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Dissertações |
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SEBASTIÃO DE SALES SILVA
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“SAUDADES Z(É)”: METAFORIZANDO A CONSTRUÇÃO DO CORPO BRINCANTE
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Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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MEMBROS DA BANCA :
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ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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TEODORA DE ARAUJO ALVES
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LARA RODRIGUES MACHADO
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Data: 06/01/2017
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O texto em mãos tem como objetivo central apresentar a pesquisa intitulada “Saudades Z(é): Metaforizando a construção do corpo brincante”. A pesquisa aqui descrita faz referência às memórias do ator-pesquisador, Sebastião Silva, acerca da brincadeira do Boi de Reis da comunidade do Sítio de Santa Cruz, da Cidade de Vera Cruz/RN. A metáfora da construção do corpo cênico já é uma poética, um exercício de arte. E é nesta perspectiva que se dá a metáfora da construção do corpo do brincante “Zé de Moura” enquanto uma pedagogia da cena. Optamos por um recorte sobre o corpo desse brincante que assumiu durante muitos anos o personagem do Mateus na brincadeira do Boi de Reis. A pesquisa atravessa as memórias de um povo, dos brincantes do Boi de Reis e do pesquisador enquanto aquele que se contaminou com a magia da brincadeira. Ela ancora-se no processo ritual (TURNER, 1974), a partir dos conceitos de tempo liminar, estrutura e antiestrutura e precisamente na memória como recriação do vivido (LEONARDELLI, 2008).
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This paper aims to present a study entitled “Saudades Z(é): metaphorizing the construction of the body brincante.” The research makes reference to the memoirs of the author-researcher, Sebastião Silva, about the game Boi de Reis in the community Sítio de Santa Cruz, in Vera Cruz city/RN. The metaphor of the construction of the scenic body is already poetry, an art exercise. It is from that perspective that occurs the metaphor of the construction of the body brincante “Zé de Moura” as pedagogy of the scene. It was chosen a snip about the body of brincante that assumed for many years the character Mateus in the game Boi de Reis. The research passes through the memoirs of a people, brincantes of the Boi de Reis and the researcher as the one that infected themselves with the magic of the game. It is anchored in the ritual process (TURNER, 1974), from the concepts of beginning time, structure and anti-structure and precisely in the memoir as recreation of the lived (LEONARDELLI, 2008).
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ANA LUIZA PALHANO CAMPOS SILVA
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O CENOTEC/UFRN:estudo sobre uma proposta de ensino de Cenografia na Licenciatura em Teatro
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Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MEMBROS DA BANCA :
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JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MELISSA DOS SANTOS LOPES
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FÁTIMA COSTA DE LIMA
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Data: 30/01/2017
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Esta dissertação possui como tema de estudo o papel do ensino de Cenografia na formação do professor de Teatro. Nesse sentido, buscou-se apresentar uma análise sobre a proposta de formação em Cenografia ofertada pelo Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena - CENOTEC aos alunos do curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN. Trata-se de uma pesquisa de natureza qualitativa que, utilizando os métodos e as técnicas do estudo de caso como observação participante, entrevistas, questionários e análise de documentos e registros (fotográficos e cinematográficos), visou refletir como esse laboratório contribui para a formação do professor de Teatro nesta universidade, quais ações pedagógicas desenvolve e quais os desafios enfrenta. Para a construção desta análise, a pesquisa dialoga com autores como Pâmela Howard (2009) e Mickinney e Butterworth (2009), na discussão sobre Cenografia e suas transformações nos séculos XX e XXI, além de Araújo (2005), Freire (2010), Leite (1996), Salles (2012) e Alves (2006) no debate sobre ensino de Cenografia e formação de professores. Portanto, por meio desta investigação, busca-se difundir e ampliar as discussões sobre os aspectos pedagógicos do ensino de Cenografia para além dos aspectos técnicos no campo da Pedagogia Teatral.
