA
  • Data: 22/03/2018

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  • Esta pesquisa indaga a possibilidade de uma experiência trágica de um espectador no teatro contemporâneo. O objetivo é questionar a possibilidade da concentração do trágico, por exemplo, em um gesto performático. Hans-Thies Lehmann, no seu livro ‘Tragödie und dramatisches Theater’ (2014), reflete sobre a experiência trágica, que envolve vários aspectos, como a estetização de um acontecimento trágico, a cisão dessa estetização e uma reflexão. Foram criados e pesquisados múltiplas reescritas, experimentos e fragmentos reunidos sob o nome de ‘Estrada V’, baseados principalmente na obra ‘A Estrada de Volokolamsk’, de Heiner Müller e nas experiências do presente autor. O foco ficou nas reflexões e práticas em relação ao público e da possibilidade de uma experiência trágica vir a ocorrer. Constatou-se que no mundo moderno, a mística do excesso não precisa ser mais grandiosa, porém exige-se uma aumentada atenção com o comum. O teatro da tragédia contemporâneo é um local de conscientização intensa de perda, onde o sujeito é confrontado com a dissolução inevitável do ser e com uma experiência da própria finitude. Neste contexto, o trágico no teatro contemporâneo investiga o sujeito fragmentado do mundo atual, tocando na antiga e sempre renovada experiência do excesso. O destino fundamental do caráter trágico é seu desejo de investigação por uma verdade maior, em um mundo onde não há certezas e postulados irrefutáveis. Foi verificado que na arte performática a criação do trágico nasce do afeto, estabelecendo uma conexão específica entre o performador e o receptor, permitindo o surgimento de uma experiência trágica.


  • Mostrar Abstract
  • This research investigates the possibility of a tragic experience of a spectator in contemporary theater. The objective is to question the possibility of the concentration of tragic, for example, in a performance gesture. Hans-Thies Lehmann, in his book 'Tragödie und dramatisches Theater' (2014), reflects on the tragic experience, which involves several aspects, such as the aestheticization of a tragic event, the breakup of this aesthetization and a reflection. Multiple re-writings, experiments and fragments were collected and researched organized under the name of 'Estrada V', based mainly on Heiner Müller's 'The Road of Volokolamsk' and the experiences of the present author. The focus was on reflections and practices of the relationship between stage and the public and the possibility of a tragic experience to occur. It has been found that in the modern world, the mystique of excess need not be grand, but an increased attention to the common is demanded. The theater of contemporary tragedy is a place of intense awareness of loss, where the subject is confronted with the inevitable dissolution of being and with an experience of one's own finitude. In this context, the tragic in contemporary theater investigates the fragmented subject of the present world, touching on the old and always renewed experience of excess. The fundamental destiny of the tragic character is its desire to investigate for a greater truth in a world where there are no certainties and irrefutable postulates. It was verified that in performance art the creation of the tragic arises from affection, establishing a specific connection between the performer and the receiver, allowing the emergence of a tragic

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  • MAURÍCIO BARBOSA DE LIMA
  • ENSAIOS SOBRE A PRÁTICA DESVIANTE DO  PROFESSOR-PERFORMER NO COTIDIANO ESCOLAR

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 27/03/2018

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  • Esta pesquisa de caráter teórico-prático e de cunho qualitativo, apresenta uma discussão estética, e não disciplinar, sobre o cotidiano escolar. A pesquisa ocorreu em uma escola pública do município de João Pessoa - PB, com educandos na faixa etária entre 11 a 60 anos, do Fundamental II e da Educação de Jovens e Adultos. Foram investigadas práticas desviantes que evidenciam as emergências produzidas na interação discente-docente, expressas na atuação de um professor-performer (CIOTTI, 2014). Segue-se a indicação de praticantes ordinários mencionada em Michel de Certeau (1998), a fim de vivenciar outros modos de habitar este território. Como procedimento metodológico, utilizei a análise cartográfica (PASSOS; KASTRUP; ESCÓSSIA, 2015) que visa acompanhar processos em movimento. O diário de campo, proposto pelo francês René Lourau (1993), auxiliou-me ao restituir temas que pulsaram durante o desenvolvimento da pesquisa, levando-me a tensionar verdades enrijecidas sobre o cotidiano escolar. Paralelamente, realizei entrevistas com outros professores-performers com o objetivo de elucidar questões acerca de suas práticas desviantes, compartilhando pistas e refletindo sobre elas. Ao invés de definir o perfil do professor-performer, de forma utilitarista, sugiro pistas advindas do encontro com a potência criadora presente nos deslocamentos de percurso. Nomeio esses desvios como lugares pouco frequentados ou esquecidos, incentivando-me a aprender com o “sul” da escola, referenciado pela perspectiva pós-colonial apresentada por Boaventura Santos (2004). Este trabalho dissertativo oferece ao leitor três ensaios. Segue também, em anexo: três entrevistas com os professores-performers - Antônio Wellington de Oliveira Júnior (UFCE), Denise Pereira Rachel (UNESP) e Naira Neide Ciotti (UFRN); e materiais artístico-pedagógicos (plano de ensino anual, exercícios reflexivos, trechos dos meus cadernos de planejamento, dentre outros) que desenvolvi durante a pesquisa. Escrevi a dissertação em formato de ensaios pelo seu caráter híbrido e processual. A forma ensaística, como um gênero textual, filosófico e literário, (LARROSA, 2003) valoriza a subjetividade do pesquisador, dando destaque às microrrelações vivenciadas no dia-a-dia de uma escola pública.


  • Mostrar Abstract
  • This research has a theoretical and practical feature with qualitative nature, presents an aesthetic and non-disciplinary discussion about the school´s routine. The research has been active in a public school in João Pessoa – PB with students between 11 and 60 years old, from middle school to youth and adult education. It were investigated underhand practices that point out emergencies produced by the interaction between teacher and student expressed in the professor-perfomer act (CIOTTI, 2014). Follows the indication of ordinary practitioners mentioned in Michel de Certeau (1998), to experience other ways to inhabit those areas. As a methodological procedure, I used the cartographic analysis (PASSOS; KASTRUP; ESCÓSSIA, 2015) which aim to follow the process while is happening. The field diary, that was proposed by the french René Loural (1993), helped me to reestablish themes that pulses during the research´s development, leading me to problematize some toughen truth about the school´s routine. In parallel, I conducted interviews with others professors-performes so I could clarify issues about their deviating practices, sharing clues and reflecting about them. Instead defining the professor-performe´s profile in a utilitarian way, i suggest clues that comes from the encounter with the power that creates and that it is present on the path´s displacement. I name those diversions as deserted places or forgotten places, what encourages me to learn from the “south” of the school, referenced from the post-colonial perspective presented by Boaventura Santos (2004). This dissertation work offers three essays to the readers. Is here attached: three interviews with the professors-performes - Antônio Wellington de Oliveira Júnior (UFCE), Denise Pereira Rachel (UNESP) e Naira Neide Ciotti (UFRN) and artistic-pedagogical materials (teaching annual plan, reflexive exercises, sections of my planning notebook and so on) that I developed during the research. I wrote this dissertation like an essays' format for its hybrid and procedural nature. The essay-like way, as a textual genre, philosophical and literary, (LARROSA, 2003) that values the researcher´s subjectivity, while highlighting the micro-relationships experienced on the daily routine of one public school.

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  • MARIA LUCIVÂNIA DE LIMA BARBOSA
  • ENCENADORAS DO CARIRI EM MÚLTIPLAS FUNÇÕES- trajetos possíveis para a atuação polifônica no teatro de grupo.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • ERNANI DE CASTRO MALETTA
  • Data: 28/03/2018

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  • Na pesquisa de mestrado que deu origem a esta dissertação a autora investigou a atuação de encenadoras em múltiplas funções e as interferências que essa forma de atuação provoca n@s demais envolvid@s na criação teatral, o que foi identificado como formação de um discurso polifônico. A atuação polifônica é entendida como a possibilidade de @ artista desenvolver seu objeto cênico numa relação de apropriação dos demais discursos advindos dos artistas que compõem a criação teatral. Para discutir sobre essa questão a autora apresenta como estudo de caso as artistas que atuam na região do Cariri, no sul do Ceará: Cecília Raiffer, que é encenadora e dramaturga da Cia Engenharia Cênica; Carla Hemanuela, que é encenadora e figurinista-cenógrafa do grupo de teatro Trupe dos pensantes; e sua própria atuação como encenadora, iluminadora e coreógrafa no Coletivo Atuantes em Cena. Com base na investigação aqui registrada, a autora considera que as encenadoras pesquisadas vêm construindo sua poética numa relação dialógica e horizontal com @s demais envolvid@s. Nesse sentido, a pesquisa contribuiu para um estudo sobre a prática de criação teatral numa vertente que se dá pelo viés da troca entre os conhecimentos d@s envolvid@s, o que facilita a prática de autonomia na cena teatral e fortifica o trabalho grupal.


  • Mostrar Abstract
  • In the master's research that gave rise to this dissertation, the authoress investigated the performance of the directress in multiple functions and the interferences that this form of action provokes in the others involved in the theatrical creation, what was identified as the formation of a polyphonic discourse. Polyphonic performance is understood as the possibility of artist developing his or her scenic object in a relation of appropriation of the other discourses coming from the artists that make up the theatrical creation. To discuss this issue, the authoress presents as a case study the artists who work in the region of Cariri, in the south of Ceará: Cecília Raiffer, who is the directoress and playwright of Cia Engenharia Cênica; Carla Hemanuela, who is the stage directoress and costume designer of the theater group Troupe of the thinkers; and her own acting as a directoress, enlightener and choreographer in the Collective Acting in Scene. Based on the research recorded here, the authoress considers that the researched works have been constructing their poetics in a dialogical and horizontal relation with the other envolved. In this sense, the research contributed to a study about the practice of theatrical creation in a way that is due to the bias of the exchange between the knowledge of the involved ones, which facilitates the practice of autonomy in the theatrical scene and fortifies the group work.

     

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  • DIOCÉLIO BATISTA BARBOSA
  • O Corpo Cômico: um mergulho no ri[s]o do palhaço

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • RENATO FERRACINI
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 29/03/2018

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  • As águas, que movem esta pesquisa nascem do desejo de se refletir acerca da linguagem da palhaçaria. Colocamos o foco no corpo cômico e buscamos investigá-lo como potência para a criação artística pondo em evidência a pesquisa do coletivo paraibano ‘Companhia dos Clownssicos’. Objetivamos com este estudo apontar possibilidades criativas de descoberta deste corpo cômico buscando uma organicidade que desemboque num estado risível. Para isto, navegamos pelas terras-devaneios de um palhaço-pesquisAtor, agitando suas águas-memórias que têm nos auxiliado a desvendar a natureza da terra ancestral que nele habita, uma terra que transcende o sentido de firme e assume uma qualidade muito mais movediça. Acreditamos que uma pesquisa sobre o universo do palhaço no meio acadêmico pode suscitar uma rica troca de experiências, assim como aguçar e estimular outros artistas a encontrarem sua maneira de falar, registrar, e além de tudo, refletir sobre o seu processo de trabalho artístico. Por fim, trabalhamos na perspectiva do teatro como encontro e estudamos os afetos que permeiam a máscara líquida do palhaço.


  • Mostrar Abstract
  • The waters that move this research are born of the desire to reflect on the language of the clown. We focus on the comic body and seek to investigate it as a power for artistic creation highlighting the research of the collective of the 'Clownssicos of Company'. We aim with this study to point out creative possibilities of discovering this comic body searching for an organicity that evolves in a laughable state. For this, we navigate through the lands-dreams of a clown-researcher, protagonist of the spectacle of the fruit of this journey, stirring its memories-waters that have helped us to unravel the nature of the ancestral land that inhabits it, a land that transcends the sense of firmness and assumes a much more rapid quality. We believe that research on the universe of the clown in the academic world can bring about a rich exchange of experiences, as well as sharpen and encourage other artists to find their way of speaking and recording their artistic work process. Finally, we work from the perspective of theater as an encounter and study the affects that permeate the clown's liquid mask.

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  • IANE LICURGO GURGEL FERNANDES
  • O improvisar e o compor em dança na escola: Trajetos em construção.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • Data: 25/04/2018

  • Mostrar Resumo
  • Essa pesquisa de mestrado aborda uma reflexão em torno da improvisação e da composição como conteúdos da dança e possíveis estratégias para o seu ensino nas aulas de dança na educação básica. Temos por objetivo discutir os conceitos de improvisação e composição na dança e as prováveis relações entre esses conceitos e os modos de pensá-los na dança contemporânea. Também objetivamos investigar as estratégias de ensino desses conteúdos nas aulas de dança a partir do diálogo com os entrevistados e com a literatura especializada. O trabalho se caracteriza por uma abordagem metodológica de natureza qualitativa e de cunho teórico e tem como interlocutores professores formados nas áreas de Dança, Artes Cênicas e áreas correlatas que foram aprovados em concursos públicos para a vaga de professor de dança no município de natal e em outras cidades do Rio Grande do Norte e autores que dialogam com essa temática como Ostrower (2013, 2014), Muniz (2015), Alvarenga (2015), Almeida (2015), Salles (2013, 2015), Lobo e Navas (2007), Louppe (2012), Rocha (2016) dentre outros. Sabendo a Dança como área de conhecimento, nosso estudo tece um trajeto dos percursos enfrentados pelos professores para realizar o trabalho com a composição e a improvisação com seus alunos no ensino formal e alguns modos de desenvolvimento desses conteúdos a partir da prática pedagógica desses professores. Foi possível compreender que a improvisação em dança e a composição coreográfica são conteúdos que contribuem para o desenvolvimento das habilidades motoras e artísticas, além de formar alunos mais autônomos, criativos, críticos, flexíveis, tolerantes e mais confiantes a partir de uma referência estética da dança contemporânea utilizada como um indicativo nas estratégias das professoras.

     


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  • This master's research deals with a reflection on improvisation and composition as dance contents and possible strategies for it's teaching in dance classes on basic education. We aim to discuss concepts of dance improvisation and composition and probable relationships between these concepts and ways of thinking about it in contemporary dance. We also aim to investigate teaching strategies on these contents in dance classes based on interviewees’ dialogues and specialised literature. The work is characterised by a methodological approach of a qualitative and theoretical nature and has as interlocutors trained teachers in the fields of Dance, Performing Arts and related areas that work on public services as dance teacher in Rio Grande do Norte cities ,Natal municipalities and authors that cope with this field such as Ostrower (2013, 2014), Muniz (2015), Alvarenga (2015), Almeida (2015), Salles (2013, 2015), Lobo e Navas , Louppe (2012), Rocha (2016) and others.As Dance an area of knowledge, our study traces the paths faced by teachers to perform the work with composition and improvisation with their students in formal education and some ways of developing these contents from the pedagogical practice of these teachers. It was possible to understand that improvisation in dance and choreographic composition are contents that contribute to motor and artistic development, besides forming more autonomous, creative, critical, flexible, tolerant and more confident students from an aesthetic reference of the dance used as an indicative in the teachers' strategies

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  • LEONARDO PALMA DE SANT' ANNA DA SILVA
  • SORAIA QUEIMADA, FILHA DA VIOLÊNCIA: o corpo descolonizado no teatro show de drag queen.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 02/07/2018

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  • Este trabalho traz os desdobramentos das pesquisas de um artista da cena que se debruça sobre o seu próprio processo de criação, investigando-o e analisando-o criticamente. Por meio da personagem drag queen Soraia Queimada, corpo bicha-preta-periférica, é criada uma acaricatura de aspectos da sociedade brasileira da segunda decada do século XXI profundamente marcada pela violência. Soraia Queimada protagoniza um teatro show, estruturado a partir de expedientes presentes no Teatro de Revista, pelo qual o artista pesquisador investiga a criação de um corpo em cena descolonizado, que opera independente do modelo colonizador do corpo macho - branco - cisgênero - heterossexual. Este trabalho é um compartilhamento de reflexões e desdobramentos de uma pesquisa laboratorial de construção da cena.


  • Mostrar Abstract
  • This work brings the unfolding of researches of a scene artist who looks over his own creation process, investigating it and analyzing it critically. Through the drag queen character Soraia Queimada, a queer-blackperipheral body, is created a caricature of aspects of Brazilian society of the second decade of the twenty-first century, deeply marked by violence. Soraia Queimada stars in a show theater, structured from some aspects present in the Theater of Magazine, by which the researcher investigates the creation of a decolonized body in a scene, that operates independently of the colonizing model of the male - white - cis sex - heterosexual body. This work is a sharing of reflections and unfolding of a laboratory research of construction of the scene.

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  • GLEISON AMORIM DA SILVA
  • Teatralidade Expandida: O professor-performer e a mirada pedagógica como política de montagem e desmontagem cênica.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FABIO GUILHERME SALVATTI
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 06/08/2018

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  • O procedimento artístico/pedagógico de Desmontagem Cênica (CABALLERO, 2009), surge inserido no contexto da cena expandida, para práticas que desenvolveram a "Poética da experiência" em meados dos séculos XIX e XX na América Latina. Sobre a teatralidade, esse procedimento (desmontagem) anunciou aos artistas, grupos e coletivos a possibilidade de um modo performativo de atuar através de diferentes práticas in situ, que se expressasse em diálogo com os processos históricos de seus países, e, em desvelamentos cênicos que lançou outros olhares para o teatro que experimentaram. Do ponto de vista do espectador, a teatralidade se redimensiona e ganha corpo, principalmente para a miscigenação de procedimentos. A mestiçagem na dimensão de mirada, aponta uma política, presente nos constructos compartilhados através das práticas cênicas, que encontram na desmontagem uma possibilidade de realizar um processo didático, e isso nos ajudou na Montagem Cênica de um experimento pedagógico. Esboçamos nosso estudo com o Teatro performático e por um professor-performer agenciados pelo procedimento híbrido (CIOTTI, 2014); trabalhamos com a ideia de ações políticas (BHABHA, 2007), e nos aproximamos das performances pedagógicas que desenvolveram nossa proximidade e interesse em trabalhar com o teatro performativo. O professor-performer, também, é espectador e os temas emergem como uma memória corporal, e uma desconstrução fragmentada se desdobra.


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  • The Artistic / Pedagogical procedure of Scenic Disassembly (CABALLERO, 2009), is inserted in the context of the expanded scene, for practices that developed the "Poetics of Experience" in the middle of the 19th and 20th centuries in Latin America. On theatricality, this procedure (disassembly) announced to the artists, groups and collectives the possibility of a performative way of acting through different practices in situ, expressed in dialogue with the historical processes of their countries, and in scenic revelations that cast another glance at the theater they experienced. From the point of view of the spectator, the theatricality is re-dimensioned and gained body, mainly for the miscegenation of procedures. Mestizaje in the dimension of gaze points to a policy, present in the shared constructs through the scenic practices, that find in the disassembly a possibility to carry out a didactic process, and this helped us in the Scenic Assembly of a pedagogical experiment. We outline our study with the Performer Theater and a teacher-performer orchestrated by the hybrid procedure (CIOTTI, 2014); we worked with the idea of political actions (BHABHA, 2007), and we approached the pedagogical performances that developed our proximity and interest in working with performative theater. The teacher-performer, too, is a spectator and themes emerge as a bodily memory, and a fragmented deconstruction unfolds.

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  • CÉSAR FERRARIO LEITE NETO
  • O PORTO DE CHEGADA, AS PROSTITUTAS E O SENTIDO DO AMOR –

    Jornadas de um Dramaturgo em Formação.

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • Data: 28/08/2018

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  • A presente pesquisa consiste numa jornada mar à dentro na busca de uma poética que se traduz através da escrita dramática. A partir da elaboração da dramaturgia do espetáculo “Mulheres Invisíveis”, para o grupo Estandarte de Teatro, sediado em Natal, Rio Grande do Norte, a pesquisa repassa um conjunto de experiências pregressas deste autor, na tentativa de encontrar entendimentos e caminhos para uma melhor resolução do seu objeto. E nesse revolvimento do passado, através da organização dos antigos cadernos de anotações de outros processos, além de tentar resolver o desafio posto, dado no presente, o autor tenta também promover um conjunto de reflexões sobre o ofício da escrita dramática. O trabalho, ainda, traz para si a responsabilidade de constituir alguns exercício e procedimentos, que serão aplicados junto ao Grupo, na sala de ensaio, no intuito de coletivizar o conhecimento referencial abordado, estabelecendo aproximações de todo o corpus cênico com a dramaturgia que articula. A metodologia da pesquisa, atendendo a esse ato de rememorar, se delineia de forma metafórica, convidando o leitor a decifrar suas cartas náuticas, evidenciando os percursos desenvolvidos ao longo do processo, tal como uma rosa dos ventos que aponta em várias direções ou como uma mariposa que voa sobre um mapa, desenhando trajetos. A temática, por fim, como denominado, trata de um episódio verídico, em aproximações com o teatro documental, quando cinco mulheres, a quem se atribui o ofício de prostitutas, foram brutalmente assassinadas.


  • Mostrar Abstract
  • The present research consists of a seaward journey into the search for a poetics that translates through dramatic writing. From the drafting of the play "Invisible Women", for the group Estandarte de Teatro, based in Natal, Rio Grande do Norte, the research reviews a set of previous experiences of this author, in an attempt to find understandings and ways for a better resolution of its object. And in this revolving of the past, by organizing the old notebooks of other processes, besides trying to solve the present challenge, the author also tries to promote a set of reflections on the craft of dramatic writing. The work also carries with it the responsibility to constitute some exercise and procedures, which will be applied to the Group, in the test room, with the aim of collectivizing the referential knowledge approached, establishing approximations of the whole scenic body with the dramaturgy that articulates . The research methodology, in response to this act of recollecting, is outlined metaphorically, inviting the reader to decipher their nautical charts, evidencing the paths developed throughout the process, such as a rose of the winds that points in several directions or as a butterfly flying over a map, drawing paths. The theme, as it is called, deals with a veridical episode, in approximations with the documentary theater, when five women who are credited with the trade of prostitutes were brutally murdered.

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  • FRANCISCO DE ASSIS DE LIMA JÚNIOR
  • AS FACES DE GAIA: os modos de compreensão do corpo na Gaya Dança Contemporânea

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • TEREZINHA PETRUCIA DA NOBREGA
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • Data: 29/08/2018

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  • Antes de apresentar as configurações atuais, a Gaya Dança Contemporânea, projeto de extensão existente na Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN, passou por diversas e significativas transformações desde o seu advento em 1990 até os dias de hoje. Como a deusa grega e personificação do planeta, Gaia também responde de formas diferentes às situações as quais é submetida e se reinventa como uma nova Terra. Do mesmo modo, este grupo de dança vem se comportando durante sua existência e, a cada situação a que se põe a experienciar, seus modos de viver o corpo que dança vão sendo alterados e eles se reconfiguram mostrando outras faces distintas. Objetivando entender esse processo, nos valemos da Fenomenologia como abordagem metodológica para propor atravessamentos e discussões a partir das experiências de participantes do grupo e dos  conceitos inerentes à dança como: dança e educação, dança e rendimento, dança e criação. Os resultados apontam para três faces distintas apresentadas pelo grupo em sua linha do tempo e que delimitam os capítulos do texto: a primeira face cujo perfil é o caráter artístico-pedagógico; a segunda que evidencia a busca por um padrão estético de alto rendimento técnico e artístico e a terceira que prima pelas coletividades. A partir desse panorama, o corpo que dança na Gaya é enxergado como um híbrido de si mesmo, afetado pela sua historicidade, e pela gama de referências refletidas em suas faces desde o seu surgimento seguindo-se até os dias atuais.


  • Mostrar Abstract
  • Before presenting the current configurations, Gaya Dança Contemporânea, an extension project that existed at the Federal University of Rio Grande do Norte - UFRN, underwent several significant transformations from its inception in 1990 to the present day. As the Greek goddess and personification of the planet, Gaia also responds in different ways to the situations it undergoes and reinvents itself as a new Earth. In the same way, this dance group has been behaving during its existence and, with each situation that it is put to experience, its ways of understanding the body that dance are being altered and they reconfigure themselves showing other different faces. In order to understand these modes of understanding, we will use Phenomenology as a methodological tool to propose cross-cutting and discussions based on concepts inherent to dance: dance and education, dance and performance, dance and creation. The results point to three distinct faces presented by the group in its timeline and that will delimit the text's chapters: the first face focusing on the artistic-pedagogical character; the second evidencing a search for an aesthetic standard of high technical and artistic performance and the third one for collectivities. From this panorama, we see the body dancing in the Gaya as a hybrid of itself, affected by its historicity, and by the range of references reflected in its faces from its emergence to the present day.

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  • HILCA MARIA HONORATO DOS SANTOS
  • NA PISADA DOS CABOCLOS: Itinerâncias cênicas e corporais

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JONAS DE LIMA SALES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 29/08/2018

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  • A pesquisa que apresento consiste em uma investigação acerca do corpo do brincante popular, e a manutenção da sua tradição. O objeto da pesquisa é o universo dos Caboclos de Major Sales/RN, figuras presentes e atuantes da tradicional “brincadeira” de Malhação de Judas. Os sujeitos investigados na pesquisa são as figuras representativas, mestre e brincantes, responsáveis pela efetivação da brincadeira. Falarei sobre o impulso gerador da pesquisa, as questões que me surgiram, como dei conta delas, bem como o percurso metodológico que adotei. Dedico-me também ao encontro com o objeto de pesquisa recorrendo a um olhar etnográfico, buscando compreender os sentidos que motivam a brincadeira, e como estes sentidos constituem um elo significativo para a interação destes com a sociedade. Trato também de uma reflexão sobre as questões de espaço-tempo, itinerâncias cênicas e corporais, pensando na cena construída historicamente, socialmente e culturalmente por estes corpos, de modo que o foco investigativo não estará direcionado à realização de movimentos sincronizados, mas sim as expressões de corporeidade vividas tradicionalmente por estes corpos brincantes, e o modo como eles se relacionam com o mundo.