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This dissertation project has as study subject the role of scenography teaching in the formation of the Theatre teacher. In this sense, seeks to present an analysis of the training proposal in scenography offered by Scenographic Studies and Scene Technologies Laboratory - CENOTEC to the students of bachelor's degree in Theatre of the Federal University of Rio Grande do Norte – UFRN. This is a qualitative research, using the methods and techniques of the case study as participant observation, interviews, questionnaires and analysis of documents and records (photographic and cinematographic), that aims to reflect how this laboratory contributes to the formation of Theatre teacher at this university, which educational activities develops and what challenges facing. For the construction of this analysis, the research dialogues with authors like Pamela Howard (2009) and Mickinney and Butterworth (2009), about the discussion of scenography and its transformations in the twentieth and twenty-first centuries, and Araújo (2005) and Freire (2005), in the debate about scenography teaching and teachers training. Therefore, through this research, we seek to spread and expand discussions on the pedagogical aspects of scenography teaching beyond the technical aspects in the field of Theatre Pedagogy.
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CLARA TALHA MELO DE SOUSA
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A VOZ DO DONO E O DONO DA VOZ: PROPRIOCEPÇÃO NA PREPARAÇÃO VOCAL DO ATOR
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Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MEMBROS DA BANCA :
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ANDRE CARRICO
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ERNANI DE CASTRO MALETTA
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JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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Data: 30/01/2017
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A presente dissertação investigou por meio de pesquisa teórico-prática o conceito de propriocepção, conforme Damásio (2011), estratégias de trabalho de preparação vocal que potencializem as capacidades vocais dos atores de teatro, como forma de contribuir para o desenvolvimento de suas identidades vocais, técnicas pessoais e rotinas de aquecimento e desaquecimento vocal. Nessa perspectiva, averiguamos a relevância do trabalho de expressão vocal com técnicas como o método Belting Contemporâneo, tendo em vista expandir a imagem vocal, a respiração e a percepção da voz e seus recursos num grupo de quinze atores adolescentes. Como culminância das sessões experimentais e para enriquecer nossa reflexão crítica, fizemos o acompanhamento e documentação de uma experimentação cênica com o grupo “Cabe na sacola”, formado por estudantes do IFPB – “Instituto Federal de Educação Ciência e Tecnologia da Paraíba”.
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This dissertation is the record of a theoretical and practical research on vocal preparation strategies that enhance the vocal abilities of theater actors, in order to contribute to the development of their vocal identities, personal techniques and warm-up routines and vocal slowdown, with based on the concept of proprioception, as Damasio (2011) ascertained the relevance of utterance work with techniques such as Belting Contemporary method, in order to expand the vocal image, breathing and perception of voice and its resources in a fifteen group teenage actors. As a culmination of the experimental sessions and to enrich our critical reflection, we made the monitoring and documentation of a scenic experimentation with It group” Cabe na Sacola”, formed by students of IFPB - "Federal Institute of Science Education and Technology of Paraíba", the results were evaluated at the Clinical School of Speech, Federal University of Paraíba UFPB-and showed respiratory and phonation improvements.
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DAIANI CEZIMBRA SEVERO ROSSINI BRUM
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A atuação de palhaças e palhaços: o hospital como palco de encontros
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Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
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MEMBROS DA BANCA :
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KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
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MÁRCIA MARIA STRAZZACAPPA HERNANDEZ
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ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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Data: 10/02/2017
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O presente trabalho trata-se de uma investigação em Artes Cênicas que teve como mote algumas inquietações pessoais da autora ao atuar como palhaça em hospitais de São Paulo e de Natal. A partir dessa experiência profissional, identificou-se que há peculiaridades no trabalho de atriz e de palhaça próprias aos diferentes espaços da sociedade. No contexto aqui pesquisado, destaca-se a necessidade que as figuras palhacescas têm de engendrar uma abertura em que possam se relacionar com os seres e com os acontecimentos do espaço e do tempo hospitalares. Por isso, pergunta-se: comparado aos demais âmbitos de atuação palhacesca, quais são as principais peculiaridades do hospital? Com base na experiência de profissionais palhaças e palhaços que atuam em contextos hospitalares, quais são os principais aspectos a serem considerados na atuação nesses espaços? No intuito de responder a essas questões, objetiva-se investigar a atuação de palhaças e palhaços em palcos hospitalares, contextualizando, para isso, tal atuação no âmbito das práticas cênicas. Além disso, a partir da descrição de experiências nos campos hospitalares, pretende-se identificar os principais aspectos que configuram essas vivências artísticas em contato com o cotidiano do hospital. Com base numa metodologia fenomenológica fundamentada em Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), buscou-se dialogar com experiências palhacescas hospitalares através de entrevistas realizadas com sete membros da Organização Não Governamental (ONG) Doutores da Alegria, bem como com o palhaço Ésio Magalhães, que fez parte do elenco da ONG até o ano de 2003. Como resultados desta pesquisa propõe-se a discussão sobre o jogo cênico a partir da mescla das técnicas de treinamento pessoal e das sensibilidades de cada artista, como também a atuação palhacesca no hospital como experiências de encontros teatrais. Para tanto o referencial teórico abrange a Fenomenologia de Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), o conceito de Jogo colocado por Huizinga (2014) e os estudos brasileiros sobre o riso, o cômico e a palhacaria, tais como os de Burnier (2001), Viveiros de Castro (2005), Bolognesi (2006), Kásper (2004), Wuo (1999; 2011) e Sacchet (2009).