     


  • Mostrar Abstract
  • The research that I introduce consists of an investigation of the body of the folk dancer and the maintenance of his tradition. The object of the research is the universe of the “Caboclos” from Major Sales/Rio Grande do Norte, active figures in the traditional "play" of the Burning of Judas. The investigated subjects in the research are the representative figures, master and players, responsible for the happening of the play. I will address the main impulse of the research, the issues that arose, how I treated them, and the methodological course I adopted. I also dedicate myself to the encounter with the object of research using an ethnographic approach, seeking to understand the senses that motivate the play, and how these senses constitute a significant link for their interaction with society. I also deal with the reflection on the issues of space-time, scenic and corporal itineraries, thinking about the scene historically, socially and culturally constructed by these bodies, so that the investigative focus will not be directed to the realization of synchronized movements, but rather the expressions of corporeality traditionally lived by these playing bodies, and the way they relate to the world.

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  • HIANNA CAMILLA GOMES DE OLIVEIRA
  • ATO DE TRANSVER: PREPARAÇÃO CORPORAL DE ATORES PARA UM ESPETÁCULO NÃO VISUAL

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • Data: 30/08/2018

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa trata de aspectos da preparação corporal de atores a partir da vivência com o elenco do Projeto de Extensão O QUE OS OLHOS NÃO VEEM, vinculado ao Centro de Educação e Departamento de Práticas Educacionais e Currículos da Universidade Federal do Rio Grande do Norte, sobre a coordenação do Prof. Dr. Jefferson Fernandes Alves. Investiga-se como a ausência do sentido da visão influencia as práticas corporais com os atores, como essa situação reverbera em seus corpos para a cena e na percepção de si. Toma-se como foco de investigação os relatos dos membros do projeto de extensão, os quais são analisados por meio da Análise Temática de conteúdo de Bardin. São tomadas como referências as provocações do filósofo Evegen Bavcar sobre outras dimensões do olhar que estão para além dos olhos, como também a ideia poética de Manoel de Barros acerca do ato de transver. Elas compõem a investigação do não visual como possível ferramenta no trabalho corporal de atores, juntamente com os estudos sobre a atenção de Virginia Kastrup e os conceitos de corpo e Heterotopia de Michel Foucault. Como resultados discute-se temas como: a dimensão tátil do olhar, ver como algo relacional, a reversão do estado de atenção, a atenção a si, a preparação corporal como um não lugar, a criação de um corpo utópico e alteridade entre atores e espectadores.


  • Mostrar Abstract
  • The research deals with aspects of body preparation of actors from the experience with the cast of the Extension Project WHAT THE EYES DO NOT SEE, linked to the Education Center and Department of Educational Practices and Curricula of the Federal University of Rio Grande do Norte, about the coordination of Prof. Dr. Jefferson Fernandes Alves. It is investigated how the absence of the sense of sight influences the body practices with the actors, as this situation reverberates in their bodies for the scene and in the perception of itself. As a focus of research, the reports of extension project members are analyzed through Bardin's Thematic Content Analysis. Reference is made to the provocations of the philosopher Evegen Bavcar on other dimensions of the eye that are beyond the eyes, as well as the poetic idea of Manoel de Barros on the act of transver. They compose the investigation of non-visual as a possible tool in the bodywork of actors, along with studies on the attention of Virginia Kastrup and the concepts of body and Heterotopia by Michel Foucault. As results we discuss topics such as: the tactile dimension of the look, see as something relational, the reversal of the state of attention, attention to self, body preparation as a no place, creation of a utopian body and alterity between actors and spectators

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  • PAUL MAILLIW DE MORAES PONTES
  • CAMINHO SOBRE A PONTE QUE CONSTRUÍMOS:

    REFLEXÕES SOBRE AS EXPERIÊNCIAS DE UM ARTISTA-PROFESSOR E SUAS AULAS-ENCONTROS

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARYNE DIAS COUTINHO
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 22/10/2018

  • Mostrar Resumo
  • A seguinte pesquisa fundamenta-se nos alicerces do Teatro e da Educação e busca contribuir para os processos de estudos das grandes áreas, bem como apontar novas possibilidades para o ensino de Teatro na Educação Básica. Um dos focos da pesquisa está sob a figura do Artista-Professor que nesse trabalho é entendido como um fazedor da própria arte que ensina, aproximando-se assim dos conceitos de Professor-Artista (STRAZZACAPPA, 2006), Professor-Performer (ICLE, 2013) e ainda Diretor-Pedagogo (HADERCHPEK, 2009). Logo, o Artista-Professor, passa a ocupar uma função mediadora entre o aluno e a prática teatral, conduzindo-o através de Aulas-Encontros. Tal conceito é esmiuçado ao longo do processo e se pauta na ideia da Arte do Encontro de Grotowski (2011), o que contribui, diretamente, para o pensamento metodológico do trabalho que busca expandir a compreensão de aula através de um convite do professor para o aluno; tudo isso proposto dentro de uma escrita ensaísta sobre Educação, Teatro e Experiência.


  • Mostrar Abstract
  • The following research is based on the foundations of Theater and Education and seeks to contribute to the study processes of the large areas, as well as to point out new possibilities for the teaching of Theater in Basic Education. One of the focuses of the research is the figure of the Artist-Teacher who in this work is understood as a maker of the art that teaches, creating an approximation with the concepts Professor-Artist (STRAZZACAPPA, 2006), Professor-Performer (ICLE, 2013) and Director-Pedagogue (HADERCHPEK, 2009). Therefore, the Artist-Teacher, takes on a mediating function between the student and the theatrical practice, conducting it through Lessons-Encounters. This concept is explored throughout the process and is based on the idea of the Art of Encounter of Grotowski (2011), which contributes directly to the methodological thinking of the work that seeks to expand the understanding of lessons through an invitation from the teacher to the student; all of which is proposed in an essayist writing about Education, Theater and Experience.

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  • MILENA LENORE DE OLIVEIRA
  • A MEMÓRIA DO CORPO E O CORPO DA MEMÓRIA: VIVÊNCIAS COM A MÍMESIS CORPÓREA

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • CARMELA CORRÊA SOARES
  • Data: 26/10/2018

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação se deu a partir da vivência da técnica da Mímesis corpórea, sistematizada pelo LUME - Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da UNICAMP, tendo como premissa, às memórias de um grupo de idosas participantes do Projeto “Vida com Maturidade”, desenvolvido pela equipe da COAPS - Coordenadoria de Apoio Psicossocial, parte integrante do Departamento de Atenção à saúde do Servidor – DAS/UFRN. Como meio para instigar essas memórias, foram utilizados alguns elementos provocadores em um processo de rememorar, feito isto, os relatos de memórias foram transcritos e transformados em texto e através da mímesis corpórea, estes textos se tornaram em memória no/do corpo. Com vistas a fomentar o treinamento e o trabalho de composição cênica, a atriz-pesquisadora participou dos laboratórios práticos de investigação e criação do Projeto Voz e Teatro, conduzidos pela professora e coordenadora Mayra Montenegro – UFRN, que dentre outros, tem o objetivo de realizar uma série de estudos teórico-práticos acerca da mímesis corpórea. Como resultado dessas vivências, pretende-se compartilhar essas memórias através de um exercício cênico intitulado “O corpo da memória”.

     


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation was based on the experience of the body mimesis technique, systematized by LUME - UNICAMP 's Interdisciplinary Center for Theater Research, based on the memories of a group of elderly participants in the Life with Maturity Project, developed by the COAPS - Coordination of Psychosocial Support, an integral part of the Department of Health Care of the Server - DAS / UFRN. As a means to instigate these memories, some provocative elements were used in a process of remembering; thus, the reports of memories were transcribed and transformed into text and through bodily mimesis, these texts became memory in / of the body. In order to promote the training and the work of scenic composition, the researcher participated in the practical laboratories for research and creation of the Voice and Theater Project, conducted by the teacher and coordinator Mayra Montenegro - UFRN, among others. a series of theoretical-practical studies on the bodily mimesis. As a result of these experiences, it is intended to share these memories through a scenic exercise titled "The Body of Memory"

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  • RAIANA DE FREITAS PALUDO
  • PIRATAS AO MAR: REFLEXÕES SOBRE A EXPERIÊNCIA DA PRÁTICA PEDAGÓGICA TEATRAL A PARTIR DO CORPO-VOZ E DA COMICIDADE

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • BARBARA BISCARO
  • ELANE FÁTIMA SIMÕES
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 03/12/2018

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa pode ser caracterizada a partir de uma abordagem descritiva, reflexiva, teórica e prática sendo desenvolvida por meio de uma experiência voluntária no campo da pedagogia teatral, tendo como objetivo fomentar reflexões oriundas da experiência da prática pedagógica teatral partindo do corpo-voz e da comicidade. Para tanto, foi realizada, durante o segundo semestre do ano de 2017, a oficina denominada: CORPO-VOZ, e um riso, com duração de seis meses, junto a um grupo de estudantes do ensino médio do Campus Natal Central no Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Rio Grande do Norte (CNAT/IFRN). A coleta de dados se deu a partir de relatos das experiências da viagem no mar da didática e dos processos de ensino-aprendizagem da arte cênica. Essa pesquisa buscou abrir um espaço de diálogo sobre as possibilidades criativas dentro das instituições de ensino. Meu intento não foi definir metodologias ou regras absolutas, e sim levantar reflexões acerca da pedagogia teatral com base nos elementos da comicidade e do trabalho de corpo-voz, de forma que se constituam, no contexto desta pesquisa, como referências e estratégias teóricas e práticas que possam contribuir com o trabalho de artistas-docentes em pesquisas relacionadas à temática.


  • Mostrar Abstract
  • The research sought to point out ways that can be used to develop comedy in actors and actresses through the use of the voice body, so that they constitute references and strategies that can contribute to the work of actors in research related to the theme. With a descriptive and exploratory character, and with an essentially qualitative approach, the research has as object of study a group of students of Campus Natal Central of the Federal Institute of Education, Science and Technology of Rio Grande do Norte - CNAT / IFRN.

2017
Dissertações
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  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • “SAUDADES Z(É)”: METAFORIZANDO A CONSTRUÇÃO DO CORPO BRINCANTE

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • Data: 06/01/2017

  • Mostrar Resumo
  • O texto em mãos tem como objetivo central apresentar a pesquisa intitulada “Saudades Z(é): Metaforizando a construção do corpo brincante”. A pesquisa aqui descrita faz referência às memórias do ator-pesquisador, Sebastião Silva, acerca da brincadeira do Boi de Reis da comunidade do Sítio de Santa Cruz, da Cidade de Vera Cruz/RN. A metáfora da construção do corpo cênico já é uma poética, um exercício de arte. E é nesta perspectiva que se dá a metáfora da construção do corpo do brincante “Zé de Moura” enquanto uma pedagogia da cena. Optamos por um recorte sobre o corpo desse brincante que assumiu durante muitos anos o personagem do Mateus na brincadeira do Boi de Reis. A pesquisa atravessa as memórias de um povo, dos brincantes do Boi de Reis e do pesquisador enquanto aquele que se contaminou com a magia da brincadeira. Ela ancora-se no processo ritual (TURNER, 1974), a partir dos conceitos de tempo liminar, estrutura e antiestrutura e precisamente na memória como recriação do vivido (LEONARDELLI, 2008).


  • Mostrar Abstract
  • This paper aims to present a study entitled “Saudades Z(é): metaphorizing the construction of the body brincante.” The research makes reference to the memoirs of the author-researcher, Sebastião Silva, about the game Boi de Reis in the community Sítio de Santa Cruz, in Vera Cruz city/RN. The metaphor of the construction of the scenic body is already poetry, an art exercise. It is from that perspective that occurs the metaphor of the construction of the body brincante “Zé de Moura” as pedagogy of the scene. It was chosen a snip about the body of brincante that assumed for many years the character Mateus in the game Boi de Reis. The research passes through the memoirs of a people, brincantes of the Boi de Reis and the researcher as the one that infected themselves with the magic of the game. It is anchored in the ritual process (TURNER, 1974), from the concepts of beginning time, structure and anti-structure and precisely in the memoir as recreation of the lived (LEONARDELLI, 2008).

2
  • ANA LUIZA PALHANO CAMPOS SILVA
  • O CENOTEC/UFRN:estudo sobre uma proposta de ensino de Cenografia na Licenciatura em Teatro

     

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • FÁTIMA COSTA DE LIMA
  • Data: 30/01/2017

  • Mostrar Resumo
  • Esta dissertação possui como tema de estudo o papel do ensino de Cenografia na formação do professor de Teatro. Nesse sentido, buscou-se apresentar uma análise sobre a proposta de formação em Cenografia ofertada pelo Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena - CENOTEC aos alunos do curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN. Trata-se de uma pesquisa de natureza qualitativa que, utilizando os métodos e as técnicas do estudo de caso como observação participante, entrevistas, questionários e análise de documentos e registros (fotográficos e cinematográficos), visou refletir como esse laboratório contribui para a formação do professor de Teatro nesta universidade, quais ações pedagógicas desenvolve e quais os desafios enfrenta. Para a construção desta análise, a pesquisa dialoga com autores como Pâmela Howard (2009) e Mickinney e Butterworth (2009), na discussão sobre Cenografia e suas transformações nos séculos XX e XXI, além de Araújo (2005), Freire (2010), Leite (1996), Salles (2012) e Alves (2006) no debate sobre ensino de Cenografia e formação de professores. Portanto, por meio desta investigação, busca-se difundir e ampliar as discussões sobre os aspectos pedagógicos do ensino de Cenografia para além dos aspectos técnicos no campo da Pedagogia Teatral.


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation project has as study subject the role of scenography teaching in the formation of the Theatre teacher. In this sense, seeks to present an analysis of the training proposal in scenography offered by Scenographic Studies and Scene Technologies Laboratory - CENOTEC to the students of bachelor's degree in Theatre of the Federal University of Rio Grande do Norte – UFRN. This is a qualitative research, using the methods and techniques of the case study as participant observation, interviews, questionnaires and analysis of documents and records (photographic and cinematographic), that aims to reflect how this laboratory contributes to the formation of Theatre teacher at this university, which educational activities develops and what challenges facing. For the construction of this analysis, the research dialogues with authors like Pamela Howard (2009) and Mickinney and Butterworth (2009), about the discussion of scenography and its transformations in the twentieth and twenty-first centuries, and Araújo (2005) and Freire (2005), in the debate about scenography teaching and teachers training. Therefore, through this research, we seek to spread and expand discussions on the pedagogical aspects of scenography teaching beyond the technical aspects in the field of Theatre Pedagogy.

3
  • CLARA TALHA MELO DE SOUSA
  • A VOZ DO DONO E O DONO DA VOZ: PROPRIOCEPÇÃO NA PREPARAÇÃO VOCAL DO ATOR

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • ERNANI DE CASTRO MALETTA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 30/01/2017

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  • A presente dissertação investigou por meio de pesquisa teórico-prática o conceito de propriocepção, conforme Damásio (2011), estratégias de trabalho de preparação vocal que potencializem as capacidades vocais dos atores de teatro, como forma de contribuir para o desenvolvimento de suas identidades vocais, técnicas pessoais e rotinas de aquecimento e desaquecimento vocal. Nessa perspectiva, averiguamos a relevância do trabalho de expressão vocal com técnicas como o método Belting Contemporâneo, tendo em vista expandir a imagem vocal, a respiração e a percepção da voz e seus recursos num grupo de quinze atores adolescentes. Como culminância das sessões experimentais e para enriquecer nossa reflexão crítica, fizemos o acompanhamento e documentação de uma experimentação cênica com o grupo “Cabe na sacola”, formado por estudantes do IFPB – “Instituto Federal de Educação Ciência e Tecnologia da Paraíba”.


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  • This dissertation is the record of a theoretical and practical research on vocal preparation strategies that enhance the vocal abilities of theater actors, in order to contribute to the development of their vocal identities, personal techniques and warm-up routines and vocal slowdown, with based on the concept of proprioception, as Damasio (2011) ascertained the relevance of utterance work with techniques such as Belting Contemporary method, in order to expand the vocal image, breathing and perception of voice and its resources in a fifteen group teenage actors. As a culmination of the experimental sessions and to enrich our critical reflection, we made the monitoring and documentation of a scenic experimentation with It group” Cabe na Sacola”, formed by students of IFPB - "Federal Institute of Science Education and Technology of Paraíba", the results were evaluated at the Clinical School of Speech, Federal University of Paraíba UFPB-and showed respiratory and phonation improvements.

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  • DAIANI CEZIMBRA SEVERO ROSSINI BRUM
  • A atuação de palhaças e palhaços: o hospital como palco de encontros

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 10/02/2017

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  • O presente trabalho trata-se de uma investigação em Artes Cênicas que teve como mote algumas inquietações pessoais da autora ao atuar como palhaça em hospitais de São Paulo e de Natal. A partir dessa experiência profissional, identificou-se que há peculiaridades no trabalho de atriz e de palhaça próprias aos diferentes espaços da sociedade. No contexto aqui pesquisado, destaca-se a necessidade que as figuras palhacescas têm de engendrar uma abertura em que possam se relacionar com os seres e com os acontecimentos do espaço e do tempo hospitalares. Por isso, pergunta-se: comparado aos demais âmbitos de atuação palhacesca, quais são as principais peculiaridades do hospital? Com base na experiência de profissionais palhaças e palhaços que atuam em contextos hospitalares, quais são os principais aspectos a serem considerados na atuação nesses espaços? No intuito de responder a essas questões, objetiva-se investigar a atuação de palhaças e palhaços em palcos hospitalares, contextualizando, para isso, tal atuação no âmbito das práticas cênicas. Além disso, a partir da descrição de experiências nos campos hospitalares, pretende-se identificar os principais aspectos que configuram essas vivências artísticas em contato com o cotidiano do hospital. Com base numa metodologia fenomenológica fundamentada em Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), buscou-se dialogar com experiências palhacescas hospitalares através de entrevistas realizadas com sete membros da Organização Não Governamental (ONG) Doutores da Alegria, bem como com o palhaço Ésio Magalhães, que fez parte do elenco da ONG até o ano de 2003. Como resultados desta pesquisa propõe-se a discussão sobre o jogo cênico a partir da mescla das técnicas de treinamento pessoal e das sensibilidades de cada artista, como também a atuação palhacesca no hospital como experiências de encontros teatrais. Para tanto o referencial teórico abrange a Fenomenologia de Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), o conceito de Jogo colocado por Huizinga (2014) e os estudos brasileiros sobre o riso, o cômico e a palhacaria, tais como os de Burnier (2001), Viveiros de Castro (2005), Bolognesi (2006), Kásper (2004), Wuo (1999; 2011) e Sacchet (2009).


  • Mostrar Abstract
  • This work is an investigation in Scenic Arts that had as motto some personal concerns of the author when acting as a clown in hospitals of São Paulo and Natal. From this professional experience, it has been identified that there are peculiarities in the work of actress and clown in different spaces of the society. In the context researched here, it is emphasized the need for the clowns to have to engender an opening in which they can relate to beings and to the events of space and hospital time. Therefore, it is asked: what are the main peculiarities of the hospital compared to the other areas of palhaceous activity? Based on the experience of professional clowns who work in hospital settings, what are the main aspects to be considered in acting in these spaces? In order to answer these questions, the objective is to investigate the performance of clowns in hospitals, contextualizing, for this, such action within the framework of scenic practices. In addition, from the description of experiences in the hospital fields, we intend to identify the main aspects that configure these artistic experiences in contact with the daily life of the hospital. Based on a phenomenological methodology based on Merleau-Ponty (2006, 2007, 2011), we sought to dialogue with hospital clownings experiences through interviews with seven members of the Non-Governmental Organization (NGOs) Doutores da Alegria, as well as the clown Ésio Magalhães, who was part of the NGO's cast until the year 2003.  As a result of this research, we propose to discuss the scenic play based on the mixture of personal training techniques and the sensibilities of each artist, as well as the performance of clown in the hospital as experiences of theatrical meetings. In order to do so, the theoretical reference covers the Merleau-Ponty Phenomenology (2006, 2007, 2011), the play concept posed by Huizinga (2014) and the Brazilian studies on laughter, comics and palhacaria, such as Burnier 2001), Viveiros de Castro (2005), Bolognesi (2006), Kásper (2004), Wuo (1999; 2011) and Sacchet (2009).

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  • NYKAELLE APARECIDA PEREIRA DE BARROS
  • Técnica de bufão: Possibilidades teórico-práticas para o ator contemporâneo

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • Data: 15/02/2017

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  • O bufão tem uma forte representação social. Sua imagem pode provocar repúdio e estranheza, mas também, sua liberdade gestual e verbal pode produzir admiração, uma vez que ele demonstra desejos e instintos que o homem comum possui, mas que procura esconder de si mesmo e da sociedade, devido aos padrões e tabus impostos por esta. Atualmente, ao trabalhar com a ideia bufonesca a partir da deformação física, o figurino é de extrema importância; porém, a corporeidade construída através do treinamento com esta técnica, é fundamental para que não tenhamos apenas uma imagem superficial da bufonaria. Acreditamos que para a constituição de tal figura o ator deve buscar um corpo que pareça verdadeiro, pela qualidade de sua caracterização e, principalmente, pelo seu trabalho de criação. A pesquisa teve como objetivos compreender como se dá a construção do corpo bufonesco e como este se configura na transformação do corpo do ator, bem como inquerir como se constrói tal corpo a partir das oficinas e espetáculos do Grupo Bufões de Olavo. Para tanto, partiu-se de tais questionamentos: Como a técnica de bufão pode ser potente no treinamento do ator/atriz? Como se configura o corpo bufonesco ético/estético na contemporaneidade e como tal técnica de bufão pode ser utilizada nos processos de formação do ator/atriz contemporâneo? A proposição metodológica utilizada foi a observação participante como uma metodologia que não se coloca como agente de interferência direta, mas, que está envolvida completamente, sendo necessário um registro minucioso, que pode ser feito em material audiovisual, para que o pesquisador possa observar inclusive a si mesmo, dentro do processo de construção do trabalho realizado. Através da montagem do espetáculo “Wanderer – O Reino dos Cegos”, investigamos os exercícios dentro da técnica de bufão, experimentamos e discutimos. Percebemos o quanto amadurecemos e o quão importante tem sido trabalhar com esta estética, desenvolvendo nosso discurso enquanto artistas, pessoas, produtores de arte. Desenvolvemos oficinas e performances, que nos deram a oportunidade de observar a reverberação desse trabalho em outras pessoas, podendo perceber a potência dessa pesquisa na contribuição do nosso trabalho e de outros artistas que pudemos ter contato.


  • Mostrar Abstract
  • The buffoon has a strong social representation. His image may provoke repudiation and strangeness, but also his gesture and verbal freedom can produce admiration, since he demonstrates desires and instincts that the common man possesses, but which seeks to hide from himself and society, due to the standards and taboos Imposed by it. Nowadays, when working with the buffoon idea from the physical deformation, the costumes are extremely important; But the corporeality constructed through training with this technique is fundamental so that we do not have only a superficial image of the buffoonery. We believe that for the constitution of such a figure the actor must seek a body that seems true, for the quality of its characterization and, mainly, for its work of creation. The research had as objectives to understand how the construction of the buffoon body and how this one is configured in the transformation of the body of the actor, as well as inquerir how is constructed such body from the workshops and spectacles of the GrupoBufões de Olavo. To do so, we started with such questions: How can the buffoon technique be potent in the training of the actor / actress? How is the ethical / aesthetic buffoonish body configured in contemporaneity and how can such a buffoon technique be used in the processes of contemporary actor / actress formation? The methodological proposition used was participant observation as a methodology that is not used as a direct interference agent, but which is completely involved, requiring a detailed recording, which can be done in audiovisual material, so that the researcher can observe even the Itself, within the process of building the work done. Through the assembly of the show "Wanderer - The Kingdom of the Blind", we investigated the exercises within the buffoon technique, experimented and discussed. We realize how much we mature and how important it has been to work with this aesthetic, developing our discourse as artists, people, producers of art. We developed workshops and performances, which gave us the opportunity to observe the reverberation of this work in other people, being able to perceive the power of this research in the contribution of our work and other artists that we could have contact with.

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  • ANA RACHEL DA SILVA CAVALCANTE
  • ELES NÃO USAM BLACK-TIE: UMA LEITURA DAS MICRO-RELAÇÕES DE PODER

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • SANDRA AMÉLIA LUNA CIRNE DE AZEVEDO
  • Data: 17/02/2017

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  • Esta pesquisa possui como principal objetivo analisar e estudar as micro-relações de poder existentes entre as personagens da peça Eles Não Usam Black-Tie, escrita por Gianfrancesco Guarnieri, em 1955. Pretendemos também mostrar um experimento cênico, no qual buscamos visualizar os micro-poderes em cena. A metodologia escolhida inclui a leitura do texto de Guarnieri observando a inter-relação entre as personagens. Esta observação é realizada sob a perspectiva do poder. O nosso principal suporte teórico para a realização das análises é um conjunto de colocações apresentadas pelo pensador francês Michel Foucault, especialmente a respeito da obra Microfísica do Poder e das questões referentes às teias do poder. As reflexões trazidas por Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço e Anatol Rosenfeld foram também primordiais para entender os aspectos dramatúrgicos da peça, como também a estrutura macropolítica da época em que ela foi encenada. Desse modo, a pesquisa visa facilitar a percepção para as micro-relações presentes no texto Eles Não Usam Black-Tie, bem como expor uma possibilidade de visualização cênica destes elementos. Para isto, utilizamos para a reflexão cênica autores como: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Ana Alvarado, Roberto Machado e Gilles Deleuze.    


  • Mostrar Abstract
  • This research is focused in the analysis of the micro-relations of power consisted between characters in the play Eles Não Usam Black-Tie, written by Gianfrancesco Guarnieri, in 1955.  In this context, we will present a scenic experiment which represents the micro-power inside the scene. The methodology used in this study was based on the reading of the Guarnieri’s play and making observations about the inter-relationship between the characters. This observation is made from the perspective of power. To support our analyses, we used the set of placements showed by the French writer Michel Foucault, especially in his work Microfisica do Poder which presents the influences of the power. We used the reflexions obtained by Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço and Anatol Rosenfeld to understand the dramatic aspects and the macro-political structure of the time where the play was written. Thus, this research aims to make an easier understanding of the perception of micro-relations present in Eles Não Usam Black-Tie and show a possible visualization of these elements inside the scene. In this respect, we used the reflexions obtained in works from authors as: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Ana Alvarado, Roberto Machado e Gilles Deleuze.    

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  • CAMILA SILVEIRA DUARTE
  • AFECÇÕES E PAISAGENS IN TRANSIT: Processos de Desterritorialização / Reterritorialização e Deslocamentos Poéticos nas Obras da Artista Afegã Lida Abdul

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 22/02/2017

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  • Esta pesquisa tem como intuito apresentar uma reflexão acerca da trajetória artístico-biográfica da artista afegã Lida Abdul (1973), a partir da análise de três de suas obras: “In Transit” (2008), “Military / Body” (2004) e “Global Porn” (2002), nas quais levanta questões e aborda temas sobre intervenções artísticas em territórios de conflito, relações entre corpo e violência, e reflexões sobre a dialética entre o sistema capitalista e performances políticas, respectivamente. Também serão discutidos, em consonância com as obras da artista, os conceitos de desterritorialização e reterritorialização, identidades móveis, e fronteiras permeáveis entre as linguagens artísticas, tendo como objeto direto para esse diálogo: a Performance Art.


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  • The main goal from this research is to reflect about the art with life and journey from the afghan artist Lida Abdul (1973), analysing and reviewing three of  her works: “In Transit” (2008), “Military / Body” (2004) and “Global Porn” (2002). She rises questions concerning artistic interventions at conflict areas, the relationship between body and violence, and reflections about the dialectic between the capitalism system and political performances, respectively. Also, as a part of her work, it will be discussed the concept of desterritorialization and  reterritorialization, mobil identities, porous borders, between artistic languages, where  the Performance Art becomes a straight object for its dialogue.

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  • KARLA LIDIANE COSTA MARTINS SILVA
  • Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção.

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOHN COWART DAWSEY
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 22/02/2017

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  • A presente dissertação, intitulada Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção, trafega sobre os solos da arte e do sagrado, aqui abordados por meio de uma pesquisa prática/teórica encampada pela artista-pesquisadora Karla Martins acerca do seu mito-guia: Santa Teresinha do Menino Jesus. A santa francesa, também conhecida como da Sagrada Face, manifesta-se nesta investigação a partir do campo da mitologia pessoal da artista-pesquisadora e é desvelada por uma experiência performática. Para a construção desta experiência, lança-se mão da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, práticas/conceitos capitaneados pela Prof. Ph.D. Luciana Lyra (UERJ / UFRN), que, por sua vez, estão ligados aos campos da Antropologia da Experiência (Antropologia da Performance), do antropólogo Victor Turner, e da Antropologia do Imaginário, do sociólogo Gilbert Durand, que em si transitam acerca de ritos de passagem, da imagem, do mito e do ritual. A partir da aplicação dos procedimentos mitodológicos, vê-se eclodir as pulsões mais íntimas da artista-pesquisadora, que perpassam a escrita e a criação da performance Thérèse


  • Mostrar Abstract
  • This dissertation, entitled Thérèse, ecstasy of an offered body: the mythodological journey of a f(r)iction artist, travels over the grounds of art and holiness, discussed here by means of a practical/theoretical research embraced by the artist-researcher Karla Martins about her guide-myth: Saint Therese of the Child Jesus. The French saint, also known as the Holy Face, manifests itself in this investigation through the scope of the artist-researcher’s personal mythology and unveils herself through a performative experience. In order to carry such experience on, the research was based on the Mythodology in Art and the Artethnography, practices/concepts upheld by Prof. Ph.D. Luciana Lyra (UERJ), which, in turn, are connected to the fields of Anthropology of Experience (Anthropology of Performance), led by anthropologist Victor Turner, and Anthropology of the Imaginary, led by sociologist Gilbert Durand, which by their turn involve rites of passage, image, myth and ritual. The application of these mythodological procedures cause the most intimate of the artist-researcher’s pulsions to erupt and pervade her writing, as well as the creation of the performance Thérèse itself. 

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  • WALLACE JOSÉ DE OLIVEIRA FREITAS
  • DOSSIÊ JAN FABRE: DIÁLOGOS E GERMINAÇÕES

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MARA LUCIA LEAL
  • Data: 22/02/2017

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  • O presente trabalho procura desenvolver reflexões no campo das artes sobre as possibilidades de teatro para além do texto clássico (aristotélico) e das separações homogêneas das linguagens artísticas levando em consideração duas produções do artista belga Jan Fabre. Entendendo que teatro performativo seria esse lugar entre o teatro e a performance, onde um percebe no outro a capacidade de germinação, objetiva-se apresentar esse artista e utilizar como base as obras The Power of Theatrical Madness (o reenectament de 2012) e Mount Olympus (uma performance de 24 horas de duração – 2015), e, ainda, a sede do diretor – o Troubleyn / Laboratorium. A partir do título do trabalho, sou encaminhado para a ideia de dossiê enquanto espécie de coleção de documentos ou “pequeno arquivo” que contém algum assunto para análise. Nessa ideia, procuro desmembrar características do trabalho artístico de Fabre. Trata-se de obras específicas, mas cuja análise crítica acaba por denunciar o modus operandi de Fabre como um todo. Reside aqui, uma tentativa de traduzir Fabre e seu trabalho, não somente no que tange à linguagem, mas no que se refere às imagens, vídeos e buscas. É uma tradução das várias informações e entrevistas realizadas ao longo dessa jornada. É a tradução também do que eu sinto, percebo e assimilo nesses diálogos constantes com o Troubleyn.


  • Mostrar Abstract
  • The present study aims to develop reflections in the arts field about the theater possibilities beyond the classic text (Aristotle) and homogeneous separation of the artistic languages taking into consideration two productions of the Belgian artist Jan Fabre. Understanding that Performative Theater would be this place between the theater and the performance, where one realizes on the other the germination ability. It’s the intention to introduce this artist and use as a basis of study his works The Power of Theatrical Madness (1984 – 2012), and Mount Olympus (a twenty four-hours performance – 2015) and also his head office, the Troubleyn / Laboratorium. From the title of this work, I walk into the dossier idea as a kind of documents collection or a short file, that carries some subject for analysis. This way, I intend to dismember the features of Jan Fabre’s artwork. However these are specifics works, its critical analysis turns out to reveal Fabre’s modus operandi as a whole.  Here is an attempt to translate Fabre and his works, not only with regard to the language, but to translate what comes from pictures, videos and searches. It´s a translation of information I receive and interviews I´ve done throughout my journey. It´s also a translation of what I feel, I realize and assimilate through these constant dialogues with Troubleyn.

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  • JANAINA GOMES DA SILVA
  • Cara da Mãe: uma jornada de criação pela via da Mitodologia em Arte

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MÁRCIA VIRGINIA BEZERRA DE ARAUJO
  • Data: 22/02/2017

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  • Em meio ao desejo de contar a história de sua mãe e de suas antepassadas por meio da dança e do teatro, Janaína Gomes engravidou de Lótus, seu filho. No mesmo tempo/espaço, duas outras artistas, Ana Luiza Bione e Íris Campos, também grávidas, foram convidadas por Janaína a adentrarem no processo e juntas fundaram o Coletivo Cênico Tenda Vermelha, em Recife-PE, no ano de 2012. A busca por uma escrita de si partindo da experiência materna de cada artista-criadora deste coletivo fez do encontro com a Mitodologia em Arte um ‘caminho de criação’, um meio de transpor para a cena as experiências vivenciadas pelas artistas em contato também com outros coletivos de mães. A Mitodologia em Arte, criada pela Profa. PhD. Luciana Lyra a partir de seus estudos acerca da Antropologia do Imaginário de Gilbert Durand (2012) e da Antropologia da Experiência capitaneada por Victor Turner (1986), é um complexo de criação cênica que lida com forças pessoais as quais movem o atuante na relação consigo mesmo e com a alteridade, em retroalimentação (2010). A presente dissertação visa justamente desvelar a trama investigativa empreendida por Janaína Gomes e o Tenda Vermelha pela via mitodológica, e que acabou por resultar no espetáculo intitulado Cara da Mãe (2015), dirigido por Lyra. Escrito de forma autobiográfica (JOSSO, 2009), e performática (LYRA, 2010), a dissertação toma ainda como guia a jornada do herói (CAMPBELL, 2007).


  • Mostrar Abstract
  • Between the desire of tell the history of her ancestors and her mother through the dance and the theater, Janaína Gomes got pregnant of Lótus, her son. During the same time/space, two other artists - Ana Luiza Bione and Íris Campos, also pregnants, were invited by Janaina to join in the process and together they founded the theatrical group call “Coletivo Cênico Tenda Vermelha”, in the City of Recife- PE, in the year of 2012. The search for a self-writing based on the maternal experience of each artist-creator of this group made the encounter with the “Mitodologia em Arte” a 'path of the creation process', a way of transport to the scene the experiences lived by the artists and also the contact with other group (collective) of mothers. The “Mitodologia em Arte” was created by the PhD. Professor Luciana Lyra from her studies on “Antropologia do Imaginário” by Gilbert Durand (2012) and the “Antropologia da Experiência” captained by Victor Turner (1986), it’s a complex of scenic creation that deals with personal forces that moves the actor in relation to himself and the sense of otherness, in constant feedback (2010). The present dissertation aims to unveil the investigative plot undertaken by Janaína Gomes and the “Coletivo Cênico Tenda Vermelha” through the ‘mitodologia” path, which ended up in the performance “Cara da Mãe” (2015) directed by Lyra. Written in an autobiographical (JOSSO, 2009), and performatic (LYRA, 2010), this dissertation still takes the hero's journey (CAMPBELL, 2007).

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  • TATIANE CUNHA DE SOUZA
  • O GRUPO MARÉ DE ARTES E A COMUNHÃO RITUALÍSTICA: UM JOGO ENTRE SUJEITOS DE F(R)ICÇÃO

  • Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 23/02/2017

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  • A presente pesquisa tem como estudo central o processo de criação e as experiências cênico-rituais construídas junto aos integrantes do Grupo Maré de Artes Programa Mais Cultura Nas Escolas, da Escola Municipal Edinor Avelino – Macau/RN, em que a pesquisadora atuou como professora de Teatro, entre os anos de 2014 e 2016. Tal processo criativo foi fomentado a partir de caminhos pedagógicos experienciados, que focam em princípios e procedimentos ritualísticos do jogo e da cena. Da vivência com o Bando La Trupe, desenvolvendo experiências de arte pública, passando pelo Arkhétypos Grupo de Teatro e a proposição da arte do encontro, chegando à Unaluna e os conceitos/práticas da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, a pesquisadora aponta o aluno-atuante como sujeito de f(r)icção (LYRA, 2014), que  atrita suas histórias reais e ficcionais, transitando entre o real e o imaginário, numa constante f(r)icção dele com ele mesmo, dele com o outro e com a comunidade que está inserido.

     


  • Mostrar Abstract
  • This research has as its central study the creative process and the ritual scenic experiences built between the participants linked to the Grupo Maré de Artes – Programa Mais Cultura Nas Escolas, of the Escola Municipal Edinor Avelino – Macau/RN, where the researcher worked as a Theatre teacher, between the years 2014 and 2016. This creative process was instigated from educational paths that were experienced and that focus on the principles and ritualistic procedures of the scene and the game. From the experience with Bando La Trupe, developing public art experiences; through Arkhétypos Grupo de Teatro and the proposition of the art of the encounter; getting to Unaluna and the concepts/practices of the Mithodology in Art and Artetnography, the researcher points out the student-active as a subject of f(r)iction (LYRA, 2014), which rubs his real and fictional stories, strolling between the real and the imaginary, in a constant f(r)iction from him with himself, with each other and with the community he is inserted. 

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  • ALEXANDRE ARAÚJO DE OLIVEIRA
  • MAPEAMENTO SENTIMENTO-EMOCIONAL DA OBRA CINZAS AO SOLO: URDIDURAS DE UMA CRIAÇÃO EM DANÇA.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LAIS GUARALDO
  • LARA RODRIGUES MACHADO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 23/02/2017

  • Mostrar Resumo
  • O texto ora apresentado é resultado da pesquisa de cunho teórico-prático de dissertação de mestrado com título Mapeamento Sentimento-emocional da Obra Cinzas ao Solo: urdiduras de uma criação em dança. A partir da discussão recorrente da atuação das emoções e suas expressões no âmbito da dança cênica ocidental, sobretudo, na contemporaneidade, traz à tona conceitos advindos das ciências cognitivas sobre emoção, sentimento, e sentimentos emocionais, abordados por estudiosos como António Damásio (2011) e Paul Ekman (2011). Tem por objetivos apontar como o entendimento proposto por esses autores pode configurar a construção de obras de dança contemporânea e discutir possíveis ferramentas de recuperação de estados emocionais para a performance da obra investigada por meio de mapeamentos dos sentimentos de emoções. Esta pesquisa tem como metodologia a análise qualitativa e processual da criação do Cinzas ao Solo, obra solística apresentada pelo autor. O texto está disposto da seguinte maneira: um primeiro capítulo introdutório ao tema das emoções e sentimentos tratados nas artes da cena, mais especificamente na dança, com base nos olhares lançados às próprias emoções e sentimentos por pesquisadores das ciências da mente. Em seguida, é apresentado o objeto da pesquisa: A investigação no modo como as emoções e não somente suas expressões operaram em um processo de criação em dança. Logo, é exposto o caminho metodológico que percorremos ao longo do escrito para, só então, serem anunciados os conceitos de emoções e sentimentos de modo mais aprofundados e já operacionalizados no capítulo II. No último capítulo é descrito como o jogo das emoções se deu durante a criação da obra Cinzas ao Solo, o que compreende os momentos de Respiro, que são os instantes finais nos quais há as apresentações públicas da obra em estudo. Por fim, trazemos as considerações finais, tecidas junto a reflexão gerada pela totalidade da experiência da pesquisa artístico-acadêmico. Nosso desejo é que esse trajeto escrito possa contribuir para o laborar e refletir de outros artistas, uma vez que tentamos, durante todo o percurso investigativo, lançar luz sobre alguns dos aspectos que consideramos mais importantes na feitura da dança cênica: as emoções e os sentimentos. Pois, seguramente, quanto mais consciência do funcionamento desses mecanismos presentes no corpo, melhor podemos velejar nas paisagens infindáveis da criação.


  • Mostrar Abstract
  • The text presented here is the result of the theoretical-practical research of a master's thesis with the title Sentiment-Emotional Mapping of the Ashes to the Ground work: warps of a creation in dance. From the recurrent discussion of the performance of the emotions and their expressions in the Western scene, especially in contemporary times, it brings to light concepts derived from the cognitive sciences about emotion, feeling, and emotional feelings, addressed by scholars such as Antonio Damásio (2011) and Paul Ekman (2011). The purpose is to point out how the understanding proposed by these authors can configure the construction of contemporary dance works and discuss possible tools for the recovery of emotional states for the performance of the work investigated through mapping the feelings of emotions. This research has as methodology the qualitative and procedural analysis of the creation of Ashes to the Ground, a solo work presented by the author. The text is arranged as follows: a first introductory chapter to the theme of emotions and feelings treated in the arts of the scene, more specifically in dance, from the looks thrown to the own emotions and feelings by researchers of the sciences of the mind. Then the research object is presented: The investigation into the way the emotions and not only their expressions operated in a process of creation in dance. Therefore, the methodological path that we go through throughout the writing is exposed so that the concepts of emotions and feelings can be announced in a more detailed way already in operation in chapter II. In the last chapter it is described how the game of the emotions occurred during the creation of the Ashes to the Ground work, which comprises the moments of Respite, that are the final instants in which there are the public presentations of the work under study. Finally, we bring the final considerations, woven together with the reflection generated by the totality of the artistic-academic research experience. Our desire is that this written path can contribute to the work and reflection of other artists, since we try, during the entire investigative course, to shed light on some of the aspects that we consider most important in the making of the scenic dance: emotions and feelings. For surely, the more consciousness of the functioning of these mechanisms present in the body, the better we can sail in the endless landscapes of creation.

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  • DANIELA BENY POLITO MORAES
  • Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSÉ LUIZ LIGIÉRO COELHO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 23/02/2017

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  • A presente pesquisa de mestrado “Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica”, sob orientação da professora doutora Teodora de Araújo Alves visa compreender o trânsito da Dança de Iansã e dos seus elementos míticos entre o Candomblé, o Afoxé, o Laboratório e o Teatro, a fim de elaborar uma proposição metodológica para ampliação do repertório corporal de intérpretes-criadores/as. Por se tratar de um estudo que envolve subjetividade dos/as indivíduos/as relacionados/as a esta pesquisa, o mesmo se debruça sobre as bases da Fenomenologia proposta por Merleau-Ponty ao tratar da corporeidade como a forma de ser-estar no mundo. Para refletir sobre os campos da Performance que compõe esta investigação, busco dialogar com a Antropologia da Performance com base nos estudos de Richard Schechner e Victor Turner, a Antropologia Teatral proposta por Eugenio Barba e os estudos em Performances afro-ameríndias desenvolvido por Zeca Ligiéro. Esta investigação se desenvolveu junto ao Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), observando a saída-de-orixá da Ialorixá Nany Moreno – também coordenadora do Afoxé – e com os experimentos prático-criativos junto ao Coletivo Cores (Natal/RN).


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  • The present research of master "Iansan elements like possibility to scenic creation", under the guidance of Professor Teodora de Araújo Alves aims to understand the traffic Iansan dance and its mythical elements between Candomblé, Afoxé, the lab and the theatre, in order to elaborate a methodological proposal for expansion of the body of repertoire interpreters-creators. Because it is a study that involves subjectivity of individuals, the related to this research, the same looks at the basis of Phenomenology by Merleau-Ponty to treat the body as a way of being in the world. To reflect on the fields of Performance that makes up this investigation, seek dialogue with the anthropology of Performance based on studies of Richard Schechner and Victor Turner, the Theatrical Anthropology proposed by Eugenio Barba and the studies in afro-amerindians Performances developed by Zeca Ligiéro. This investigation developed by the Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), noting the saída-de-orixá of Ialorixá Nany Moreno – Coordinator of Afoxé – and practical-creative experiments by the Coletivo Cores (Natal/RN).

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  • ROCIO DEL CARMEN TISNADO VARGAS
  • O Sul Corpóreo: Práticas Teatrais Interculturais para a Descolonização do Imaginário

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 23/02/2017

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  • O sul corpóreo é uma metáfora que busca pensar as epistemologias do sul criadas por Boaventura de Sousa Santos como ponto de convergência com a prática teatral. Sendo a prática uma bússola nesta investigação, buscou-se encarnar essa metáfora a partir da criação de uma prática corporal que leva conceitos das epistemologias do sul à práxis e abraça a proposta de interculturalidade para dinamizar princípios da dança ritual da capoeira e da dança ritual da cosmovisão maia, duas filosofias do sul. Como poesia final da dissertação, criou-se o espetáculo Amareelos a partir do universo simbólico de Quetzalcoatl – Kukulkán, figura mítica mesoamericana. Representamos o caráter empírico como diretriz metodológica dessa investigação através de uma mandala, mostrando a dinâmica que envolve esse processo “ao sul” em suas contexturas teórico-práticas.


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  • The corporal south is a metaphor that seeks to think the epistemologies of the south as a point of convergence with the theatrical practice. Being the practice a compass in this investigation, it was sought to embody this metaphor from the creation of a corporal practice that takes concepts from the epistemologies of the south to the practice and embraces the proposal of  interculturality to dynamize principles of the ritual dance of the capoeira and the ritual dance of the Mayan worldview, two philosophies of the south. As final poetry of the dissertation, the spectacle Amareelos was created from the symbolic universe of Quetzalcoatl – Kukulkán, mythical Mesoamerican figure. We represent the empirical character as a methodological guideline of this investigation through a mandala, showing the dynamics that surrounds this process “to the south” in its theoretical-practical textures.

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  • KÁTIA CELYANE FARIAS SCHMITT
  • EXPERIÊNCIAS DE CRIAÇÃO CÊNICA COM ATRIZES E ATORES NA TELEVISÃO: O Programa Ciência Aberta da TV UFPB.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • WALMERI KELLEN RIBEIRO
  • Data: 08/03/2017

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  • Esta pesquisa busca analisar de que forma os processos colaborativos, amplamente difundidos nas práticas teatrais contemporâneas e em expansão no cinema brasileiro da última década, podem ser aplicados à produção em televisão. Desta forma, visa aprofundar os estudos sobre técnicas de preparação do ator e da atriz no contexto da ficção televisiva, linguagem popularmente difundida em nosso país, porém pouco estudada sob o prisma da atuação.  A investigação parte da experiência da autora na direção de teledramaturgia do programa Ciência Aberta, produzido pela TV UFPB, o qual aborda a relação entre o conhecimento científico e o saber popular utilizando-se da linguagem jornalística e da teledramaturgia, respectivamente, em uma estética que revela o processo de criação dos atores e atrizes a partir da metalinguagem. Propõe-se, então, um diálogo com estudos teóricos das áreas do cinema, do teatro e da televisão, lançando um olhar sobre as relações de fronteira e contaminação que se estabelecem entre elas, especificamente no tocante às técnicas de preparação de ator/atriz. Realiza-se ainda uma interlocução com entrevistas cedidas por atores, atrizes e diretoras de televisão, bem como com os relatos da experiência citada, em busca de um entendimento sobre as relações entre ator/atriz e câmera e seus desdobramentos na criação artística em televisão. A etapa prática da pesquisa consiste na realização de uma oficina realizada com atores, atrizes e estudantes do curso de Teatro da UFPB, resultando na construção do primeiro episódio da segunda temporada do programa Ciência Aberta, no qual se busca a radicalização do que já fora proposto na primeira temporada do programa: o aprofundamento e explicitação dos processos de criação do ator e da atriz, os modos de produção audiovisual, as metodologias e conceitos de suporte da criação. Norteiam este trabalho os autores Arlindo Machado, que explana o universo do audiovisual, Jackeline Nacache, que se concentra no ator/atriz de cinema, Constantin Stanislavski, cujos estudos sobre o ator/atriz são a base para diversas técnicas de atuação seja no teatro ou no cinema, e Walmeri Ribeiro, que aborda a relação de co-criação do ator/atriz no audiovisual. Pretende-se com esta pesquisa contribuir para a reflexão e discussão sobre a formação do ator e como as artes cênicas se integram aos modos de produção na televisão brasileira contemporânea, em particular, no âmbito da atuação para a câmera.


  • Mostrar Abstract
  • This research analyzes how the collaborative processes, widespread in contemporary theater practices and in expansion in Brazil's cinema of the last decade, can be applied to television production. Thus, aims to deepen the studies about the actor's creative process in the fiction for television context, this popularly known language, but still poorly studied under the actor´s point of view. This investigation parts from the author´s experience as director of  teledramaturgy at the Ciência Aberta show, produced by TV UFPB. This show approaches the relationship between scientific and popular knowledge using journalistic and teledramaturgic language respectively, in an aesthetic that reveals actor´s creative process through metalanguage. Therefore, it aims at the dialogue with the theoretical studies in the fields of cinema, theatre, and television, attempting to enlighten their frontiers of relation and contamination, specifically, in the actor's preparation technique.  This also performs an interlocution that attends interviews with television´s actors and directors as well as experiences reports to search an understanding about the relationship between actor\camera and its developments in television artistic creation. The practical stage of the research is to carrie out a workshop held with actors and students enrolled in theatre course of UFPB, resulting in the construction of the Ciência Aberta show's first episode of the second season,which seeks to radicalize what has been proposed in the first season of the show: the deepening and explanation of the creative process of the actor, modes of audiovisual production, methodologies and support concepts of creation. Guiding this work, the authors Arlindo Machado, who explains the world of the audiovisual, Jackeline Nacache, that focuses on the film actor Constantin Stanislavski, whose studies on the actor are the basis for various techniques of acting in the theater and cinema and Walmeri Ribeiro , addresses the co-creation relationship of the actor in the audiovisual. With this research, we intend to contribute to the reflection and discussion about actor´s formation and the production modes in Brazilian contemporary television, particularly in the context of acting for the camera.