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This work is an investigation in Scenic Arts that had as motto some personal concerns of the author when acting as a clown in hospitals of São Paulo and Natal. From this professional experience, it has been identified that there are peculiarities in the work of actress and clown in different spaces of the society. In the context researched here, it is emphasized the need for the clowns to have to engender an opening in which they can relate to beings and to the events of space and hospital time. Therefore, it is asked: what are the main peculiarities of the hospital compared to the other areas of palhaceous activity? Based on the experience of professional clowns who work in hospital settings, what are the main aspects to be considered in acting in these spaces? In order to answer these questions, the objective is to investigate the performance of clowns in hospitals, contextualizing, for this, such action within the framework of scenic practices. In addition, from the description of experiences in the hospital fields, we intend to identify the main aspects that configure these artistic experiences in contact with the daily life of the hospital. Based on a phenomenological methodology based on Merleau-Ponty (2006, 2007, 2011), we sought to dialogue with hospital clownings experiences through interviews with seven members of the Non-Governmental Organization (NGOs) Doutores da Alegria, as well as the clown Ésio Magalhães, who was part of the NGO's cast until the year 2003. As a result of this research, we propose to discuss the scenic play based on the mixture of personal training techniques and the sensibilities of each artist, as well as the performance of clown in the hospital as experiences of theatrical meetings. In order to do so, the theoretical reference covers the Merleau-Ponty Phenomenology (2006, 2007, 2011), the play concept posed by Huizinga (2014) and the Brazilian studies on laughter, comics and palhacaria, such as Burnier 2001), Viveiros de Castro (2005), Bolognesi (2006), Kásper (2004), Wuo (1999; 2011) and Sacchet (2009).
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NYKAELLE APARECIDA PEREIRA DE BARROS
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Técnica de bufão: Possibilidades teórico-práticas para o ator contemporâneo
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Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
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MEMBROS DA BANCA :
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ANDRE CARRICO
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JOSÉ AMÂNCIO TONEZZI RODRIGUES PEREIRA
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MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
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Data: 15/02/2017
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O bufão tem uma forte representação social. Sua imagem pode provocar repúdio e estranheza, mas também, sua liberdade gestual e verbal pode produzir admiração, uma vez que ele demonstra desejos e instintos que o homem comum possui, mas que procura esconder de si mesmo e da sociedade, devido aos padrões e tabus impostos por esta. Atualmente, ao trabalhar com a ideia bufonesca a partir da deformação física, o figurino é de extrema importância; porém, a corporeidade construída através do treinamento com esta técnica, é fundamental para que não tenhamos apenas uma imagem superficial da bufonaria. Acreditamos que para a constituição de tal figura o ator deve buscar um corpo que pareça verdadeiro, pela qualidade de sua caracterização e, principalmente, pelo seu trabalho de criação. A pesquisa teve como objetivos compreender como se dá a construção do corpo bufonesco e como este se configura na transformação do corpo do ator, bem como inquerir como se constrói tal corpo a partir das oficinas e espetáculos do Grupo Bufões de Olavo. Para tanto, partiu-se de tais questionamentos: Como a técnica de bufão pode ser potente no treinamento do ator/atriz? Como se configura o corpo bufonesco ético/estético na contemporaneidade e como tal técnica de bufão pode ser utilizada nos processos de formação do ator/atriz contemporâneo? A proposição metodológica utilizada foi a observação participante como uma metodologia que não se coloca como agente de interferência direta, mas, que está envolvida completamente, sendo necessário um registro minucioso, que pode ser feito em material audiovisual, para que o pesquisador possa observar inclusive a si mesmo, dentro do processo de construção do trabalho realizado. Através da montagem do espetáculo “Wanderer – O Reino dos Cegos”, investigamos os exercícios dentro da técnica de bufão, experimentamos e discutimos. Percebemos o quanto amadurecemos e o quão importante tem sido trabalhar com esta estética, desenvolvendo nosso discurso enquanto artistas, pessoas, produtores de arte. Desenvolvemos oficinas e performances, que nos deram a oportunidade de observar a reverberação desse trabalho em outras pessoas, podendo perceber a potência dessa pesquisa na contribuição do nosso trabalho e de outros artistas que pudemos ter contato.