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  • ARIANE DO NASCIMENTO MENDES
  • EXPERIÊNCIA ESTÉTICA E DRAMATURGIA EM DANÇA CONTEMPORÂNEA: um estudo de caso a partir das obras coreográficas “Ego” (2015), “ESCrito Absurdo” (2016) e “Nuance” (2016)

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 18/04/2017

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  • O objetivo desta pesquisa foi investigar a experiência estética em Dança Contemporânea a partir de obras construídas com movimentos não-representativos, considerando que sua dramaturgia prima por ser não-linear, e sua construção se dá através da materialidade do movimento e do corpo, pela sua investigação. Assim, discutimos sobre como acontecem as experiências estéticas a partir de entrevistas com apreciadores das obras coreográficas escolhidas para compor a pesquisa, além do referencial teórico sobre Dança Contemporânea e sua dramaturgia com autores como Laurence Louppe, Patrícia Leal, Rosa Hercoles, Paulo Caldas, Ana Carolina Mundim, entre outros. A pesquisa foi conduzida pela metodologia qualitativa, de caráter participante, e se caracteriza ainda em um estudo de caso, tendo como objeto norteador a dramaturgia e a experiência estética do espetáculo “Ego” (2015) do Grupo de Dança da UFRN, e do espetáculo “ESCrito Absurdo” (2016) dos criadores Vladimir Rodriguez (Colômbia) e Omar Carrum (México). Também buscamos informações com Diana Fontes, coordenadora geral do Encontro de Dança de Natal/RN, por ser um evento que lida diretamente com apresentações e, portanto, com experiências estéticas em Dança Contemporânea de diversas vertentes. Assim, fizemos recolhimento de material bibliográfico através das entrevistas realizadas com os artistas e apreciadores dos espetáculos supracitados. Além dos depoimentos recolhidos dos apreciadores do trabalho coreográfico “Nuance”, que foi construído para experimentar a construção de dramaturgia apenas com o movimento não-representativo e a possibilidade de uma obra coreográfica ser atividade de mediação de si mesma, bem como atividade de formação de público. A relevância da pesquisa se dá pela contribuição para as discussões sobre público e experiências estéticas em Dança Contemporânea, pois ainda há poucos estudos registrados no Brasil, e mais especificamente em Natal/RN sobre este tema.


  • Mostrar Abstract
  • The objective of this research was to investigate the aesthetic experience in Contemporary Dance from works built with non-representative movements, considering that its dramaturgy is nonlinear, and its construction takes place through the materiality of movement and body, through its investigation. Like this, we discussed about how happen the aesthetic experiences starting from interviews with connoisseurs of the choreographic works chosen to compose the research, beyond the theoretical reference about Contemporary Dance and its dramaturgy with authors like Laurence Louppe, Patrícia Leal, Rosa Hercoles, Paulo Caldas, Ana Carolina Mundim, among others. The research was conducted by the qualitative methodology, of participant character, and was characterized still in a case study, having as a guiding object the aesthetic experience of the spectacle “Ego” (2015) of the Grupo de Dança da UFRN, and of the spectacle “ESCrito Absurdo” (2016) of the creators Vladimir Rodriguez (Colombia) and Omar Carrum (Mexico). We also sought information with Diana Fontes, general coordinator of the Encontro de Dança de Natal/RN, as it is an event that deals directly with presentations and, therefore, with aesthetic experiences in Contemporary Dance from various perspectives. Like this, we collected bibliographical material in field research, produced through interviews with the artists and connoisseur of the two spectacles above mentioned. Beyond the testimonials collected from the connoisseur of the choreographic work “Nuance”, which was built for to experience the construction of dramaturgy with only the non-representative movement and the possibility of a choreographic work as an activity of mediation of itself, as well as to be activity of formation of public. The relevance of the research is given by the contribution to the discussions about audiences and aesthetic experience in Contemporary Dance, because still there are few studies registered in Brazil, and more specifically in Natal/RN about this subject.

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  • JOSÉ CLEBER BARBOSA DE LIMA
  • A VIDA EM TRÂSITO: LOUCURA E PROCESSOS CRIATIVOS 

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 24/07/2017

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  • Com a reforma psiquiátrica em todo o mundo, os profissionais da saúde começam a rever mudanças no contexto histórico da loucura.  Em um cenário de criticas, fundamenta-se uma nova ideia à loucura e a sua nova estrutura psicossocial a partir dos Centros de Atenção Psicossocial, os CAPS. Estes são espaços terapêuticos que visam à substituição progressiva dos manicômios. Com uma abordagem diferenciada ao assistido, os CAPS, se diferenciam dos hospitais psiquiátricos pela sua consonância psicossocial e de reinserção frente a sociedade. Os assistidos, nesses serviços de saúde mental, participam das inúmeras atividades artísticas e terapêuticas oferecidos pelos mais diversos profissionais. Tendo o assistido como protagonista do trabalho de reinserção social do CAPS, esta pesquisa acompanha e discute o processo criativo da performance Quebrando Muros, realizados com os assistidos do Centro de Atenção Psicossocial – CAPS III Caminhar, na cidade de João Pessoa, Paraíba. A partir do acompanhamento e das observações dos indivíduos na criação e nas apresentações são abordados qualitativamente os fenômenos decorrentes deste estudo de forma descritiva e indutiva, cujos procedimentos estão enraizados e em consonância com a performance e a  loucura, discutidas por Renato Cohen (2011), Jorge Glusberg (2009) e Michael Foucault (2014). Em nosso estudo, enfatizamos a pesquisa qualitativa, porque esta é uma ferramenta de bastante relevância para o processo social dos assistidos no CAPS III – Caminhar. Buscando visualizar o contexto em que estes estão inseridos, e a partir daí, teremos uma maior integração desse objeto de estudo que implique melhor compreensão do fenômeno.


  • Mostrar Abstract
  • With psychiatric reform around the world, the madness begins to review changes in its historical context. In a critical scenario is based on a new idea madness and its new psychosocial structure from CAPS. Psychosocial Care Centers, CAPS, are therapeutic spaces aimed at the progressive substitution of asylums. With a differentiated approach to assisted CAPS, differ from psychiatric hospitals for their psychosocial line and reintegration against society. The survey monitors and discusses the creative process of Breaking Walls performance, conducted with beneficiaries of the Center for Psychosocial Care - CAPS III Walk in the city of João Pessoa. From the monitoring and observations of assisted in the creation and presentations are qualitatively addressed the phenomena arising from this study descriptive and inductively, whose procedures are rooted and in line with the performance and madness, discussed by Renato Cohen (2011) Jorge Glusberg (2009) and Michel Foucault (2014). In our study, we emphasize the qualitative research, because this is a tool very important to the social process of assisted in CAPS III - Walk. Seeking view the context in which they are inserted, and from there we will have a greater integration of this object of study involving better understanding of the phenomenon.

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  • SURAMA SULAMITA RODRIGUES DE LEMOS
  • Título: UPCYCLING COMO PERSPECTIVA CRIATIVA NO TRAJE DE CENA DO CRUOR ARTE CONTEMPORÂNEA

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • FAUSTO ROBERTO POÇO VIANA
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • NARA GRACA SALLES
  • Data: 28/07/2017

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  • RESUMO: Esta pesquisa trafega sobre uma investigação a respeito do processo de criação que é desenvolvido junto aos figurinos das produções cênicas da coligação Cruor Arte Contemporânea. Para tanto dialoga com o conceito de Upcycling cunhado por Alison Gwilt, cuja técnica vem sendo adotada como uma perspectiva criativa no que se refere sobretudo à moda e que aplico à construção de figurinos, trazendo como principais referências estéticas norteadoras o diálogo entre a vida e obra da artista plástica mexicana Frida Kahlo, do cineasta espanhol Pedro Almodóvar, do múltiplo artista francês Antonin Artaud e do artista brasileiro Artur Bispo do Rosário investigando como essas referências dialogam com a moda e com a construção de trajes para a cena. Por se tratar de um estudo que envolve a minha própria prática enquanto artista-figurinista, trago como aporte metodológico a pesquisa-ação sobretudo a partir de David Tripp enfatizando a questão da interação entre o sujeito e seu objeto de pesquisa, tendo em vista essa relação, diante desta minha ação enquanto artista-pesquisadora e adotando como método o diário de pesquisas, além do registro fotográfico e vídeo, e técnicas típicas da área de moda e da criação de figurinos como a moulage e o croqui. Inicio com uma introdução sobre a minha aproximação com o meu objeto de estudo atrelado ao diálogo entre moda e figurino sob as perspectivas de Fayga Ostrower, Adriana Leite e Lisette Guerra, além de Stanislavski e Lipovetsky. Em seguida é apresentado o objeto da pesquisa que se desenvolve na coligação intitulada Cruor Arte Contemporânea apresentando o caminho metodológico que foi percorrido. Por último descrevo as questões voltadas ao âmbito do processo de criação dos figurinos junto ao Laboratório de Criação, Execução e Manutenção de Trajes para a Cena e a abordagem do conceito de Upcycling como prática criativa e metodológica na prática do figurinista.


  • Mostrar Abstract
  • This research deals with an investigation about the creation process in developing scenic costumes in the Cruor Arte Contemporânea—a contemporary art coalition in Natal, RN, Brazil. In order to do so, this study dialogues with the Alison Gwilt’s concept of Upcycling, whose technique has been adopted as a creative perspective mainly to fashion, and that I apply when developing costumes, having as main aesthetic reference guiding the crossing between life and work of the Mexican plastic artist Frida Kahlo, the Spanish filmmaker Pedro Almodóvar, the French artist Antonin Artaud and the Brazilian artist Artur Bispo do Rosario investigating how these references dialogue with fashion and the construction of costumes for scenes. Being a study that involves my own practice as an artist-costume designer, I bring action research as the methodological base, especially from David Tripp, focusing on the interaction between the subject and his research object, in view of this relationship, considering my action as an artist-researcher and adopting as methods the research journal, photographic and video recording, and typical techniques of the fashion area and the creation of costumes such as moulage and sketch. This study starts with an introduction on my approach with my object of study linked to the dialogue between fashion and costumes under the perspectives of Fayga Ostrower, Adriana Leite and Lisette Guerra, in addition to Stanislavski and Lipovetsky. Following comes the research object that is developed in the coalition entitled Cruor Arte Contemporânea presenting the methodological paths that were taken. Finally, the issues related to the scope of the costume creation process in the Laboratory of Creation, Execution and Maintenance of Costumes for the Scene are described, as well as the Upcycling concept as a creative and methodological practice in the costume designer's practice.

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  • Everson Oliveira da Cruz
  • O que os olhos não veem: o não visível como forma de apreciação teatral

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ARÃO NOGUEIRA PARANAGUÁ DE SANTANA
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 28/07/2017

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  • O presente trabalho aborda o espetáculo teatral “O que os olhos não veem”, que amparado pelo universo da cegueira, tem como prerrogativa de apreciação a cena não visível e propõe uma discussão no campo da recepção teatral, sobre o olhar do espectador no contexto de uma proposta amparada pela não vidência. A pesquisa objetiva investigar como a característica não visível da referida proposta cênica possibilita a percepção do espectador emergida da relação corpo-espaço; e compreender como a possibilidade da não visibilidade da cena potencializa a capacidade de apreciação do espectador. Para tanto são colocadas as seguintes questões: é possível a apreciação de um espetáculo teatral sem o agenciamento da visão? De que forma o corpo assiste um espetáculo teatral que dispensa o recurso da visão? Como se dá o olhar a partir de uma experiência em que a não vidência é prerrogativa da apreciação? O lócus da pesquisa é o projeto de extensão “O que os olhos não veem o coração (não) sente”, vinculado ao Centro de Educação e Departamento de Práticas Educacionais e Currículos da Universidade Federal do Rio Grande do Norte. A pesquisa centra-se no campo da recepção teatral e tem a fenomenologia como aporte metodológico para compreender a experiência de apreciação do espectador interditado da visão ocular. Os relatos dos espectadores são gravados, transcritos e organizados em três temas de discussão: o espaço da cena e o espaço do corpo; a reversibilidade dos sentidos na cena; e a emancipação do olhar. O texto é conduzido pelo pensamento de Maurice Merleau-Ponty, e seus interlocutores, traçando redes de comunicação com os estudos de Flávio Desgranges,  no campo brasileiro da recepção teatral, e Jacques Rancière, no que tange a emancipação do olhar do espectador. A experiência teatral no contexto da discussão compreende o espectador como coautor da cena. A interdição da visão ocular faz esfumar os corpos no espaço cênico e configura um labirinto de caminhos a serem desbravados pelo espectador, que diante da não vidência percebe outros modos de apreciar a cena, reorganizando sua experiência para ver de corpo inteiro, tal qual Argos Panoptes. Esta situação permite desvelar uma emancipação do olhar no âmbito da cena teatral.


  • Mostrar Abstract
  • The present work deals with the theatrical spectacle "O que os olhos não veem", that supported by the universe of blindness, has the non-visible scene as prerogative of appreciation and proposes a discussion in the field of theatrical reception, on the view of the spectator in the context of a proposal supported by non-vision. The research aims to investigate how the non-visible characteristic of said scenic proposal allows the viewer's perception emerged from the body-space relationship; and to understand how the possibility of non-visibility of the scene enhances the capacity of appreciation of the spectator. Thereunto the following questions are posed: is it possible to appreciate a theatrical spectacle without the agency of vision? How does the body watch a theatrical spectacle that dispenses the resort of sight? How does one look from an experience in which the non-vision is a prerogative of appreciation? The locus of the research is the extension project "O que os olhos não veem o coração (não) sente", linked to the Education Center and Department of Educational Practices and Curricula of the Federal University of Rio Grande do Norte. The research focuses on the field of theatrical reception and has the phenomenology as a methodological contribution to understand the experience of appreciation of the viewer interdicted of the ocular vision. The accounts of the spectators are recorded, transcribed and organized into three topics of discussion: the space of the scene and the space of the body; the reversibility of the senses in the scene; and the emancipation of the look. The text is driven by the thoughts of Maurice Merleau-Ponty, and its interlocutors, drawing networks of communication with the studies of Flávio Desgranges, in the brazilian field of theatrical reception, and Jacques Rancière, regarding the emancipation of the spectator’s look. The theatrical experience in the context of the discussion understands the spectator as coauthor of the scene. The interdiction of the ocular vision makes the bodies smoke in the scenic space and forms a labyrinth of paths to be explored by the spectator, who in light of the non-vision perceives other ways of appreciating the scene, reorganizing their experience to see with the entire body, such as Argos Panoptes. This situation permits to unveil an emancipation of the look within the theatrical scene.

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  • ILANA SUELY DOS SANTOS
  • Título: memórias dos corpos e lugares sob o olhar da dança dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • JONAS DE LIMA SALES
  • Data: 31/07/2017

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa busca investigar as memórias dos corpos entrelaçados aos lugares de memórias vividos pelos brincantes dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra- Natal/RN.  Para o desenvolvimento e compreensão da pesquisa, apoiamo-nos na Fenomenologia de Merleau-Ponty, que é capaz de desvelar o tema, ou seja, mostrar aquilo que se mostra e não aquilo que parece ser e, para isso, consideramos o olhar fenomenológico de brincantes da Vila, com ênfase no Grupo Congos de Calçolas que, ao incorporarem, construírem e reconstruírem seus corpos e ações cotidianas, lutam pelo reconhecimento e reafirmação da sua cultura. Transitamos na Vila a partir da experiência enquanto pesquisadora sobre o fenômeno desde a Graduação em Dança, e visitamos lugares de memória que, configuram-se como sendo o resultado das construções dos grupos sociais que determinam o que é memorável e os lugares onde essa memória torna-se preservada.


  • Mostrar Abstract
  • This research seeks to investigate the memories of the bodies intertwined with the places of memories lived by the players of Ponta Negra - Natal / RN. For the development and understanding of the research, we rely on Merleau-Ponty's Phenomenology, which is capable of revealing the theme, that is, showing what is shown and not what it seems to be, and for this we consider the phenomenological With emphasis on the Congos de Calçolas Group, which, by incorporating, constructing and rebuilding their bodies and daily actions, strive for the recognition and reaffirmation of their culture. We traveled in the Village from the experience as a researcher on the phenomenon since Graduation in Dance, and visited places of memory that, are configured as the result of the constructions of social groups that determine What is memorable and the places where this memory becomes preserved.

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  • CAMILA BARBOSA TIAGO
  • Reflexões sobre possibilidades pedagógicas em iluminação cênica

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EDUARDO TUDELLA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MELISSA DOS SANTOS LOPES
  • Data: 31/07/2017

  • Mostrar Resumo
  • Esta pesquisa pretende refletir o processo de ensino/aprendizagem em Iluminação Cênica. Diante da amplitude curricular que o campo da iluminação oferece, busca-se refletir sobre quais conteúdos sejam relevantes para a formação do atuante em Teatro a fim de que esteja familiarizado com essa área específica, sobretudo para que perceba e esteja consciente da iluminação como elemento de composição da sua prática artística. Elaborar uma proposta pedagógica desta relação é o objeto de pesquisa desta dissertação. Para promovê-la, parte-se da tomada de consciência da autora sobre sua trajetória de aprendizagem em iluminação dentro do curso de graduação em Teatro da Universidade Federal de Uberlândia (UFU). Posteriormente, a autora reconhece a forma intuitiva com a qual desenvolveu os trabalhos como diretora de iluminação, junto ao mesmo curso dentro de algumas disciplinas da grade curricular, e, então, reflete sobre sua prática e constitui ações potencialmente capazes de colaborar com o processo de formação dos discentes do curso de Teatro da referida Universidade. Para tanto, busca-se o pensamento de construção do conhecimento instituído por Paulo Freire, que considera que o sujeito está em constante diálogo para a construção de seu conhecimento, tornando-se autônomo no processo de aprendizagem, e que, ainda, propõe a experiência como atitude pedagógica para o desenvolvimento de uma prática crítica/reflexiva. Assim, pretende-se pensar sobre uma proposta pedagógica que dialogue a partir da percepção da iluminação pelo sujeito para que ele possa fazê-la necessária durante a composição do seu próprio trabalho.


  • Mostrar Abstract
  • This research intends to reflect on the teaching / learning process in Scenic Lighting. In view of the breadth of curriculum offered by the subject of illumination, it is sought to reflect on which contents are relevant to a theater actor in order to familiarize oneself with this specific area, especially in order to perceive and take into account lighting as an element of Composition of your artistic practice. To elaborate a pedagogical proposal of this relation is the object of research of this dissertation. To begin with it, the author evaluates her process of learning in lighting within the undergraduate course in Theater of the Federal University of Uberlândia (UFU). The intuitive form with which she developed the work as director of lighting within the University is subsequently considered in this analysis and causes the author to reflect her practice and to constitute actions potentially capable of collaborating with the process of formation of Theater students of that University. In order to do so, the research is based on a construction of knowledge thought by Paulo Freire, which considers that the subject is in constant dialogue to elaborate his knowledge that either develops its own autonomy during the process as considers the pedagogical experience capable of resulting in a critical / reflexive practice. Therefore, the pedagogical proposal to be constructed in this work will start from the perception that the subject makes about light so that he is able to make it necessary during the composition of his own work.

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  • ABRAÃO LINCOLN ROSENDO FRAZÃO
  • Formação do Sujeito Espectador: Uma Experiência com o Projeto Encontro com o Artista/IFRN-Campus Macau

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • RUMMENIGGE MEDEIROS DE ARAÚJO
  • Data: 31/08/2017

  • Mostrar Resumo
  • A pesquisa considerou o espaço escolar como mundo vivido dos fazeres artísticos relacionados a arte do teatro a partir da apreciação artística do Projeto “Encontro com o Artista”, em especial no IFRN Campus Macau. O objetivo dessa pesquisa dissertativa foi compreender e refletir sobre o processo de ensino de teatro a partir da apreciação de espetáculos teatrais por meio do Programa “Encontro com o Artista”, realizado no Instituto Federal do Rio Grande do Norte – IFRN, Campus Macau, entre os anos 2015 e 2016, para as turmas da 2ª série do Ensino Médio que frequentam o componente curricular Arte/teatro.  A partir do objetivo proposto questionou-se: Como os alunos do Ensino Médio podem aprender sobre teatro por meio da apreciação de espetáculos teatrais? Como esses discentes podem compreender a linguagem teatral por meio de debates e processos de mediação? Como ampliar o acesso à arte do teatro dentro da escola e a reflexão crítica para a construção de um sujeito espectador? O aporte metodológico baseou-se na pesquisa Qualitativa tendo como abordagem a Ação-Participante. Ao adotar tal abordagem metodológica considerou-se a inserção do pesquisador no meio pesquisado, a participação efetiva da população pesquisada na pesquisa, a transformação da realidade. A pesquisa apoiou-se ainda nos estudos e reflexões de Barbosa (1991) em especial na sua Abordagem Triangular, de Desgranges (2010) quando discute a Pedagogia do Espectador, de Pavis (2003) ao analisar o espetáculo, de Freire (1996) quando considera a educação como autonomia e de Araújo (2012) e suas inter-relações entre tecnologia, espectador e cena. Considerou-se que essa experiência artístico-pedagógica denominada Encontro com artista, apresentou um caráter de extrema importância no que diz respeito ao campo do ensino da arte desenvolvido no Instituto Federal Campus Macau.


  • Mostrar Abstract
  • The research considered the school space as a lived experience of artistic activities related to the art of theater based on the artistic appreciation of the Project "Encounter with the Artist", especially at IFRN Campus Macau. The purpose of this dissertative research was to understand and reflect on the process of theater teaching through the appreciation of theatrical performances through the "Meeting with the Artist" Program, held at the Federal Institute of Rio Grande do Norte - IFRN, Macao Campus. The years 2015 and 2016, for the classes of the second grade of High School that attend the curricular component Arte / teatro.
    From the proposed objective, the question was asked: How can high school students learn about theater through the appreciation of theatrical performances? How can these students understand the theatrical language through debates and mediation processes? How to increase access to the art of theater within the school and the critical reflection for the construction of a spectator subject? The methodological contribution was based on the Qualitative research taking as an approach the Participant-Action. In adopting such a methodological approach, the insertion of the researcher in the researched environment was considered, the effective participation of the population researched in the research, and the transformation of reality. The research was also based on the studies and reflections of Barbosa (1991), especially in his Triangular Approach, by Desgranges (2010) when he discusses Pedagogy of the Spectator, by Pavis (2003) when analyzing the spectacle, by Freire (1996) when Considers education as autonomy and de Araújo (2012) and its interrelations between technology, spectator and scene. It was considered that this artistic-pedagogical experience called Meeting with artist, presented a character of extreme importance in what concerns the field of art education developed at the Federal Campus Macau Institute

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  • LUCIANO INÁCIO DA SILVA SALES
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     QUANTO  MAIS  REGIONAL,  MAIS  UNIVERSAL EU SOU – O cordel de Antônio Francisco como matriz criativa para a construção da cena

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LARISSA DE OLIVEIRA NEVES CATALÃO
  • Data: 30/11/2017

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  • Este trabalho é resultado de uma pesquisa interventiva desenvolvida no programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas/UFRN, e tem caráter qualitativo.  Apresenta uma possibilidade de proposta dramatúrgica para pesquisadores interessados em trabalhar com textos não teatrais, neste caso, a literatura de cordel, utilizada como matriz criativa para a construção da cena teatral.  A fonte da presente pesquisa é a poesia popular do cordelista e historiador mossoroense Antônio Francisco, explorada durante o processo de adaptação de folhetos de cordéis em peças de teatro. Nossa tentativa de contribuição aqui talvez se encontre nos diálogos processuais, nos detalhes relatados, nas experiências comprovadas pelas apresentações públicas da adaptação da peça e nos  resultados que surgem e se renovam ao longo delas. Entendemos que cada processo criativo possui sua própria singularidade. Os instrumentos e estratégias são semelhantes, mas não idênticos. Como objeto de investigação, nos basearemos na montagem dos espetáculos ‘Dois Cabras Num Cordel Só’, 2010, e ‘Oscabra’, 2017, feitas pela Ciamargem de Teatro, de Natal, nas quais utilizamos os cordéis do livro do poeta Antônio Francisco: ‘Dez Cordéis Num Cordel Só’, 2002.


  • Mostrar Abstract
  • This work is the result of an interventional research by the Graduate Program of Performing Arts / UFRN. It has a qualitative nature. It presents a possibility of a dramaturgical proposal for researchers interested in working with non-theatrical texts. More specifically, cordel literature, used as a creative matrix for the construction of the theatrical scene. The source of this research is the popular poetry of the cordel writer and historian Antônio Francisco from the city of Mossoro. It was explored during the process of adapting cordel leaflets in plays. Our attempt to contribute here may be found in the procedural dialogues, in the details reported, in the experiences acquired through the public presentations with the adapted of the play, as well as in the results and renewing that we arrived throughout the process and conclusions of the presentations. We understand that each creative process has its own individuality. The tools and strategies are similar, but not identical. As an object of practical investigation, we will base ourselves on the assembly of the plays ‘Dois Cabras em um Cordel Só ', 2010, and 'Oscabra ', 2017, made by Cia margem de Teatro, in which we use the Cordel from the book written by the poet Antonio Francisco: ‘Ten Cordéis In a Cordel Só ', 2002.
2016
Dissertações
1
  • ANDRÉ MANUEL DE OLIVEIRA SALVADOR
  • FENDA – Zonas de Negociação Temporárias: As fricções entre Inscrição e Não – Inscrição que caracterizam um sujeito português no Teatro de Metamorfoses Imperial

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • ANTONIO WELLINGTON DE OLIVEIRA JUNIOR
  • Data: 16/02/2016

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  • O objetivo desta dissertação foi estabelecer um diálogo entre arte e política, a partir dos estudos da performance (COHEN, 1989), (FÉRAL, 2014), (SCHECHNER, 2007), (ZUMTHOR, 2007), (PHELAN, 1992). Tomando como hipótese que as fricções entre inscrição (GIL, 2004, 2009, 2014) e não-inscrição que caracterizam o sujeito português construíram o meu percurso artístico no teatro de metamorfoses imperiais (SLOTERDIJK, 2002). Ou seja, onde o meu corpo surge como espaço de inscrição construiu-se um jogo para uma performance de metamorfoses. Para tal, desenvolvi textos autobiográficos que traduzem as metamorfoses vividas tanto em Portugal como Brasil. Incidindo sobretudo no período em que Portugal aderiu à Zona Euro e às manifestações ocorridas no Brasil desde a minha chegada. A partir da literatura consultada este contexto de crise foi nomeado como teatro da metamorfoses imperais criando o con(texto) para a performance FENDA – Zonas de Negociação Temporárias (2016), que se traduz em dois processos de criação que desenvolvi ao longo da pesquisa e nas experiências artísticas, culturais e sociais que vivi em solo brasileiro. O professor Bhabha, entre outros, ajudou-me, antropologicamente, a pensar em modos de organização do espaço nos países colonizados e nos países colonizadores. No jogo que criei na performance, busquei, então, mecanismos para a negociar a diferença (BHABHA, 2000), e criar as relações de alteridade e o saber que pretendo politizar.


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  • The purpose of this dissertation was to establish a dialog between art and politics, through performance studies (COHEN, 1989), (FÉRAL, 2014), (SCHECHNER, 2007), (ZUMTHOR, 2007), (PHELAN, 1992). Assuming as a hypothesis that the frictions between inscription (GIL, 2004, 2009, 2014) and non-inscription that characterize the Portuguese individual make my artistic course in the theatre of imperial metamorphosis (SLOTERDIJK, 2002). Meaning, where my body emerges as a space of inscription it was built a set for a performance of metamorphosis. For such, I’ve developed autobiographical texts that translate the metamorphosis lived both in Portugal as in Brazil. Focusing mostly in the period of Portugal’s adhesion to the Euro Zone and the manifestations occurred in Brazil during my stay. Through consulted literature, this context of crisis was designated as theatre of imperial metamorphosis creating a con(text) for the performance FENDA – Zonas de Negociação Temporárias, that translates in two processes of creation that I’ve developed throughout the research and in the artistic, social and cultural experiences that I lived in Brazilian soil. Professor Bhabha, amongst others, helped me anthropologically to think in modes of space organization in colonized and colonizing countries. Therefore in the performative game I have created, I sought mechanisms to negotiate the difference (BHABHA, 2000) and create the relations of alterity and the knowledge I intend to politicize.

2
  • RAFAEL LEITE FREIRE
  • O CORPO ALIENÍGENA NO ENTRE-LUGAR MÍDIAS E ARTES: UMA ANÁLISE DAS PERSONAGENS DE JORNADA NAS ESTRELAS

  • Orientador : ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • JOÃO DE LIMA GOMES
  • Data: 28/03/2016

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  • Este trabalho tem como objetivo geral compreender as continuidades e descontinuidades históricas na representação dos corpos monstruosos/alienígenas no diálogo entre a linguagem televisiva, teatral e cinematográfica. Procuro, assim, o entre-lugar que o corpo transversaliza nos espaços acerca dessas linguagens com base no seriado Jornada nas Estrelas dos anos 1960, no projeto de teatro de rua “Trek in The Park” (2009-2013), e no filme homônimo ao seriado (2009). Nesses três objetos artísticos-midiáticos se verificou uma mudança na percepção ao corpo monstruoso. No decorrer da história, esse corpo foi visto em produções artísticas variadas, como a representação do feio, e produtor dos sentidos de medo, constrangimento e riso. No corpus de análise pressuponho uma mudança ao olhar esses corpos na contemporaneidade, por se tratar de um período no qual se assiste a um maior protagonismo de minorias, a exemplo de gays, negros e mulheres, e ainda maior visibilidade do corpo monstruoso - agora gerador de identificação positiva - nos âmbitos da performance e da cena em geral. Portanto, os objetivos específicos são: percorrer historicamente as concepções de corpo monstruoso, relacionar as concepções de corpo na contemporaneidade, analisar a produção de sentidos e o investimento político nos corpos alienígenas. Para tanto, o trajeto teórico-metodológico se constitui por meio do movimento intericônico proposto por Courtine (2013), o qual se refere a imagens que estão ligadas à memória interna (lembranças) e externa (diversas imagens visualizadas). Tal como ao conceito de Dispositivo, de Foucault (1979), entendido como a rede que interliga discursos, instituições, proposições filosóficas ou morais, enunciados científicos, etc. Assim como o conceito ampliado e atualizado por Agamben (2009). Analiso, pois, dois episódios de Jornada nas Estrelas encenados também pela companhia Teatral “Trek in the Park: Tempo de Loucura” e “A Caminho para Babel”, procurando de forma aprofundada debater a respeito do corpo dos Vulcanos e seu gestual. Por fim, concluo o personagem Spock como controverso e com ares de anti-herói.


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  • This study aims to understand the continuities and discontinuities in the historical representation of the monstrous / alien bodies in the dialogue among the television, theatrical and cinematic language, seeking thus the between-place distance that goes along the body in a transversal direction in the spaces between these languages based on the Star Trek television series of the 1960s, the street theater project "Trek In The Park" (2009-2013), and the eponymous to the show, the film of (2009). These three artistic-media objects have been a change in the perception of the monstrous body. Down through history, this body was seen in various artistic productions as representing the ugly and producer of fear of felt, embarrassment and laughter. The analysis corpus presupposes a change to look at these bodies in contemporary times, because it is a period in which we are witnessing a major role of minorities, such as gays, blacks and women, and greater visibility of the monstrous body - now a generator of positive identification - in the areas of performance and the overall scene. Therefore, the specific objectives are: to go historically through the monstrous body of conceptions, to relate the concepts of body in contemporary times, and to analyze the production of senses and political investment in alien bodies. Thus, the theoretical and methodological path is constituted through intericonic movement proposed by Courtine (2013), which refers to images that are linked to the internal memory (memories) and external (various images viewed). As the concept of device, of Foucault (1979), understood as the network that interconnects speeches, institutions, philosophical or moral propositions, scientific statements, etc. As well as the expanded and updated concept by Agamben (2009). Thus, I analyze, two episodes of Star Trek also staged by the Theatre Company "Trek in the Park: Amok Time" and "Journey to Babel", looking in depth to debate about the body of Vulcan and his gestual. Finally, I conclude the character Spock as controversial and with anti-hero characteristics.

3
  • ALDAIR RODRIGUES DA SILVA
  • O objeto faltoso em Moema de Nelson Rodrigues: do personagem ao processo criativo

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • DENISE PEREIRA DO REGO
  • ANTONIA PEREIRA BEZERRA
  • Data: 28/03/2016

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  • Este trabalho tem por objetivo dialogar com alguns conceitos da psicanálise e a relação com o “objeto faltoso”, sobretudo, em Jacques Lacan (1995), bem como refletir sobre o discurso amoroso de Roland Barthes (2003) na peça Senhora dos Afogados (2004) de Nelson Rodrigues. Para tanto, privilegia-se a personagem Moema e suas ações como elo de nossa proposta teórico-prática. Pretende-se, através da pesquisa, explorar a ideia brookiana de “espaço vazio” (BROOK, 2011) para a criação cênica e contemplar o conceito de “falta” lacaniana com a teatralidade rodrigueana. Entendemos as ações da protagonista da peça sob duas vertentes, a saber; a do sujeito amoroso enquanto preenchimento das angústias do objeto faltoso; e, a do processo criativo enquanto proposta cênica. A investigação leva em consideração, também, o estudo das pulsões, segundo Freud (1972), em relação à linha de atuação da personagem, bem como conceitos de apropriação (BEIGUI, 2006), alteridade (BEZERRA, 2007), memória (BEZERRA, 2007; IZQUIERDO, 2010) e autobiografia (BEZERRA, 2007; MONTEIRO, 2011).

     


  • Mostrar Abstract
  • This work aims to discuss some psychoanalyze concepts and their relationship with “absent object”, mainly Jacques Lacan (1995), as well as, reflect about Roland Barthes  (2003) romance discuss related to the piece Senhora dos Afogados written by Nelson Rodrigues (2004). In this sense, it focus on the character Moema and her actions as a link to the theoretical-practical propose. This research intends to explore the Brook (2011) idea of “empty space” to the scenic creation and concerns about the Lacan (1995) conception of “lack” related to the Nelson Rodrigues theatrical writings.  It comprehend the actions of this main character in two stands: the loving subject while anguish filling of the absent object; and, the creative process while a scenic propose. This investigation consider the drive study, according to Freud (1972), related to the actuation way of the character, as well as concepts of appropriation (BEIGUI, 2006), alterity (BEZERRA, 2007), memory (BEZERRA, 2007; IZQUIERDO, 2010) and autobiography (BEZERRA, 2007; MONTEIRO, 2011).

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  • JUAREZ ZACARIAS NETO
  • O ARTÍSTA-DOCENTE: A LENTIDÃO COMO ESCOLHA PROCESSUAL EM DANÇA

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • MEMBROS DA BANCA :
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • ANA CAROLINA DA ROCHA MUNDIM
  • Data: 05/04/2016

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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal investigar a lentidão como metodologia de conhecimento do corpo e como potência criativa para a dança. Compreende a lentidão como potência qualitativa, proporcionando reflexões acerca do corpo na dança. O processo de aceleração dos corpos na contemporaneidade abriu espaços potentes de investigação nesta pesquisa, como: refletir acerca do processo de desaceleração do corpo que dança, culminando em uma reflexão sobre a pausa na dança; investigar como se dá através do sabor da lentidão o processo de entendimento qualitativo do movimento dançado, no seu fazer artístico-criativo e pedagógico; propor a dança como potência, proporcionando o entendimento da mesma como área de conhecimento e de ampliação da consciência por meio das experiências vividas.

                    Os relatos da infância, do início da trajetória artística, da aplicação prática da pesquisa realizada na Escola de Dança do Teatro Alberto Maranhão, do projeto cênico Amiúde (2015) e do fazer artístico-docente, proporcionaram uma reflexão acerca das potencialidades da dança, propondo a lentidão como linguagem em dança que se constrói aos poucos e profundamente, gerando um aumento na consciência de si e do mundo.

                    A lentidão atua nesta pesquisa como objetivo de investigação principal e como metodologia de uma linguagem em dança. O estudo da Eukinética labaniana, da “dança pelos sentidos: composição coreográfica” e da “improvisação pelos sentidos” de Leal (2012) nos fez perceber que os estudos das qualidades expressivas do movimento dançado e o estudo de propostas metodológicas em dança contemporânea, baseada nos sentidos, culminaram no entendimento do movimento, da pausa e da dança como potências qualitativas que ampliam a consciência do corpo, entendendo-o em sua totalidade.  

     


  • Mostrar Abstract
  • The present research aims firstly at investigating slowness as a means of understanding the body as creative power for dance. It comprises slowness as qualitative power, providing reflections on the dancing body. The process of body acceleration of contemporaneity has opened powerful investigating fields in this research, such as the reflection about the deceleration process of the dancing body, culminating in a reflection on pauses in dance, the investigation of how the process of understanding the qualitative aspect of the danced movement occurs within the flavor of slowness, in its artistic-creative and pedagogical practice, the proposition of dance as a power, providing its understanding as a knowledge field and of increased awareness by means of lived experiences. Memories from childhood, from the beginning of the artistic career, from the practical use of the research carried out at the Theater Alberto Maranhão Dance School, from the scenic design Amiúde (2015) and from the practice as an artist and teacher, all these have made reflection possible on dance potential, proposing slowness as dance language gradually and deeply built, causing wider self and world awareness. Slowness in this research is the objective of the main investigation and the methodology of a dance language. The study of Eukinétic of Laban, "Dance by the senses: choreographic composition" and "improvisation by the senses" of Leal (2012) let us realize that the studies on the expressive qualities of the danced movement and the study of methodological proposals in contemporary dance, based on the senses, have culminated in the understanding of movement, pause and dance as qualitative power which amplifies body consciousness, understanding it entirely.

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  • ERICKALINE BEZERRA DE LIMA
  • Arquivos censurados de Nelson Rodrigues: uma leitura crítica nas redes da criação 

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LAIS GUARALDO
  • ELAINE DA GRAÇA DE PAULA CARAMELLA
  • Data: 22/04/2016

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  • Nelson Falcão Rodrigues (1912-1980) autor que introduziu a modernidade cênica no Brasil, também se tornou conhecido por retratar, em suas obras, um mundo obscuro tomado por personagens obsessivos e perturbados, tais características foram decisivas para que a censura do Rio de Janeiro e São Paulo o acompanhassem em toda sua trajetória artística. Nesta dissertação, trazemos à luz processos da censura paulistana, das décadas de 40 a 60, referente à três obras teatrais: Senhora dos Afogados, Perdoa-me por me traíres e Boca de Ouro; os quais foram disponibilizados pelo Arquivo Miroel Silveira – AMS da Escola de Comunicação e artes-ECA da Universidade de São Paulo- USP. Através da abordagem denominada Crítica de Processo (SALLES, 2008a), enquanto extensão da Crítica Genética, problematizamos alguns fatores que atravessaram o processo criativo das obras teatrais do dramaturgo. Para tal explanação, fomos guiados pelo conceito de Redes da Criação, do qual foi possível propor a construção de uma rede da criação rodriguiana, que em nossa leitura abarca: o termo filosófico deformação (DIDI-HUBERMAN, 2010); a autocrítica; e a Censura. Propomos uma leitura das 17 peças teatrais do dramaturgo e, em particular dos arquivos em censura, uma vez que indicam um momento específico da construção da obra por conterem originais que foram afastados do alcance do autor. No confronto Documentos de processo versus obra publicada foram mapeadas diversas modificações. Construímos, portanto, essa complexa rede, delimitada pela nossa leitura crítica, porém, capaz de nos aproximar ainda mais do dramaturgo que marcou uma época e continua na contemporaneidade a nos inquietar com seu Teatro desagradável.


  • Mostrar Abstract
  • Nelson Rodrigues (1912-1980) author who introduced the scenic modernity in Brazil, also became known for portraying in his works, an obscure world taken by obsessive and disturbed characters, such characteristics were decisive for the censorship of Rio de Janeiro and Sao Paulo accompany him throughout his artistic career. In this thesis, we bring to light cases of censorship São Paulo, of the 40 to 60, referring to the three theatrical works: Lady of the Drowned, Forgive me for me and betray Golden Mouth; which were provided by Miroel Silveira Archive - AMS School of Communication and Arts ECA-University of São Paulo USP. Through the process called Critical approach (SALLES, 2008a), as an extension of Genetic Critic, problematize some factors that have gone through the creative process of theatrical works of the playwright. For this explanation, we were guided by the concept of Creation Network, which was proposed the construction of a Rodriguean creation, which in our reading includes: the philosophical term deformation (DIDI-HUBERMAN, 2010); self-criticism; and censorship. We propose a reading of 17 theatrical playwright parts and, in particular files on censorship, because they indicate a specific time of the construction work to contain documents that were kept out of reach of the author. In comparison process documents versus work published several modifications were mapped. Built, so this complex network bounded by our critical reading, however, able to bring us closer to the playwright that marked an era and continues the contemporary to unsettle us with their unpleasant Theatre.

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  • FELIPE CABRAL DE ARAÚJO FAGUNDES
  • MONTAGEM E ENCENAÇÃO PERFORMATIVA: PODE SER QUE SEJA CAIO FERNANDO ABREU

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • MARCOS AURELIO BULHOES MARTINS
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 31/05/2016

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  • Abordo nesta pesquisa de forma prática-teórica, o conceito de teatro performativo de Josette Féral (2008) a partir da criação da encenação “Pode Ser Que Seja...” baseada na obra “Pode ser que seja só o leiteiro lá fora” (1974) do escritor gaúcho Caio Fernando Abreu (1948-1996). Procuro, portanto, aliar os conceitos propostos pelos autores Jean Baudrillard (1990) e Jean-François Lyotard (2013) a um estudo comparativo sobre procedimentos de criação, tomando por base os encenadores Renato Cohen (2006), Tadeusz Kantor (2008), Antônio Araújo (2011) e Robert Wilson (2011) alicerçados pela discussão proposta por Ferál (2015) a respeito dos limites entre a teoria e a prática no fazer teatral. A fim se tensionar a relação entre a prática e a teoria, nesta dissertação, apresento na introdução os conceitos que foram trabalhados tanto na escrita quanto na encenação e desenvolvo a pesquisa sobre a montagem de uma encenação performativa no capítulo único que se dedica a descrever o processo de criação da encenação “Pode Ser Que Seja...”, articulando a minha voz enquanto encenador com as vozes dos artistas que fizeram parte deste projeto.

     


  • Mostrar Abstract
  • I approach this practical-theoretical research from the concept of performative theater by Josette Feral (2008) from the creation of staging "It may be..." based on the work "It may be only the milkman out there" (1974) writing by the brazilian Caio Fernando Abreu (1948-1996). Therefore, I seek to combine the concepts proposed by the authors Jean Baudrillard (1990) and Jean-Francois Lyotard (2013) to do a comparative study on the creation of procedures based on the directors Renato Cohen (2006), Tadeusz Kantor (2008), Antonio Araújo (2011) and Robert Wilson (2011) grounded by the discussion proposed by Feral (2015) about the boundaries between theory and practice in theater do. In order to tighten the relationship between practice and theory, on this dissertation, I present in the introduction the concepts that have worked both in writing and in staging, developing research on the montage of a performative theatre in a single chapter dedicated to describing the creation process of play "It may be ...", articulating my voice as a director with the voices of the artists who participated in this project.

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  • MARIA CAROLINA DE HOLLANDA CAVALCANTI PIÑEIRO
  • Estudos em Reperformance: registro da prática Pina, Marina em Carolina

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LUCIO JOSÉ DE SÁ LEITÃO AGRA
  • MARCOS AURELIO BULHOES MARTINS
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 15/07/2016

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  • Esta dissertação descreve o percurso de criação de sete performances feitas a partir da metodologia inspirada pela série "Seven Easy Pieces" da artista Marina Abomovic. As performances citam trabalhos de Pina Bausch e da própria Abromovic como "1980" e "Art Must Be Beautiful" e foram feitas a partir de laboratórios e investigações desenvolvidas com artistas pesquisadores da região metropolitana de Natal, Rio Grande do Norte e em Bogotá, Colômbia.  Para tal, foi realizado um estudo preliminar com visita à exposição de Marina Abramovic no SESC Pompéia, em seguida foi feito um levantamento bibliográfico a fim de contemplar o conceito de performance e finalizado com um mapeamento afetivo da história da performance em Natal no período de 2007 a 2016.

     


  • Mostrar Abstract
  • This research describes the course the creation of seven performances made using the methodology inspired from the "Seven Easy Pieces" series by Marina Abomovic. The performances cite works by Pina Bausch and Abromovic’s as "1980" and "Art Must Be Beautiful" and it was made from laboratories and researches developed with artists and researchers from the region of Natal, Rio Grande do Norte and Bogota, Colombia. To accomplish this, we conducted a preliminary study by visiting Marina Abramovic’s exhibition at SESC Pompeia-SP, then it was made a literature review in order to contemplate the concept of performance and it was finished with an emotional map of the history of performance in Natal from 2007 to 2016.

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  • ANA RUTH ROCHA MACIEL
  • DUETO DE SENTIDOS: figuras de linguagem e dança contemporânea compondo poéticas no corpo adolescente.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 18/08/2016

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  • A presente investigação propõe uma reflexão a partir das contribuições da dança e da literatura no contexto educacional. Para tanto, dialoga a vertente da dança contemporânea com elementos do texto poético, dando ênfase às figuras de linguagem. Traz como suporte teórico o Método Recepcional, desenvolvido por Vera Teixeira de Aguiar e Maria da Glória Bordini (1993), a partir da Estética da Recepção, proposta por Hans Robert Jauss (2002). A pesquisa contou com uma aplicação prática realizada com alunos do nível médio de uma escola da rede estadual de ensino, na cidade de Natal/RN. Usamos como suporte para coleta de dados questionários, diário de bordo, além de registro fotográfico e por vídeo. O intuito foi pensar dança e literatura como áreas possíveis de se conectarem e despertarem no adolescente seu potencial criativo, capaz de perceber os vários níveis de relações que se estabelecem a sua volta, de interagir com o outro de maneira mais madura, atentando para a importância de se fazer ativo e consciente na dinâmica de nossa sociedade.


  • Mostrar Abstract
  •                This research proposes a reflection on the contribution of dance and literature in the educational context. For this purpose, it dialogues the strand of contemporary dance with elements of the poetic text, emphasizing the figures of speech. It brings as theoretical support the Reception Method, developed by Vera Teixeira de Aguiar and Maria da Glória Bordini (1993), from the Reception Aesthetics, proposal by Hans Robert Jauss (2002). The survey counted on a practical application performed with high school students from a public school school, located in Natal/RN. The data was collected with questionnaires, Logbooks and a photographic record and video. The aim was to think dance and literature as possible areas to connect and awaken adolescents in their creative potential, being able to perceive the various levels of relationships that are established around them, to interact with each other in a more mature way, paying attention to the importance of making them active and conscious in the dynamics of our society.

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  • JOSADAQUE ALBUQUERQUE DA SILVA PIRES
  • (LOU)CURE-SE!: CORPOS VIVIDOS EM INSTAURAÇÕES CÊNICAS NO HOSPITAL DR. JOÃO MACHADO

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
  • Data: 27/08/2016

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  • Esta dissertação enfoca uma proposta de investigação com metodologia de pesquisa ação; sobre o denominado ser louco, sua corporeidade e as relações intersubjetivas que esses corpos travam e que se revelam na cena cotidiana de uma instituição psiquiátrica, quando em contato direto com processos artísticos de instaurações de cenas; lembrando sempre que, esses corpos sob o signo da loucura lidam com o estigma.  Trata-se de pesquisar o modo de ser corporalmente predominante por restrições e desorganização na relação que essas pessoas têm com o outro, com o tempo e com o espaço, para tanto observa-se o modo como esses corpos se estruturam e se movimentam nos espaços sociais que parecem estar impregnados por uma ideologia de valores,  crenças e preconceitos adquiridos no processo histórico-social.

    O tratamento dado ao louco é definido historicamente por uma prática de exclusão e pela diferença que faz do louco um ser desprovido de razão e consciência, amoral e nocivo, e deste modo, a discriminação é efetivada pelo controle através do enclausuramento e/ou da medicação exacerbada; As marcas cruéis desta ideologia opressora que caracterizam a história da loucura, onde o louco ainda ocupa o lugar do oprimido, são visíveis neste recorte pesquisado e percebidas nas gestualidades e expressões orais e corporais; A história desses corpos são presentificadas em dramas narrados e pela carga emocional impregnada nos gestos, na tonalidade da voz em falas, cantos e gritos que se revelam na cena cotidiana. Deste modo, este trabalho se propõe a uma articulação entre loucura e arte e para isto, procura-se encontrar conexões entre conceitos e questões que permeiam o tema da loucura e os processos de criação, enfatizando a importância do contato e da vivência humana com a linguagem da arte através do contato dos internos no Hospital Psiquiátrico Dr. João Machado com a coligação Cruor Arte Contemporânea, grupo permanente de Arte e Cultura, residente no DEART/UFRN, grupo de prática cênica do Núcleo Transdisciplinar de Pesquisa em Artes Cênicas e Espetaculares. Articular arte e loucura neste estudo está vinculado a experiência vivida na interação desses corpos nos encontros. Trata-se da relação desses corpos rotulados e institucionalizados nomeados como doentes mentais, por terem um histórico de enclausuramento em internações hospitalares, denominadas de manicômio, que contém uma cultura de controle social coercitivo. Investiga-se o encontro os corpos de artistas que trazem em si a experiência da arte e a partir dai se pensa na possibilidade de uma estética existencial das relações entre corpo, espaço, tempo e movimento nas instituições totalitárias e em um sentido mais amplo, nas condições determinadas historicamente ao louco, marcadas pelo abandono e ausência desse corpo, como também pela desorientação temporal e espacial, para tanto tenho o aporte da Psicologia Corporal em uma leitura fenomenológica existencial e da Psicologia Analítica através do estudo do significado dos símbolos na relação do ser humano consigo mesmo e com o ambiente. Essas perspectivas teóricas apresentadas foram escolhidas por trazerem contribuições para o estudo do ser humano em seus aspectos simbólicos, corporais e existenciais sob a ótica da arte.  Estudos estes, essenciais para a construção da experiência fenomenológica do sujeito enquanto trajeto de vida, em sua relação consigo mesmo e com o outro através da vivência da loucura com a presença da arte.

    No decorrer deste processo investigativo compreendemos que estudar as atuais cenas cotidianas protagonizadas no hospital Dr. João Machado por subjetividades diferenciadas como portadoras de transtorno mental ou pessoas em sofrimento psíquico perpassa pelo entendimento de que na sociedade atual temos novas formas de produção da loucura, novos modos de ser louco, e reafirmando pois que a fabricação dessas emergentes formas subjetivas de ser louco é social e histórica e a arte pode ser um caminho para esta compreensão. Pois, é possível permitir a plasticidade e estéticas para outras formas de vivências, e “ser” com abertura para ousar, criar e refletir suas questões, seus estranhamentos, suas posturas adotadas e lugares assumidos na coletividade. E neste sentido, pela arte, em um espaço de saúde e ciência produzir conhecimento sobre o real e o vivido, com a linguagem artística das artes cênicas, pois esta facilita ao ser humano expressar e perceber o mundo de uma forma mais intensa. Vislumbrou-se pensar pedagogias vivenciais e corporais para lidar com as cenas e os corpos que circulam e se fazem presentes naquela realidade institucionalizada, assim foi criada com alguns pacientes a instauração cênica (Lou)Cure-se!, apresentada ao público nos meses de julho e agosto de 2016, nas dependências do hospital psiquiátrico Dr. João Machado.


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  • This thesis focuses on a research proposal, with a research-action methodology, on the so-called be crazy, its corporeality and interpersonal relations established by these bodies and that are revealed in everyday scene of a psychiatric institution, when in direct contact with artistic processes of the instauration of scenes; always remembering that these bodies under the sign of madness deal with stigma. It is about finding the way of being bodily predominant by restrictions and disruption in the relationship that these people create with one another, with time and space. With that in mind, it is observed how these bodies are structured and how they move in social spaces that appear to be impregnated by an ideology of values, beliefs and prejudices acquired in the socio-historical process.

    The treatment of the insane is historically defined by a practice of exclusion and difference that makes the crazy a being destitute of reason and conscience, amoral and harmful, and thus discrimination is effected by control through the enclosure and/or exacerbated medication; The cruel marks of this oppressive ideology that characterizes the history of madness, where the crazy still occupies the place of the oppressed, are still visible in this research and perceived in gestures and oral and body expressions; the history of these bodies is personalized in narrated dramas and by the emotional charge impregnated in gestures, the tone of voice in speeches, songs and screams that are revealed in the everyday scene. Thus, this work proposes a link between madness and art and for this, we try to find connections between concepts and issues that permeate the theme of madness and creation processes, emphasizing the importance of the contact and of the human experience with the language of art through the contact with the residents of the Psychiatric Hospital Dr. João Machado, working together with Cruor Arte Contemporânea, a permanent group of art and culture,  from the DEART/UFRN (Art Department), a dramaturgy group from the Núcleo Transdisciplinar de Pesquisa em Artes Cênicas e Espetaculares (Interdisciplinary Center for Research on Performing and Spectacular Arts). Articulating art and madness in this study is linked to the experience obtained in the interaction of these bodies in the meetings. This is the relationship of these labeled and institutionalized bodies appointed as mentally ill, for having a record of enclosure in hospital stays, places termed madhouse, which contains a coercive social control culture. We investigate the encounter of the bodies of artists who bring in themselves the experience of art and, from there, we consider the possibility of an existential aesthetic of the relationship between body, space, time and movement in totalitarian institutions and in a wider sense, in conditions historically determined for the crazy, marked by abandonment and absence of this body, as well as the temporal and spatial disorientation. In order to study this scenario, we took advantage of the contribution of the Body Psychology added to an existential phenomenological reading and of the Analytical Psychology, by studying the meaning of the symbols in the relationship of the human with themselves and the environment. These theoretical perspectives presented were chosen for bringing contributions to the study of the human being in its symbolic, bodily and existential aspects, from the perspective of art. Such studies are essential to the construction of the phenomenological experience of the subject as a way of life in their relationship with themselves and the other through the experience of madness with the presence of art.

    During this investigative process, we understood that studying the current everyday scenes enthralled in the hospital Dr. João Machado by considering differentiated subjectivities as mentally disabled or people in psychological distress pervades the understanding that in today's society there are new forms of production of madness, e.g., new ways to be crazy, and therefore reaffirming that the manufacture of these emerging subjective ways of being crazy is social and historical and the art can show a way for this understanding. Then, it is possible to allow the plasticity and aesthetics to other forms of experiences, and "be" with openness to dare, create and reflect their issues, their strangeness, their adopted positions and places undertaken in the community. In this sense, by the art, in a space of health and science to produce knowledge about the real and the lived, with the artistic language of the performing arts, as this makes the human being being able to express and perceive the world in a more intense way. It was in sight to consider experiential and body pedagogies to handle the scenes and the bodies that circulate and are present in that institutionalized reality, and it was created, with some patients, the scenic instauration (Lou)Cure-se! [(Un)Heal Yourself!], presented to the public in July and August 2016, on the premises of the psychiatric hospital Dr. João Machado.

10
  • JOANA VIEIRA VIANA
  • Teatro de animação em sala de aula: Universidade e Fundamental 1

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ANDRE CARRICO
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • PAULO CÉZAR BALARDIM BORGES
  • Data: 31/08/2016

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  • A presente pesquisa tem como objetivo investigar a formação do professor de teatro que utiliza o teatro de animação como linguagem principal em suas atividades formativas. Tem como referência a experiência vivenciada na disciplina Teatro de Formas Animadas, na UFRN, no semestre de 2014.1, ministrada pelo Professor Dr. Sávio Araújo, na qual a pesquisadora realizou docência assistida. Também relata e analisa sua prática docente junto às turmas do Fundamental 1, da Escola Municipal José Peregrino de Carvalho, em João Pessoa, PB, nos anos de 2015 e 2016. Em ambas experiências, tanto na formação de professores como de crianças, são enfrentados desafios referentes ao planejamento e seleção conteúdos, estratégias de motivação das turmas e melhor forma de fazer com que os alunos tenham autonomia e discernimento para desenvolver seus potenciais artísticos e pessoais. Com relação à formação dos professores, ao definir conceitualmente, o que se entende por teatro de animação, ator animador, objeto, animar, e ao se estabelecer escolhas terminológicas e metodológicas, principalmente a partir da relação de diálogo estabelecida entre ator o animador e o objeto, delineia-se qual caminho percorrer no vasto universo do teatro de animação. A partir do entendimento de que a criação artística é parte fundamental no processo de ensino-aprendizagem, problematiza-se como a disciplina pode ter o melhor aproveitamento por parte dos seus alunos. Da mesma forma, com relação ao trabalho desenvolvido na escola pública, a criação de cenas configura-se como instrumento potente na construção do conhecimento, embora uma série de desafios sejam enfrentados diariamente. 


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  • This study aims investigate the utilization of Puppet Theater techniques as language in the drama teacher formation and in the elementary classroom activities. For this purpose, two experiences are taken as references. The first one is based in the internship as teacher assistant in the Dr. Savio Araujo’s classes of Theatre of Animated Forms in the first semester of 2014 in the Federal University of Rio Grande do Norte. The second is derivate of the researcher's work as teacher of arts in the Municipal School José Peregrino de Carvalho of elementary level, in the city João Pessoa, PB, during the years of 2015 and 2016. In the both cases, as for undergraduate students as elementary school children, it is observed that there are challenges related to the planning and selection of contents, to the strategies to motivate the classes and the best way to make the students have autonomy and discretion to develop their artistic and personal potential. Regarding the formation of the teacher, the way to go through the vast universe of animation theatre is lineated by the conceptual definitions and terminological and methodological choices related of the assumed meaning for animation theatre, animator actor, object, give life, and mainly from the relationship of the dialogue established between the actor, the animator and the object. They are highlighted reflections about the artistic creation as fundamental part in the teaching-apprenticeship process and its relationship with the improvement by the students. Similarly, in relation to work in primary school 1, scenes creation is configured as a powerful methodological strategy in the construction of knowledge, although a number of challenges are faced daily in the school locus.

11
  • JEFFERSON MELO DE ARAÚJO
  • REFLEXÕES SOBRE A DANÇA CORAL NA EDUCAÇÃO ESCOLAR: POR UM COMPOR COMPARTILHADO.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • ROSIE MARIE NASCIMENTO DE MEDEIROS
  • MARIA ISABEL DANTAS
  • Data: 14/10/2016

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  • A presente pesquisa busca uma reflexão sobre o movimento coral proposto pelo estudioso de Rudolf Von Laban. A discussão foca a possibilidade de trabalhar essa proposição no âmbito escolar em uma experiência desenvolvida em uma escola pública com um grupo de crianças em Projeto pedagógico. Trata-se assim de um estudo de natureza qualitativa que conjuga a narrativa da trajetória docente, pesquisa bibliográfica e o estudo de caso. O objetivo foi analisar os aspectos artísticos-estéticos-pedagógicos da proposição da Dança Coral, evidenciando elementos de sua poética e compor uma reflexão a partir da relação entre os conceitos estudados e a vivência compartilhada com os alunos no processo de sensibilização e composição em Dança na escola. As relações tecidas nas reflexões que a poética da aprendizagem da Dança Coral propicia um processo de aguçamento focal de percepções da dança, processo ativado pela ludicidade, pela improvisação dirigida, pelo diálogo intercorporal, contribuindo para uma memória de sensibilização inicial em dança, considerando os desafios do contexto escolar em sua dinamicidade, ampliando as percepções e repertórios dos participantes em um processo educativo, artístico e estético, implicando as dimensões individual e social no compor da aprendizagem.


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  • This research seeks to reflect on the coral motion proposed by a student of Rudolf von Laban. The discussion focuses on the possibility of working this proposition in schools in an experiment developed in a public school with a group of children in pedagogical project. It is thus a qualitative study that combines the narrative of teaching history, literature and the case study. The aim was to analyze the artistic-aesthetic-pedagogical aspects of dance Coral proposition, showing elements of his poetry and compose a reflection from the relationship between the concepts studied and shared experiences with students in the sensitization process and composition in dance in school. The links created in the reflections that the poetics of Coral Dance learning provides a focal sharpening process dance perceptions, process activated by the playfulness, the improvisation directed by interbody dialogue, contributing to an initial awareness of memory in dance, considering the challenges the school context in its dynamism, expanding perceptions and repertoires of participants in an educational, artistic and aesthetic process, involving the individual and social dimensions in the writing of learning.

2015
Dissertações
1
  • LUANA MENEZES DE OLIVEIRA
  • Corpo-diário: da escrita de si à escrita da cena

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • PATRICIA GARCIA LEAL
  • NARCISO LARANGEIRA TELLES DA SILVA
  • Data: 02/03/2015

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  •  

    A presente pesquisa debruça-se sobre o corpo e os diários, utilizando a metáfora do diário para pensar o corpo como registro, desejo e totalidade aberta. Investiga o trânsito criativo entre a escrita de si (especificamente na forma de diários) e a escrita da cena, compreendendo a primeira como o produto da escrita autobiográfica e a segunda como a composição da cena como um todo. Entende a passagem de uma linguagem para a outra como um processo de tradução e ficcionalização do material memorial do artista e por isso transpõe a ideia de autoficção para a cena. A cena é estudada a partir do seu caráter confessional e da utilização do depoimento pessoal, considerando que ele requer um gesto de desnudamento por parte do artista criador. Tal desnudamento agencia o encontro com o espectador e faz da cena um lugar potencial de promoção de experiência. A pesquisa é teórica-prática e descreve alguns dos percursos e percalços do processo criativo do experimento Desnude.

     

     


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  • Corpo-diário: da escrita de si à escrita da cena

2
  • HELOISA HELENA PACHECO DE SOUSA
  • Vestimentas em Performance – Composições em Modos do Corpo

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • AMABILIS DE JESUS DA SILVA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 05/03/2015

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  • Essa pesquisa trata das relações possíveis entre o corpo e a vestimenta nos estados cênicos performáticos cruzando a cena contemporânea, a filosofia da moda e os argumentos filosóficos de profanação e dos dispositivos. Entre as obras observadas e citadas nesta dissertação, realizei entrevistas estruturadas com oito artistas da performance, como estratégia metodológica que pudesse trazer dados sobre as experiências dos corpos vestidos e despidos em cena, para além da pesquisa bibliográfica e revelando a ação da vestimenta sobre o corpo, assim como sua influência nas subjetividades do performador e do público. Essas relações podem ser experienciadas no processo de criação de figurinos na cena contemporânea nomeando a possibilidade da existência de modos do corpo, como maneiras que emergem e que se constituem como possibilidades estéticas, criativas e discursivas.


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  • Essa pesquisa trata das relações possíveis entre o corpo e a vestimenta nos estados cênicos performáticos cruzando a cena contemporânea, a filosofia da moda e os argumentos filosóficos de profanação e dos dispositivos. Entre as obras observadas e citadas nesta dissertação, realizei entrevistas estruturadas com oito artistas da performance, como estratégia metodológica que pudesse trazer dados sobre as experiências dos corpos vestidos e despidos em cena, para além da pesquisa bibliográfica e revelando a ação da vestimenta sobre o corpo, assim como sua influência nas subjetividades do performador e do público. Essas relações podem ser experienciadas no processo de criação de figurinos na cena contemporânea nomeando a possibilidade da existência de modos do corpo, como maneiras que emergem e que se constituem como possibilidades estéticas, criativas e discursivas.

3
  • HERÁCLITO CARDOSO DE OLIVEIRA
  • A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
  • Data: 06/03/2015

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  • Ao longo de nossa trajetória como ator, encenador e docente, pudemos apreciar espetáculos cômicos que se propunham a um diálogo com o público por meio da linguagem corporal dos artistas, cujas encenações abdicavam do uso da fala dos atores. Esta forma de representar, no silêncio do palco, nos chamou a atenção e provocou a nossa curiosidade científica sobre o assunto, que está diretamente relacionado com as construções poéticas do corpo em cena. Diante de leituras iniciais sobre o assunto, começamos a compreender que durante muito tempo na história da humanidade, sobretudo no ocidente, o entendimento de Corpo foi construído a partir de vários olhares epistemológicos que desconsideravam o corpo como uma unidade, uma encarnação do sujeito numa totalidade. Esse tipo de pensamento, reflexo da filosofia da modernidade, reverberou enfaticamente sobre as questões estéticas do fazer artístico, aqui, especificamente, no Teatro. Por vários séculos o fazer teatral se moldava a partir de vários elementos estéticos, mas desconsiderando os potenciais da corporeidade do artista, isto é, o texto teatral, por exemplo, foi considerado, por muito tempo, como o elemento principal da cena e se dava pouca ênfase para uma dramaturgia elaborada do corpo.  Com o surgimento das reflexões acerca do assunto, instauradas, sobretudo, a partir do início do século XX, a percepção do corpo como elemento criativo e criador, também passou a ganhar espaço. Ao longo do tempo as práticas artísticas começaram a vislumbrar as possibilidades criativas do corpo, repensando inclusive a sua relação com o texto escrito, com a palavra falada. E como parte dessas novas reflexões acerca do corpo em processo de criação, propusemos a presente pesquisa, que intitulamos de “A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena”. Nosso principal objetivo nessa pesquisa é estudar a poética do corpo cômico do ator, na perspectiva de uma linguagem não-verbal. Em nossa investigação sobre este assunto, buscaremos também compreender como a corporeidade do ator poderá nos dar pistas para percebermos/construirmos o corpo não-verbal e cômico em cena. Dentro desta perspectiva poderemos analisar como se daria a construção de uma dramaturgia cômica e não-verbal a partir da fenomenologia do riso. E com esse olhar, pretendemos apontar alguns aspectos e procedimentos, advindos das reflexões acerca da corporeidade e da comicidade, que configurem, entre outras possíveis, uma metodologia de construção cênica não-verbal.


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  • Ao longo de nossa trajetória como ator, encenador e docente, pudemos apreciar espetáculos cômicos que se propunham a um diálogo com o público por meio da linguagem corporal dos artistas, cujas encenações abdicavam do uso da fala dos atores. Esta forma de representar, no silêncio do palco, nos chamou a atenção e provocou a nossa curiosidade científica sobre o assunto, que está diretamente relacionado com as construções poéticas do corpo em cena. Diante de leituras iniciais sobre o assunto, começamos a compreender que durante muito tempo na história da humanidade, sobretudo no ocidente, o entendimento de Corpo foi construído a partir de vários olhares epistemológicos que desconsideravam o corpo como uma unidade, uma encarnação do sujeito numa totalidade. Esse tipo de pensamento, reflexo da filosofia da modernidade, reverberou enfaticamente sobre as questões estéticas do fazer artístico, aqui, especificamente, no Teatro. Por vários séculos o fazer teatral se moldava a partir de vários elementos estéticos, mas desconsiderando os potenciais da corporeidade do artista, isto é, o texto teatral, por exemplo, foi considerado, por muito tempo, como o elemento principal da cena e se dava pouca ênfase para uma dramaturgia elaborada do corpo.  Com o surgimento das reflexões acerca do assunto, instauradas, sobretudo, a partir do início do século XX, a percepção do corpo como elemento criativo e criador, também passou a ganhar espaço. Ao longo do tempo as práticas artísticas começaram a vislumbrar as possibilidades criativas do corpo, repensando inclusive a sua relação com o texto escrito, com a palavra falada. E como parte dessas novas reflexões acerca do corpo em processo de criação, propusemos a presente pesquisa, que intitulamos de “A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena”. Nosso principal objetivo nessa pesquisa é estudar a poética do corpo cômico do ator, na perspectiva de uma linguagem não-verbal. Em nossa investigação sobre este assunto, buscaremos também compreender como a corporeidade do ator poderá nos dar pistas para percebermos/construirmos o corpo não-verbal e cômico em cena. Dentro desta perspectiva poderemos analisar como se daria a construção de uma dramaturgia cômica e não-verbal a partir da fenomenologia do riso. E com esse olhar, pretendemos apontar alguns aspectos e procedimentos, advindos das reflexões acerca da corporeidade e da comicidade, que configurem, entre outras possíveis, uma metodologia de construção cênica não-verbal.

4
  • GIRLANE CRISTINA SIQUEIRA DA SILVA
  • Atuações e papéis femininos: o corpo a corpo da atriz no teatro pernambucano durante a ditadura militar

  • Orientador : RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • ÉRICO JOSÉ SOUZA DE OLIVEIRA
  • Data: 10/03/2015

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  • Esta pesquisa visa investigar a atuação feminina no teatro pernambucano durante a ditadura militar brasileira na década de 1970, analisando os trabalhos de quatro atrizes dos grupos Teatro Hermilo Borba Filho, Vivencial e Expressão, que atuaram no período. Lança-se um olhar sobre o corpo feminino no teatro a partir de uma transgressão cênica corporal: a consciência de uma insubordinação corpórea em resposta a um determinado contexto. No entanto, antes delineou-se um panorama sobre a posição artística e sociocultural da mulher no teatro, nos períodos que antecedem a ditadura no Brasil e em Pernambuco, abrangendo referências teatrais e históricas, com o objetivo de refletir sobre como estas colocações interferiram na imagem social da atriz no contexto ditatorial. Em paralelo, desenvolve-se uma reflexão sobre o corpo cênico que se opunha à ditadura, um corpo que viola as normas estabelecidas, o Corpo Transgressor. Partindo de análises feitas com as entrevistas realizadas com as atrizes, o estudo é desenvolvido construindo-se conexões entre as falas das artistas e os pressupostos filosóficos de Henri Bergson. É também elaborada uma reflexão sobre as mudanças do corpo feminino no teatro na História, em consonância com o conceito também filosófico do Devir Mulher de Felix Guattari.


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  • Esta pesquisa visa investigar a atuação feminina no teatro pernambucano durante a ditadura militar brasileira na década de 1970, analisando os trabalhos de quatro atrizes dos grupos Teatro Hermilo Borba Filho, Vivencial e Expressão, que atuaram no período. Lança-se um olhar sobre o corpo feminino no teatro a partir de uma transgressão cênica corporal: a consciência de uma insubordinação corpórea em resposta a um determinado contexto. No entanto, antes delineou-se um panorama sobre a posição artística e sociocultural da mulher no teatro, nos períodos que antecedem a ditadura no Brasil e em Pernambuco, abrangendo referências teatrais e históricas, com o objetivo de refletir sobre como estas colocações interferiram na imagem social da atriz no contexto ditatorial. Em paralelo, desenvolve-se uma reflexão sobre o corpo cênico que se opunha à ditadura, um corpo que viola as normas estabelecidas, o Corpo Transgressor. Partindo de análises feitas com as entrevistas realizadas com as atrizes, o estudo é desenvolvido construindo-se conexões entre as falas das artistas e os pressupostos filosóficos de Henri Bergson. É também elaborada uma reflexão sobre as mudanças do corpo feminino no teatro na História, em consonância com o conceito também filosófico do Devir Mulher de Felix Guattari.

5
  • BERTTONY DA SILVA NINO
  • Um retrato do marginal brasileiro mediante o trabalho do ator com as personagens de Plínio Marcos em “Navalha na carne"

  • Orientador : RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • PAULA ALVES BARBOSA COELHO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • Data: 13/03/2015

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  • Esta dissertação apresentada tem como investigação o trabalho do ator na construção das ações físicas, conforme a metodologia desenvolvida por Constantin Stanislavski em sua análise da ação dramática, denominada “método da ação física”, aplicada às questões da representação cênica do marginal brasileiro, segundo o olhar “cruel” e realista/naturalista do dramaturgo Plínio Marcos. Partindo das circunstâncias dadas pelo universo Pliniano, a intenção é contribuir para a reflexão sobre o trabalho do ator na cena com os personagens marginais de “Navalha na carne”, destacando alguns aspectos importantes, que auxiliem na construção deste mundo ficcional. Deseja-se criar condições para a formação de um ator que potencialize na cena as contradições e conflitos desta obra. A investigação pretende partir do estudo teórico-prático como hipótese metodológica, produzindo reflexão crítica a partir do processo criativo do ator com a realização de um experimento cênico centrado na técnica psicofísica deste pedagogo russo. Assim, pretende-se lançar um olhar sobre o “método das ações físicas” com foco na sua última grande contribuição para a atuação, notadamente o procedimento da análise ativa, ao fazer uma leitura a partir de “Navalha na carne” por meio deste exercício cênico criativo, ampliando os estudos que se ocupam da arte do ator. Esta pesquisa faz uma explanação geral sobre a trajetória de Stanislavski até seu encontro com a ação física, ao mesmo tempo que, destaca os desencontros de entendimento do seu trabalho pelo mundo. Stanislavski desenvolveu inicialmente o “método” tendo como pano de fundo, a estética realista - uma relação de diálogo entre realidade e a cena – através de uma estilização que cria uma realidade teatral, e consequentemente, artística, e não de forma literalmente naturalista através de um mimetismo integral. Ou seja, o trabalho de representação na estética realista do teatro deve ser elaborado a fim de criar uma realidade teatralizada. Stanislavski entende que teatro é convenção, já que o trabalho do ator sobre si próprio deve estimular essa segunda natureza, a cênica. 


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  • Esta dissertação apresentada tem como investigação o trabalho do ator na construção das ações físicas, conforme a metodologia desenvolvida por Constantin Stanislavski em sua análise da ação dramática, denominada “método da ação física”, aplicada às questões da representação cênica do marginal brasileiro, segundo o olhar “cruel” e realista/naturalista do dramaturgo Plínio Marcos. Partindo das circunstâncias dadas pelo universo Pliniano, a intenção é contribuir para a reflexão sobre o trabalho do ator na cena com os personagens marginais de “Navalha na carne”, destacando alguns aspectos importantes, que auxiliem na construção deste mundo ficcional. Deseja-se criar condições para a formação de um ator que potencialize na cena as contradições e conflitos desta obra. A investigação pretende partir do estudo teórico-prático como hipótese metodológica, produzindo reflexão crítica a partir do processo criativo do ator com a realização de um experimento cênico centrado na técnica psicofísica deste pedagogo russo. Assim, pretende-se lançar um olhar sobre o “método das ações físicas” com foco na sua última grande contribuição para a atuação, notadamente o procedimento da análise ativa, ao fazer uma leitura a partir de “Navalha na carne” por meio deste exercício cênico criativo, ampliando os estudos que se ocupam da arte do ator. Esta pesquisa faz uma explanação geral sobre a trajetória de Stanislavski até seu encontro com a ação física, ao mesmo tempo que, destaca os desencontros de entendimento do seu trabalho pelo mundo. Stanislavski desenvolveu inicialmente o “método” tendo como pano de fundo, a estética realista - uma relação de diálogo entre realidade e a cena – através de uma estilização que cria uma realidade teatral, e consequentemente, artística, e não de forma literalmente naturalista através de um mimetismo integral. Ou seja, o trabalho de representação na estética realista do teatro deve ser elaborado a fim de criar uma realidade teatralizada. Stanislavski entende que teatro é convenção, já que o trabalho do ator sobre si próprio deve estimular essa segunda natureza, a cênica. 

6
  • MIRTTHYA MARK LUCENA GUIMARÃES
  • O Ator na rua: uma expressividade caótica

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • ALEXANDRE SILVA NUNES
  • Data: 19/03/2015

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  • Este trabalho investigou o processo de preparação corporal\vocal\energético do ator para a rua, desenvolvido no Grupo de Teatro Quem Tem Boca é Pra Gritar. Nossa principal busca foi entender os processos que o ator percorre para desenvolver uma energia para cena na rua. Que energia é esta que se estabelece e se relaciona com os transeuntes\espectadores? O que será que chama atenção do transeunte\espectador? Será a história? A indumentária ou será uma expressividade potencializada? Será uma energia presente no corpo do ator que se relaciona com o transeunte? Como o ator se relaciona com o espaço urbano? Na tentativa de responder tais questionamentos, utilizamos alguns princípios da Física Moderna, como: Teoria Quântica e Princípio da Incerteza, além da Teoria do Caos. O teatro realizado nas ruas, em sua maioria, passa por longos processos de construção cênica, contudo, quando levado ao público, é tomado por outras causalidades, pois estando na rua o ator se torna sujeito daquele espaço, não podendo negar a eventualidade dos fatos que ali podem ocorrer. Segundo a física quântica a energia se propaga em um espaço vazio, a quantidade de energia física sendo trocada no espaço da rua, resulta no mágico momento em que os corpos dos atores, em constantes trocas com os espectadores, permitem acontecer o salto quântico[1]: o espetáculo teatral de rua. 



    [1] Utilizo este termo aqui como uma metáfora, no qual salto quântico diz respeito ao elétron que recebe uma grande quantidade de energia e salta para os níveis mais afastados do núcleo.


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  • Este trabalho investigou o processo de preparação corporal\vocal\energético do ator para a rua, desenvolvido no Grupo de Teatro Quem Tem Boca é Pra Gritar. Nossa principal busca foi entender os processos que o ator percorre para desenvolver uma energia para cena na rua. Que energia é esta que se estabelece e se relaciona com os transeuntes\espectadores? O que será que chama atenção do transeunte\espectador? Será a história? A indumentária ou será uma expressividade potencializada? Será uma energia presente no corpo do ator que se relaciona com o transeunte? Como o ator se relaciona com o espaço urbano? Na tentativa de responder tais questionamentos, utilizamos alguns princípios da Física Moderna, como: Teoria Quântica e Princípio da Incerteza, além da Teoria do Caos. O teatro realizado nas ruas, em sua maioria, passa por longos processos de construção cênica, contudo, quando levado ao público, é tomado por outras causalidades, pois estando na rua o ator se torna sujeito daquele espaço, não podendo negar a eventualidade dos fatos que ali podem ocorrer. Segundo a física quântica a energia se propaga em um espaço vazio, a quantidade de energia física sendo trocada no espaço da rua, resulta no mágico momento em que os corpos dos atores, em constantes trocas com os espectadores, permitem acontecer o salto quântico[1]: o espetáculo teatral de rua. 



    [1] Utilizo este termo aqui como uma metáfora, no qual salto quântico diz respeito ao elétron que recebe uma grande quantidade de energia e salta para os níveis mais afastados do núcleo.

7
  • LUIZ FELIPE FERREIRA DA ROCHA
  • Dançando a carne: uma poética do corpo no mito adâmico

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 20/03/2015

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  •  Neste estudo dissertativo refletimos sobre a dimensão sensível do corpo, que nos possibilita participar do espaço mítico e constituí-lo como espaço potencial para a criação artística em dança, experiência atribuidora de sentidos ao mundo, à vida, à existência. Trata-se de um escrito que debulha algumas reflexões acerca da condição humana a partir de um olhar lançado sobre o mito de Adão, excitando-nos a pensar sobre as possíveis relações entre a arte e o mito na contemporaneidade, como campos do saber abertos à criação, como espaços semânticos capazes de atribuir novos sentidos ao vivido por meio das pulsações de um corpo que é mito e que é dança. Esse estudo tem dentre seus objetivos a intenção de aventurar um olhar sobre o referido mito, possibilitando-nos novas leituras, significados, e compreensões do mesmo a partir da experiência e vivência num processo de criação em dança contemporânea. Para tanto, referencia-se metodologicamente na Fenomenologia, ou melhor, na atitude fenomenológica proposta por Merleau-Ponty (1994), que considera a experiência vivida do corpo como fonte primordial de conhecimento. Debruçamo-nos assim sobre esse processo de criação em dança contemporânea, que veio a originar uma obra artístico-coreográfica, à qual intitulamos de “A Carne que Sou”, e nos colocando em contemplação dessa dança que ecoa do mistério, que emerge das profundezas do corpo, e que traz à superfície o humano e o seu mundo, suas relações. Compreendemos aqui, portanto, a dança como nossa sensível guia e orientadora de reflexões de ordem ontológica e epistemológica, capaz de validar e perpetuar o mito enquanto herança de sabedoria ancestral.


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  •  Neste estudo dissertativo refletimos sobre a dimensão sensível do corpo, que nos possibilita participar do espaço mítico e constituí-lo como espaço potencial para a criação artística em dança, experiência atribuidora de sentidos ao mundo, à vida, à existência. Trata-se de um escrito que debulha algumas reflexões acerca da condição humana a partir de um olhar lançado sobre o mito de Adão, excitando-nos a pensar sobre as possíveis relações entre a arte e o mito na contemporaneidade, como campos do saber abertos à criação, como espaços semânticos capazes de atribuir novos sentidos ao vivido por meio das pulsações de um corpo que é mito e que é dança. Esse estudo tem dentre seus objetivos a intenção de aventurar um olhar sobre o referido mito, possibilitando-nos novas leituras, significados, e compreensões do mesmo a partir da experiência e vivência num processo de criação em dança contemporânea. Para tanto, referencia-se metodologicamente na Fenomenologia, ou melhor, na atitude fenomenológica proposta por Merleau-Ponty (1994), que considera a experiência vivida do corpo como fonte primordial de conhecimento. Debruçamo-nos assim sobre esse processo de criação em dança contemporânea, que veio a originar uma obra artístico-coreográfica, à qual intitulamos de “A Carne que Sou”, e nos colocando em contemplação dessa dança que ecoa do mistério, que emerge das profundezas do corpo, e que traz à superfície o humano e o seu mundo, suas relações. Compreendemos aqui, portanto, a dança como nossa sensível guia e orientadora de reflexões de ordem ontológica e epistemológica, capaz de validar e perpetuar o mito enquanto herança de sabedoria ancestral.

8
  • ALGONIZ ALEX CORDEIRO DINIZ
  • Poética da Travessia:a topografia do encenador das águas refletida no processo "Memórias de quintal"

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 30/03/2015

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  • A presente pesquisa discuti aspectos inerentes ao ato de conduzir um processo criativo em teatro partindo da ideia de que o encenador, uma vez introduzido na concepção de cena, concebe um método particular intitulado travessia poética, desse modo, nutre em seu instinto o que Gaston Bachelard denomina de “intencionalidade poética” e “imaginação simbólica”. Este estudo busca analisar as estratégias adotadas pelo encenador na criação do espetáculo “Memórias de Quintal”, correlacionando conceitos voltados à prática da direção teatral e a escrita de cadernos de direção teatral.


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  • This research aimed to discuss inherent aspects of the act of conduction a creative process in theater from the idea that the director, once introduced in the design scene, conceives a particular method called poetic crossing, and create in your instinct what Gaston Bachelard calls “poetic intentionality” and “symbolic imagination”. This study also analized the strategies adopted by the director in the creation of the theater play “Memórias de Quintal”, correlating the concepts focused in the practice of the theater directing and the writing of the notebooks of the theatral directing.

9
  • PAULA LAÍS ARAÚJO DE MEDEIROS
  • Memórias de Quintal: A arte do Encontro com a Criança Interior e os Afetos de Infância

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
  • VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
  • Data: 30/03/2015

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  • Este trabalho é parte do processo de criação do espetáculo “Memórias de Quintal” sob a perspectiva de uma das atrizes e dramaturga da peça. As discussões aqui levantadas partem de alguns conceitos ou eixos-norteadores: o teatro enquanto “arte do encontro”, o arquétipo da criança associado ao estado de jogo proposto pelo espetáculo, e a imaginação como agente motivadora de reconstrução de memórias afetivas para os conteúdos das cenas. O trato com as memórias de quintal ou afetos de infância traz para a escrita o sujeito em primeira pessoa através da voz da criança interior, que reflete acerca de sua própria trajetória de vida, de arte, e utiliza suas experiências para nutrir o processo criativo e, dessa maneira, alcançar também as histórias dos espectadores. Os autores que mais colaboram com esta pesquisa são o encenador Jerzy Grotowski, os psicólogos Carl Gustav Jung e James Hillman, os filósofos Gaston Bachelard e Johan Huizinga, e o poeta Manoel de Barros.


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  • Memórias de Quintal: A arte do Encontro com a Criança Interior e os Afetos de Infância

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  • JORDANA LUCENA DE SOUZA
  • DANÇAS NO RN: Motivações, Dificuldades e Configurações

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA DIAS LARANJEIRA
  • LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 15/04/2015

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  • Neste trabalho abordamos o cenário da Dança no Rio Grande do Norte, a partir da investigação de Grupos evidentes nas mesorregiões do Leste Potiguar, Agreste Potiguar, Central Potiguar e Oeste Potiguar, e mais especificamente nos municípios Major Sales, Jardim do Seridó, Pedro Velho e Passa e Fica. Com isso objetivamos compreender, do ponto de vista fenomenológico, os sentidos e os significados que motivam os sujeitos das danças lá situadas, a serem agentes fazedores-transformadores da dança no Rio Grande do Norte. Para tanto, elegemos as seguintes questões de estudo que nortearam o desenvolvimento dessa investigação: 1. Que motivações impulsionam os sujeitos fazedores da dança a contribuírem para mantê-la viva-pulsante e/ou resistirem às dificuldades cotidianas? 2. Que dificuldades estão presentes nesse cenário da dança no RN e como são enfrentadas?  3. Como vem se configurando o cenário da dança no RN? Dessa forma foi possível, nesse contexto de sentidos e significados, desvelar motivações, dificuldades e configurações das danças nesses municípios representativos do RN; isto é, percebermos as identidades e identificações desses brincantes com a dança enquanto manifestação cultural simbólica, cidadã e política; a presença/ausência de políticas públicas voltadas a essas expressões artísticas e o impacto decorrente do envolvimento das comunidades para que esse cenário cultural se propague pelas novas gerações.

     


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  • Neste trabalho abordamos o cenário da Dança no Rio Grande do Norte, a partir da investigação de Grupos evidentes nas mesorregiões do Leste Potiguar, Agreste Potiguar, Central Potiguar e Oeste Potiguar, e mais especificamente nos municípios Major Sales, Jardim do Seridó, Pedro Velho e Passa e Fica. Com isso objetivamos compreender, do ponto de vista fenomenológico, os sentidos e os significados que motivam os sujeitos das danças lá situadas, a serem agentes fazedores-transformadores da dança no Rio Grande do Norte. Para tanto, elegemos as seguintes questões de estudo que nortearam o desenvolvimento dessa investigação: 1. Que motivações impulsionam os sujeitos fazedores da dança a contribuírem para mantê-la viva-pulsante e/ou resistirem às dificuldades cotidianas? 2. Que dificuldades estão presentes nesse cenário da dança no RN e como são enfrentadas?  3. Como vem se configurando o cenário da dança no RN? Dessa forma foi possível, nesse contexto de sentidos e significados, desvelar motivações, dificuldades e configurações das danças nesses municípios representativos do RN; isto é, percebermos as identidades e identificações desses brincantes com a dança enquanto manifestação cultural simbólica, cidadã e política; a presença/ausência de políticas públicas voltadas a essas expressões artísticas e o impacto decorrente do envolvimento das comunidades para que esse cenário cultural se propague pelas novas gerações.

     

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  • PEDRO HENRIQUE DA SILVA FILGUEIRA
  • As personagens negras de Capitães da Areia em cena

  • Orientador : ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • RONALDO LAURENTINO DE SALES JUNIOR
  • Data: 27/08/2015

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  • A pesquisa que resultou no trabalho “As personagens negras de Capitães da Areia em cena” analisou parte do rico universo de um dos principais autores nacionais e a sua relação com o cinema. Jorge Amado tem uma relação intrínseca com a Indústria Cultural. Desde a década de 1940, o escritor, de alguma forma, tem emprestado suas obras para o cinema. Dentre elas, escolhemos como objeto de estudo, o livro Capitães da Areia, romance lançado na década de 30. O romance relata a história de um grupo de meninos abandonados e que moram em um trapiche à beira mar, em Salvador. O romance foi traduzido em 2011 para o cinema, cuja direção ficou por conta de Cecília Amado, neta de Jorge Amado. O elenco principal é composto por adolescentes, não atores, afrodescendentes, que foram selecionados para os papéis, indicando que a diretora tinha um desejo de realismo em sua obra. O trabalho teve como objetivo geral a representação das personagens negras no filme Capitães da Areia, trazendo o debate dos arquétipos e estereótipos do negro no cinema. Consideramos que o objetivo geral tenha sido atingido, pois através da análise comparativa texto-fonte e filme, pudemos compreender a construção das personagens baseadas no paradigma da fidelidade fílmica.


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  • A pesquisa que resultou no trabalho “As personagens negras de Capitães da Areia em cena” analisou parte do rico universo de um dos principais autores nacionais e a sua relação com o cinema. Jorge Amado tem uma relação intrínseca com a Indústria Cultural. Desde a década de 1940, o escritor, de alguma forma, tem emprestado suas obras para o cinema. Dentre elas, escolhemos como objeto de estudo, o livro Capitães da Areia, romance lançado na década de 30. O romance relata a história de um grupo de meninos abandonados e que moram em um trapiche à beira mar, em Salvador. O romance foi traduzido em 2011 para o cinema, cuja direção ficou por conta de Cecília Amado, neta de Jorge Amado. O elenco principal é composto por adolescentes, não atores, afrodescendentes, que foram selecionados para os papéis, indicando que a diretora tinha um desejo de realismo em sua obra. O trabalho teve como objetivo geral a representação das personagens negras no filme Capitães da Areia, trazendo o debate dos arquétipos e estereótipos do negro no cinema. Consideramos que o objetivo geral tenha sido atingido, pois através da análise comparativa texto-fonte e filme, pudemos compreender a construção das personagens baseadas no paradigma da fidelidade fílmica.

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  • ALYSSON AMANCIO DE SOUZA
  • E...5,6,7,8: Reflexões sobre processos formativos em dança na contemporaneidade

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • GILSAMARA MOURA
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 24/09/2015

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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal refletir sobre os processos não formais desenvolvidos em dança na contemporaneidade. Os cursos livres, escolas, academias, ONGs e associações ainda são as instituições que mais formam bailarinos no Brasil (STRAZZACAPPA, 2012), nesse sentido julgamos necessário contínuas pesquisas que possam discutir e contribuir para a potencialização destes espaços. Por conseguinte, este trabalho é fundamentado metodologicamente na abordagem fenomenológica e mais especificamente na análise do fenômeno situado, tendo como campo constitutivo de estudo uma instituição de ensino não formal do interior do Ceará, a Associação Dança Cariri (ADC), existente desde 2007, a qual vem fomentando diversas atividades culturais na região do Cariri, sul deste estado. A partir desse contexto, a presente pesquisa aborda uma reflexão sobre como a formação de ensino híbrida, proposta pela ADC, vem influenciando os artistas locais e modificando os corpos sujeitos e o ambiente da dança do Cariri, através de composições coreográficas, aumento de eventos de dança, implementação de novos espaços e pesquisas em dança, traduzindo-se, portanto, em um campo constitutivo voltado à formação, a difusão e ao desenvolvimento da dança na contemporaneidade.  

     


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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal refletir sobre os processos não formais desenvolvidos em dança na contemporaneidade. Os cursos livres, escolas, academias, ONGs e associações ainda são as instituições que mais formam bailarinos no Brasil (STRAZZACAPPA, 2012), nesse sentido julgamos necessário contínuas pesquisas que possam discutir e contribuir para a potencialização destes espaços. Por conseguinte, este trabalho é fundamentado metodologicamente na abordagem fenomenológica e mais especificamente na análise do fenômeno situado, tendo como campo constitutivo de estudo uma instituição de ensino não formal do interior do Ceará, a Associação Dança Cariri (ADC), existente desde 2007, a qual vem fomentando diversas atividades culturais na região do Cariri, sul deste estado. A partir desse contexto, a presente pesquisa aborda uma reflexão sobre como a formação de ensino híbrida, proposta pela ADC, vem influenciando os artistas locais e modificando os corpos sujeitos e o ambiente da dança do Cariri, através de composições coreográficas, aumento de eventos de dança, implementação de novos espaços e pesquisas em dança, traduzindo-se, portanto, em um campo constitutivo voltado à formação, a difusão e ao desenvolvimento da dança na contemporaneidade.  

     

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  • RENATA CELINA DE MORAIS OTELO
  • CORPOS DA CIRANDA: ANÁLISE ARTÍSTICO/ESTÉTICA DA CIRANDA DE LIA DE ITAMARACÁ

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MEMBROS DA BANCA :
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • MARIA DE LOURDES MACENA DE SOUZA
  • Data: 14/12/2015

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  • O presente trabalho é uma pesquisa que versa sobre a linguagem dos corpos brincantes da Ciranda – especificamente de Lia de Itamaracá. Interessa-nos observar como esse corpo dança, comunica-se, escreve-se no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Assim, de maneira circular e em uma energia que é transmitida no contato com as mãos, na força da canção, em uma roda que pode ser vista de vários lugares, mas por ângulos diferentes, cabendo aí as particularidades dos seus sujeitos brincantes/dançadores/observadores, é que nos propomos a pensar: quem são esses corpos brincantes e como eles constituem as rodas de Ciranda? Para tanto, durante o caminho da pesquisa, fomos conduzidos pelo método fenomenológico e, dele, utilizamos as categorias de descrição, mundo vivido e sensível. Interessa-nos, ainda, nessa manifestação, o corpo que dança e se insere na expressão artística, que significa e se abre ao conhecimento pela via da experiência. Assumimos, portanto, uma concepção de corpo que se referencia na abordagem fenomenológica merleaupontyana, assim como, na sua criticidade em relação ao corpo como um ser fragmentado, tal qual aponta a teoria Cartesiana. Nessa perspectiva, entendemos o corpo na sua relação com os fazeres culturais, sociais, econômicos e artísticos que integram a formação dele. Ou seja, nas relações que nos ajudaram a compreender melhor o corpo que se é. Dessa maneira, a pesquisa tem como objetivo fundante apresentar reflexões sobre os corpos brincantes da Ciranda, especificamente, de Lia de Itamaracá e como esse corpo dança, se comunica, se escreve no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Tal afirmação nos leva, neste trabalho, a questionar, por exemplo: o que mobiliza esses sujeitos nessa dança? Por fim, asseveramos que essa investigação vem à tona em razão da dimensão que as rodas de Ciranda vêm alcançando no país, em especial no Nordeste brasileiro, assim como a existência de pouca referência e registro da manifestação pesquisada nas esferas acadêmicas. É possível verificar, com a pesquisa, que, em razão dessa disseminação, as nuances da movimentação dos brincantes está cada vez mais diversificada e que a ausência de vivências na Ilha de Itamaracá-PE, seu berço, tem distanciado o caráter genuíno e comunitário, tornando-se, cada vez mais, uma dança de outros palcos e praças.

     


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  • O presente trabalho é uma pesquisa que versa sobre a linguagem dos corpos brincantes da Ciranda – especificamente de Lia de Itamaracá. Interessa-nos observar como esse corpo dança, comunica-se, escreve-se no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Assim, de maneira circular e em uma energia que é transmitida no contato com as mãos, na força da canção, em uma roda que pode ser vista de vários lugares, mas por ângulos diferentes, cabendo aí as particularidades dos seus sujeitos brincantes/dançadores/observadores, é que nos propomos a pensar: quem são esses corpos brincantes e como eles constituem as rodas de Ciranda? Para tanto, durante o caminho da pesquisa, fomos conduzidos pelo método fenomenológico e, dele, utilizamos as categorias de descrição, mundo vivido e sensível. Interessa-nos, ainda, nessa manifestação, o corpo que dança e se insere na expressão artística, que significa e se abre ao conhecimento pela via da experiência. Assumimos, portanto, uma concepção de corpo que se referencia na abordagem fenomenológica merleaupontyana, assim como, na sua criticidade em relação ao corpo como um ser fragmentado, tal qual aponta a teoria Cartesiana. Nessa perspectiva, entendemos o corpo na sua relação com os fazeres culturais, sociais, econômicos e artísticos que integram a formação dele. Ou seja, nas relações que nos ajudaram a compreender melhor o corpo que se é. Dessa maneira, a pesquisa tem como objetivo fundante apresentar reflexões sobre os corpos brincantes da Ciranda, especificamente, de Lia de Itamaracá e como esse corpo dança, se comunica, se escreve no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Tal afirmação nos leva, neste trabalho, a questionar, por exemplo: o que mobiliza esses sujeitos nessa dança? Por fim, asseveramos que essa investigação vem à tona em razão da dimensão que as rodas de Ciranda vêm alcançando no país, em especial no Nordeste brasileiro, assim como a existência de pouca referência e registro da manifestação pesquisada nas esferas acadêmicas. É possível verificar, com a pesquisa, que, em razão dessa disseminação, as nuances da movimentação dos brincantes está cada vez mais diversificada e que a ausência de vivências na Ilha de Itamaracá-PE, seu berço, tem distanciado o caráter genuíno e comunitário, tornando-se, cada vez mais, uma dança de outros palcos e praças.

     

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  • ILDISNEI MEDEIROS DA SILVA
  • Ensino de Teatro e Diálogo Freireano: Uma experiência junto ao PIBID-Teatro/UFRN.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • CAROLINA VIEIRA SILVA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 21/12/2015

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  • O presente trabalho possui como objetivo, a partir da troca e do diálogo com os agentes envolvidos nesse processo de pesquisa participante, problematizar o planejamento pedagógico dialógico do Ensino de Teatro desenvolvido sob a ótica do Diálogo em Paulo Freire, a fim de perceber como esse conceito é compreendido, e como isso influencia e reverbera na estruturação desse planejamento pedagógico e sua execução em salas de aula do Ensino Fundamental I, onde os integrantes do Programa Institucional de Bolsas de Iniciação à Docência subprojeto Teatro da UFRN (PIBID-Teatro/UFRN) atuam. Por meio da observação participante é que se tem trilhado e construído o caminho dessa pesquisa, vivenciando e questionando essa experiência inspirada na proposta pedagógica freireana. A investigação desenvolve um trabalho conjunto com os envolvidos contando com a “dialogicidade” e a “abordagem problematizadora” como fundamentos metodológicos mobilizadores para a construção de conhecimentos, tanto no grupo do PIBID-Teatro/UFRN, quanto no grupo atendido pelos bolsistas desse programa. Desse modo, os referenciais teóricos desta dissertação situam-se nos trabalhos de Paulo Freire no que se refere principalmente ao diálogo, nas sistematizações pedagógicas do Grupo de Estudos e Práticas Educativas em Movimento (GEPEM/UFRN), e nas produções do Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena (CENOTEC/UFRN), no que diz respeito à construção de um processo educativo dialógico que considera as realidades dos sujeitos, estabelecendo relações entre essas realidades e os conhecimentos específicos da área ensinada, relações entre a área específica e outras áreas do conhecimento, e reconhecendo a escola como espaço de diálogo.


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  • O presente trabalho possui como objetivo, a partir da troca e do diálogo com os agentes envolvidos nesse processo de pesquisa participante, problematizar o planejamento pedagógico dialógico do Ensino de Teatro desenvolvido sob a ótica do Diálogo em Paulo Freire, a fim de perceber como esse conceito é compreendido, e como isso influencia e reverbera na estruturação desse planejamento pedagógico e sua execução em salas de aula do Ensino Fundamental I, onde os integrantes do Programa Institucional de Bolsas de Iniciação à Docência subprojeto Teatro da UFRN (PIBID-Teatro/UFRN) atuam. Por meio da observação participante é que se tem trilhado e construído o caminho dessa pesquisa, vivenciando e questionando essa experiência inspirada na proposta pedagógica freireana. A investigação desenvolve um trabalho conjunto com os envolvidos contando com a “dialogicidade” e a “abordagem problematizadora” como fundamentos metodológicos mobilizadores para a construção de conhecimentos, tanto no grupo do PIBID-Teatro/UFRN, quanto no grupo atendido pelos bolsistas desse programa. Desse modo, os referenciais teóricos desta dissertação situam-se nos trabalhos de Paulo Freire no que se refere principalmente ao diálogo, nas sistematizações pedagógicas do Grupo de Estudos e Práticas Educativas em Movimento (GEPEM/UFRN), e nas produções do Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena (CENOTEC/UFRN), no que diz respeito à construção de um processo educativo dialógico que considera as realidades dos sujeitos, estabelecendo relações entre essas realidades e os conhecimentos específicos da área ensinada, relações entre a área específica e outras áreas do conhecimento, e reconhecendo a escola como espaço de diálogo.

2014
Dissertações
1
  • ISABELLE INGRID FREITAS RODRIGUES
  • Criação em processo no espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • MEMBROS DA BANCA :
  • NARA GRACA SALLES
  • TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • GUILHERME BARBOSA SCHULZE
  • Data: 07/02/2014

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  • Este trabalho tem como objetivo investigar o processo criativo do espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment, do coletivo paraibano Tribo Éthnos, fundado na década de 1990 e ainda em atividade. A estratégia metodológica se dá através de estudos descritivos, valendo-se da teoria e prática de diversas linguagens artísticas presentes na obra apontada: artes visuais, performance, literatura e histórias em quadrinho; em ações realizadas pelo coletivo ao longo dos anos, objetivado descrever e analisar o processo de criação do como já apontado do espetáculo de dança Ethnotron-Ghetto Experiment, através da minuciosa coleta de dados por meio entrevistas abertas e semiestruturadas e da pesquisa e também da captação de materiais audiovisuais. A Tribo Éthnos destaca-se na cena local na cidade de João Pessoa e estadual, na Paraíba, visto que, nesse longo percurso de existência do coletivo, além da preocupação em fundir muitas formas artísticas bem como os artistas da Paraíba, aglutina pessoas que fazem arte em outros países e faz das danças urbanas algo instigante. A Tribo ainda preocupa-se com a troca de saberes através de palestras, oficinas, cursos e intercâmbios. A dissertação investiga o processo de criação dos artistas e, especificamente, dos dançarinos utilizando-se principalmente do conceito work in progress, proposto por Renato Cohen, e aplicado ao espetáculo estudado. Apresentam-se descrições dos movimentos coreográficos, do espetáculo de dança paraibano Ethnotron-Ghetto Experiment, de dança de rua da Era Funky, especificamente, com estilos como popping, waving, animation, strobing, floatine/ slidini, tiokine, trebing, breaking, waving, sliding, entre outros; porque estes são parte integrante do processo de criação. Tais estilos remetem ao ilusionismo ou mimetismo, sugerindo em seus movimentos truques, câmeras lentas, flutuações com os pés, entre outros. O coletivo, através do espetáculo, busca a integração dos corpos, procura uma libertação individual e sugere uma sensação de querer voar nas coreografias/cenas. Abordam-se os aspectos do processo criativo: o espaço cênico, o trabalho corporal, a sonoplastia e a roupa/indumentária. Trabalha-se o conceito do corpo virtual de José Gil no aspecto do corpo cênico.

    Abstract: This work aims to investigate the creative process of the show Ethnotron-Ghetto Experiment of the collectiveTribo Éthnos“, from Paraíba, founded in 1990 and is still active. The methodological strategy takes place through descriptive studies, drawing on the theory and practice of various artistic languages present in the pointed work: visual arts, performance, literature and comic books; on actions taken by the collective over the years, aiming to describe and analyze the process of creating the aforementioned dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, through a careful collection of data through open and semi-structured interviews and research and also through uptake of audiovisual materials. The "Tribo Ethnos" stands out in the local scene in the city of João Pessoa and in the State of Paraiba, since, in this long path of the collective existence, beyond the concern for merging many art forms and artists from Paraíba, binds people who make art in other countries and do something exciting through urban dances. The "Tribo" is also concerned with the exchange of knowledge through lectures, workshops, courses and exchanges. This dissertation investigates the creative process of artists, specifically dancers, using mostly the work in progress-concept, proposed by Renato Cohen, studied and applied to the spectacle. We present descriptions of choreographic movements of the dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, specifically street dance from the „Funky Era“ with styles such as popping, waving, animation, strobing, floatine / slidini, tiokine, trebing, breaking, waving , sliding, among others, because they are an integral part of the creation process. These styles  refer to illusionist mimicry, suggesting tricks in his movements, slow motion, fluctuations with the feet, among others. The collective, through this spectacle, aims to integrate the body, seeks an individual liberation and suggests a feeling of wanting to fly in its choreography / scenes. It addresses aspects of the creative process: the scenic area, the body work, the sound, the design and the clothing / costumes. This work also analyses the José Gil's concept of the virtual body  into the aspect of the scenic body.


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  • Este trabalho tem como objetivo investigar o processo criativo do espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment, do coletivo paraibano Tribo Éthnos, fundado na década de 1990 e ainda em atividade. A estratégia metodológica se dá através de estudos descritivos, valendo-se da teoria e prática de diversas linguagens artísticas presentes na obra apontada: artes visuais, performance, literatura e histórias em quadrinho; em ações realizadas pelo coletivo ao longo dos anos, objetivado descrever e analisar o processo de criação do como já apontado do espetáculo de dança Ethnotron-Ghetto Experiment, através da minuciosa coleta de dados por meio entrevistas abertas e semiestruturadas e da pesquisa e também da captação de materiais audiovisuais. A Tribo Éthnos destaca-se na cena local na cidade de João Pessoa e estadual, na Paraíba, visto que, nesse longo percurso de existência do coletivo, além da preocupação em fundir muitas formas artísticas bem como os artistas da Paraíba, aglutina pessoas que fazem arte em outros países e faz das danças urbanas algo instigante. A Tribo ainda preocupa-se com a troca de saberes através de palestras, oficinas, cursos e intercâmbios. A dissertação investiga o processo de criação dos artistas e, especificamente, dos dançarinos utilizando-se principalmente do conceito work in progress, proposto por Renato Cohen, e aplicado ao espetáculo estudado. Apresentam-se descrições dos movimentos coreográficos, do espetáculo de dança paraibano Ethnotron-Ghetto Experiment, de dança de rua da Era Funky, especificamente, com estilos como popping, waving, animation, strobing, floatine/ slidini, tiokine, trebing, breaking, waving, sliding, entre outros; porque estes são parte integrante do processo de criação. Tais estilos remetem ao ilusionismo ou mimetismo, sugerindo em seus movimentos truques, câmeras lentas, flutuações com os pés, entre outros. O coletivo, através do espetáculo, busca a integração dos corpos, procura uma libertação individual e sugere uma sensação de querer voar nas coreografias/cenas. Abordam-se os aspectos do processo criativo: o espaço cênico, o trabalho corporal, a sonoplastia e a roupa/indumentária. Trabalha-se o conceito do corpo virtual de José Gil no aspecto do corpo cênico.

    Abstract: This work aims to investigate the creative process of the show Ethnotron-Ghetto Experiment of the collectiveTribo Éthnos“, from Paraíba, founded in 1990 and is still active. The methodological strategy takes place through descriptive studies, drawing on the theory and practice of various artistic languages present in the pointed work: visual arts, performance, literature and comic books; on actions taken by the collective over the years, aiming to describe and analyze the process of creating the aforementioned dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, through a careful collection of data through open and semi-structured interviews and research and also through uptake of audiovisual materials. The "Tribo Ethnos" stands out in the local scene in the city of João Pessoa and in the State of Paraiba, since, in this long path of the collective existence, beyond the concern for merging many art forms and artists from Paraíba, binds people who make art in other countries and do something exciting through urban dances. The "Tribo" is also concerned with the exchange of knowledge through lectures, workshops, courses and exchanges. This dissertation investigates the creative process of artists, specifically dancers, using mostly the work in progress-concept, proposed by Renato Cohen, studied and applied to the spectacle. We present descriptions of choreographic movements of the dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, specifically street dance from the „Funky Era“ with styles such as popping, waving, animation, strobing, floatine / slidini, tiokine, trebing, breaking, waving , sliding, among others, because they are an integral part of the creation process. These styles  refer to illusionist mimicry, suggesting tricks in his movements, slow motion, fluctuations with the feet, among others. The collective, through this spectacle, aims to integrate the body, seeks an individual liberation and suggests a feeling of wanting to fly in its choreography / scenes. It addresses aspects of the creative process: the scenic area, the body work, the sound, the design and the clothing / costumes. This work also analyses the José Gil's concept of the virtual body  into the aspect of the scenic body.

2
  • LUIZ RENATO GOMES MOURA
  • A Iluminação Cênica no Trabalho do Ator de Teatro

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • MEMBROS DA BANCA :
  • EDUARDO TUDELLA
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 24/02/2014

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  • A presente pesquisa tem como foco principal, investigar como a iluminação cênica pode ser articulada no processo de criação do ator de teatro. Para chegarmos a essa reflexão, se faz necessário compreendermos o espaço da sala de ensaio, no qual o ator trabalha, como um lugar em que sua função recebe influências dos demais artistas que estão também criando o espetáculo. São analisados três processos colaborativos da Cia. de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”, “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, com a finalidade de compreendermos que, o teatro colaborativo potencializa o cruzamento e a troca de experiências na sala de ensaio, colaborando ativamente para a formação dos sujeitos envolvidos na criação. A pesquisa propõe uma investigação de como o processo criativo da iluminação cênica ganhou espaço na encenação teatral e evidencia principalmente como se dá sua criação “co-evolutiva” com o processo criativo do ator. 

     Abstract:This research aims to investigate how the stage lighting can be articulated in the creation of theater actor process. To we reach this reflection, it is necessary to understand the space of the rehearsal room, where the actor works as a place where their function receives influences of other artists who are creating the spectacle.Collaborative processes are analyzed three Cia de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”,   “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, aiming to understand the collaborative theater potentializes, the intersection and the exchange of experiences in the rehearsal room, collaborating actively for the training of persons involved in creating the show. The research proposes an investigation of how the creative process of stage lighting is gaining ground in the rehearsal room in the language of theater directing, showing mainly how is your "co-evolutionary" creation with the creative process of the actor.


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  • A presente pesquisa tem como foco principal, investigar como a iluminação cênica pode ser articulada no processo de criação do ator de teatro. Para chegarmos a essa reflexão, se faz necessário compreendermos o espaço da sala de ensaio, no qual o ator trabalha, como um lugar em que sua função recebe influências dos demais artistas que estão também criando o espetáculo. São analisados três processos colaborativos da Cia. de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”, “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, com a finalidade de compreendermos que, o teatro colaborativo potencializa o cruzamento e a troca de experiências na sala de ensaio, colaborando ativamente para a formação dos sujeitos envolvidos na criação. A pesquisa propõe uma investigação de como o processo criativo da iluminação cênica ganhou espaço na encenação teatral e evidencia principalmente como se dá sua criação “co-evolutiva” com o processo criativo do ator. 

     Abstract:This research aims to investigate how the stage lighting can be articulated in the creation of theater actor process. To we reach this reflection, it is necessary to understand the space of the rehearsal room, where the actor works as a place where their function receives influences of other artists who are creating the spectacle.Collaborative processes are analyzed three Cia de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”,   “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, aiming to understand the collaborative theater potentializes, the intersection and the exchange of experiences in the rehearsal room, collaborating actively for the training of persons involved in creating the show. The research proposes an investigation of how the creative process of stage lighting is gaining ground in the rehearsal room in the language of theater directing, showing mainly how is your "co-evolutionary" creation with the creative process of the actor.

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  • ANDRE LUIZ RODRIGUES BEZERRA
  • Circuito Regional de Performance BodeArte: encontros, coletividade e porítica na performance do Rio Grande do Norte.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • MEMBROS DA BANCA :
  • JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • LUCIO JOSÉ DE SÁ LEITÃO AGRA
  • NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 14/03/2014

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  • Esta dissertação tem por objetivo voltar-se à estrutura do evento Circuito Regional de Performance BodeArte, para pensar, desde seu formato conceitual até seu acontecimento e limitações práticas, como ele em sua proposta aponta questões relevantes para a compreensão da performance brasileira na contemporaneidade. A partir desta proposição, a dissertação organiza-se em três capítulos pautados nos seguintes aspectos: a retomada dos acontecimentos e dados reunidos na ocorrência do Circuito BodeArte, a apresentação de suas escolhas conceituais, e as metáforas conduzidas pelo uso do termo performance e como elas podem nos conduzir a ideia de uma performance-como-BodeArte. As estruturas metodológicas para tanto são de caráter qualitativo, e tomam como base materiais impressos, textos, programas, blog, vídeos, fotografias, entrevistas, palestras e fóruns, além de nossa própria memória como produtor e performer do evento, procurando através destes estabelecer pontos de organização epistemológica da proposta do Circuito, ampliando-os e discutindo-os. Deste modo esta pesquisa desloca-se pelas proposições do evento em suas três edições, promovendo discussões que interpelam e dialogam com conceitos como a emergência de Steve Johnson (2004), as metáforas do pensamento de Christine Greiner, a ideia de performance hacker de Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), assim como outras proposições lançadas por Jan Swidzinski (2005) e Eleonora Fabião (2012).

     ABSTRACT: This dissertation aims to look into the structure of the event Circuito Regional de Performance BodeArte[1] to think how it collaborate with its proposal providing theoretical points to relevant questions to the comprehension of Brazilian performance art in contemporaneity, since its conceptual format until its occurrence and practical limitations. From this proposition the dissertation is organized into three chapters guided for the following aspects: the resumption of the events encompassed on the occurrence of Circuit BodeArte as well as a tabulation of the data reunited in its history, the presentation of its conceptual choices, and the metaphors conducted by the use of the term performance and how they can lead us to the idea of a performance-as-BodeArte. The methodological structures moved for this organization are qualitative, and have been formed from printed materials, texts, festival programs, blog, videos, photos, interviews, lectures and forums, plus our own memory as a producer and performer of the event, looking through these set points of the epistemological organization contained on the proposal of the Circuito, expanding and discussing them. This way this research moves between the propositions of this event in its three editions, promoting discussions that dialogue with concepts such as the emergence of Steve Johnson (2004), the metaphors of thought proposed by Christine Greiner (2005), the idea of performance hacker of Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), as well as other propositions presented by Jan Swidzinski (2005) and Eleonora Fabião (2012).

    [1] Regional Circuit of Performance GoatArt in a free translation. In a brazilian portuguese accent the pronunciation of the word “body”, as in the term “Body Art”, sounds like the word “bode” (goat in Portuguese), this been the reason why the translation may appear confuse to the reader in English version of the term “GoatArt”.


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  • Esta dissertação tem por objetivo voltar-se à estrutura do evento Circuito Regional de Performance BodeArte, para pensar, desde seu formato conceitual até seu acontecimento e limitações práticas, como ele em sua proposta aponta questões relevantes para a compreensão da performance brasileira na contemporaneidade. A partir desta proposição, a dissertação organiza-se em três capítulos pautados nos seguintes aspectos: a retomada dos acontecimentos e dados reunidos na ocorrência do Circuito BodeArte, a apresentação de suas escolhas conceituais, e as metáforas conduzidas pelo uso do termo performance e como elas podem nos conduzir a ideia de uma performance-como-BodeArte. As estruturas metodológicas para tanto são de caráter qualitativo, e tomam como base materiais impressos, textos, programas, blog, vídeos, fotografias, entrevistas, palestras e fóruns, além de nossa própria memória como produtor e performer do evento, procurando através destes estabelecer pontos de organização epistemológica da proposta do Circuito, ampliando-os e discutindo-os. Deste modo esta pesquisa desloca-se pelas proposições do evento em suas três edições, promovendo discussões que interpelam e dialogam com conceitos como a emergência de Steve Johnson (2004), as metáforas do pensamento de Christine Greiner, a ideia de performance hacker de Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), assim como outras proposições lançadas por Jan Swidzinski (2005) e Eleonora Fabião (2012).

     ABSTRACT: This dissertation aims to look into the structure of the event Circuito Regional de Performance BodeArte[1] to think how it collaborate with its proposal providing theoretical points to relevant questions to the comprehension of Brazilian performance art in contemporaneity, since its conceptual format until its occurrence and practical limitations. From this proposition the dissertation is organized into three chapters guided for the following aspects: the resumption of the events encompassed on the occurrence of Circuit BodeArte as well as a tabulation of the data reunited in its history, the presentation of its conceptual choices, and the metaphors conducted by the use of the term performance and how they can lead us to the idea of a performance-as-BodeArte. The methodological structures moved for this organization are qualitative, and have been formed from printed materials, texts, festival programs, blog, videos, photos, interviews, lectures and forums, plus our own memory as a producer and performer of the event, looking through these set points of the epistemological organization contained on the proposal of the Circuito, expanding and discussing them. This way this research moves between the propositions of this event in its three editions, promoting discussions that dialogue with concepts such as the emergence of Steve Johnson (2004), the metaphors of thought proposed by Christine Greiner (2005), the idea of performance hacker of Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), as well as other propositions presented by Jan Swidzinski (2005) and Eleonora Fabião (2012).

    [1] Regional Circuit of Performance GoatArt in a free translation. In a brazilian portuguese accent the pronunciation of the word “body”, as in the term “Body Art”, sounds like the word “bode” (goat in Portuguese), this been the reason why the translation may appear confuse to the reader in English version of the term “GoatArt”.

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  • LEANDRO AUGUSTO E SILVA MIRANDA CAVALCANTE
  • A ARTE DE CONDUZIR-SE PELO ENSINO DE TEATRO: Realidades e Ficções de Alunos-Diretores em Camarão.

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • MEMBROS DA BANCA :
  • ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • ARÃO NOGUEIRA PARANAGUÁ DE SANTANA
  • JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 14/03/2014

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  • Esta dissertação baseia-se em uma experiência teatral de quatro anos (2009-2012) com vinte turmas de 9º ano em uma escola pública de Felipe Camarão, Natal-RN, desenvolvida por mim, e se destina a analisar os procedimentos empíricos experimentados e descobertos por adolescentes que assumiram a função de diretores teatrais frente às suas turmas, buscando montar peças a partir da adaptação de filmes brasileiros, e, portanto descobrir com os próprios conceitos a maneira de lidar com a especificidade das linguagens artísticas em questão. Para tanto, a presente pesquisa aborda o meu papel como orientador destes processos cênicos atribuindo um novo significado ao professor de teatro da escola pública que participa ativamente dos trabalhos, mas potencializa a autonomia dos alunos-diretores em conduzir. Alunos-diretores numa realidade, cujo contexto sócio-cultural influencia diretamente suas construções ficcionais no teatro e que ao refletirem coletivamente, a partir da dialogicidade, entendem a importância do relacionamento entre os membros de um grupo. Esta pesquisa-ação apresenta, por vezes, uma linguagem metafórica com o intuito de enfatizar o universo destes adolescentes, e adentra em temas ligados à pedagogia freireana tentando estabelecer uma ponte entre a realidade dos adolescentes oprimidos e o protagonismo adquirido com o envolvimento nas ficções das peças montadas, acomodando aspectos da pedagogia de Makarenko, no tocante à cooperação coletiva de um grande grupo. Deste modo, a pesquisa mergulha profundamente na caracterização do ambiente que cerca estes alunos procurando entender as identidades culturais e suas influências estéticas na criação de seus espetáculos. Associa ainda experiências e intuições de alunos na condução teatral com outras teorias ou teóricos do teatro como o Teatro Épico em Brecht, o Teatro Pobre de Grotowski, o Teatro Popular, o Teatro do Absurdo, o Teatro do Oprimido desenvolvido por Boal apontando conceitos também de Stanislavski, Tchékhov, e Meyerhold. Utiliza ainda conceitos ligados à mídia, à mistura da realidade com a ficção e aos processos de condução em um grupo, como um fenômeno nominado “efeito de condução”. Faz assim a leitura artística de quatro encenações (no total), selecionadas uma por ano, tentando formalizar conceitos teatrais outrora discutidos. Por fim, mesmo estando minha participação diluída no texto, traz algumas conversas com encenadores que gostam de ensinar e aprender.

    Abstract: This dissertation is based on a theatre experience of four years (2009-2012), with twenty classes of the 9th grade in a public school of Felipe Camarão, Natal- RN. It was developed by me, and it is intended to analyze the empirical procedures experienced and discovered by teenagers who took the role of theater directors before their classes, seeking to set up plays through the adaptation of Brazilian films, and thus to discover with their own concepts how to deal with the specificity of the artistic languages in question. Therefore, this research approaches my role as the advisor for these scene processes, assigning a new meaning to the public school drama teacher who participates actively in the activities, but enhances the autonomy of the student-directors in directing. Student-directors in a reality whose socio- cultural context directly influences their fictional constructions in the theater and who, when to reflect collectively, understand the importance of the relationship between members of a group, from what concerns dialog. This research-action sometimes uses metaphorical language – in order to emphasize the universe of these teenagers – and enters themes related to Freire's pedagogy, trying to build a bridge between the oppressed teenagers reality and the main role acquired (by the teenagers) from the involvement in the fiction of the plays set up, accommodating aspects of Makarenko´s pedagogy, regarding the collective cooperation of a large group. Thus, the research goes deeply into the characterization of the environment which surrounds these students, seeking to understand the cultural identities and their aesthetic influences in creating their shows. This work still associates students' intuition and experiences in theater directing with other theories or theater theorists, like Brechtian Epic Theatre, Grotowski's Poor Theatre, o Teatro Popular, the Theatre of the Absurd, Theatre of the Oppressed (developed by Boal), also pointing concepts from Stanislavski, Tchékhov, and Meyerhold. It still uses concepts related to media, the mix of reality and fiction and the directing processes in a group, like a phenomenon named "direction effect". In this way, it does an artistic reading of four plays (in total), selected once a year, trying to formalize theatre concepts previously discussed. Finally, even being my part diluted in the text, it brings up some conversation with directors who like to teach and learn.

     


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  • Esta dissertação baseia-se em uma experiência teatral de quatro anos (2009-2012) com vinte turmas de 9º ano em uma escola pública de Felipe Camarão, Natal-RN, desenvolvida por mim, e se destina a analisar os procedimentos empíricos experimentados e descobertos por adolescentes que assumiram a função de diretores teatrais frente às suas turmas, buscando montar peças a partir da adaptação de filmes brasileiros, e, portanto descobrir com os próprios conceitos a maneira de lidar com a especificidade das linguagens artísticas em questão. Para tanto, a presente pesquisa aborda o meu papel como orientador destes processos cênicos atribuindo um novo significado ao professor de teatro da escola pública que participa ativamente dos trabalhos, mas potencializa a autonomia dos alunos-diretores em conduzir. Alunos-diretores numa realidade, cujo contexto sócio-cultural influencia diretamente suas construções ficcionais no teatro e que ao refletirem coletivamente, a partir da dialogicidade, entendem a importância do relacionamento entre os membros de um grupo. Esta pesquisa-ação apresenta, por vezes, uma linguagem metafórica com o intuito de enfatizar o universo destes adolescentes, e adentra em temas ligados à pedagogia freireana tentando estabelecer uma ponte entre a realidade dos adolescentes oprimidos e o protagonismo adquirido com o envolvimento nas ficções das peças montadas, acomodando aspectos da pedagogia de Makarenko, no tocante à cooperação coletiva de um grande grupo. Deste modo, a pesquisa mergulha profundamente na caracterização do ambiente que cerca estes alunos procurando entender as identidades culturais e suas influências estéticas na criação de seus espetáculos. Associa ainda experiências e intuições de alunos na condução teatral com outras teorias ou teóricos do teatro como o Teatro Épico em Brecht, o Teatro Pobre de Grotowski, o Teatro Popular, o Teatro do Absurdo, o Teatro do Oprimido desenvolvido por Boal apontando conceitos também de Stanislavski, Tchékhov, e Meyerhold. Utiliza ainda conceitos ligados à mídia, à mistura da realidade com a ficção e aos processos de condução em um grupo, como um fenômeno nominado “efeito de condução”. Faz assim a leitura artística de quatro encenações (no total), selecionadas uma por ano, tentando formalizar conceitos teatrais outrora discutidos. Por fim, mesmo estando minha participação diluída no texto, traz algumas conversas com encenadores que gostam de ensinar e aprender.

    Abstract: This dissertation is based on a theatre experience of four years (2009-2012), with twenty classes of the 9th grade in a public school of Felipe Camarão, Natal- RN. It was developed by me, and it is intended to analyze the empirical procedures experienced and discovered by teenagers who took the role of theater directors before their classes, seeking to set up plays through the adaptation of Brazilian films, and thus to discover with their own concepts how to deal with the specificity of the artistic languages in question. Therefore, this research approaches my role as the advisor for these scene processes, assigning a new meaning to the public school drama teacher who participates actively in the activities, but enhances the autonomy of the student-directors in directing. Student-directors in a reality whose socio- cultural context directly influences their fictional constructions in the theater and who, when to reflect collectively, understand the importance of the relationship between members of a group, from what concerns dialog. This research-action sometimes uses metaphorical language – in order to emphasize the universe of these teenagers – and enters themes related to Freire's pedagogy, trying to build a bridge between the oppressed teenagers reality and the main role acquired (by the teenagers) from the involvement in the fiction of the plays set up, accommodating aspects of Makarenko´s pedagogy, regarding the collective cooperation of a large group. Thus, the research goes deeply into the characterization of the environment which surrounds these students, seeking to understand the cultural identities and their aesthetic influences in creating their shows. This work still associates students' intuition and experiences in theater directing with other theories or theater theorists, like Brechtian Epic Theatre, Grotowski's Poor Theatre, o Teatro Popular, the Theatre of the Absurd, Theatre of the Oppressed (developed by Boal), also pointing concepts from Stanisla