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The buffoon has a strong social representation. His image may provoke repudiation and strangeness, but also his gesture and verbal freedom can produce admiration, since he demonstrates desires and instincts that the common man possesses, but which seeks to hide from himself and society, due to the standards and taboos Imposed by it. Nowadays, when working with the buffoon idea from the physical deformation, the costumes are extremely important; But the corporeality constructed through training with this technique is fundamental so that we do not have only a superficial image of the buffoonery. We believe that for the constitution of such a figure the actor must seek a body that seems true, for the quality of its characterization and, mainly, for its work of creation. The research had as objectives to understand how the construction of the buffoon body and how this one is configured in the transformation of the body of the actor, as well as inquerir how is constructed such body from the workshops and spectacles of the GrupoBufões de Olavo. To do so, we started with such questions: How can the buffoon technique be potent in the training of the actor / actress? How is the ethical / aesthetic buffoonish body configured in contemporaneity and how can such a buffoon technique be used in the processes of contemporary actor / actress formation? The methodological proposition used was participant observation as a methodology that is not used as a direct interference agent, but which is completely involved, requiring a detailed recording, which can be done in audiovisual material, so that the researcher can observe even the Itself, within the process of building the work done. Through the assembly of the show "Wanderer - The Kingdom of the Blind", we investigated the exercises within the buffoon technique, experimented and discussed. We realize how much we mature and how important it has been to work with this aesthetic, developing our discourse as artists, people, producers of art. We developed workshops and performances, which gave us the opportunity to observe the reverberation of this work in other people, being able to perceive the power of this research in the contribution of our work and other artists that we could have contact with.
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ANA RACHEL DA SILVA CAVALCANTE
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ELES NÃO USAM BLACK-TIE: UMA LEITURA DAS MICRO-RELAÇÕES DE PODER
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Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
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MEMBROS DA BANCA :
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NAIRA NEIDE CIOTTI
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TEODORA DE ARAUJO ALVES
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SANDRA AMÉLIA LUNA CIRNE DE AZEVEDO
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Data: 17/02/2017
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Esta pesquisa possui como principal objetivo analisar e estudar as micro-relações de poder existentes entre as personagens da peça Eles Não Usam Black-Tie, escrita por Gianfrancesco Guarnieri, em 1955. Pretendemos também mostrar um experimento cênico, no qual buscamos visualizar os micro-poderes em cena. A metodologia escolhida inclui a leitura do texto de Guarnieri observando a inter-relação entre as personagens. Esta observação é realizada sob a perspectiva do poder. O nosso principal suporte teórico para a realização das análises é um conjunto de colocações apresentadas pelo pensador francês Michel Foucault, especialmente a respeito da obra Microfísica do Poder e das questões referentes às teias do poder. As reflexões trazidas por Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço e Anatol Rosenfeld foram também primordiais para entender os aspectos dramatúrgicos da peça, como também a estrutura macropolítica da época em que ela foi encenada. Desse modo, a pesquisa visa facilitar a percepção para as micro-relações presentes no texto Eles Não Usam Black-Tie, bem como expor uma possibilidade de visualização cênica destes elementos. Para isto, utilizamos para a reflexão cênica autores como: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Ana Alvarado, Roberto Machado e Gilles Deleuze.
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This research is focused in the analysis of the micro-relations of power consisted between characters in the play Eles Não Usam Black-Tie, written by Gianfrancesco Guarnieri, in 1955. In this context, we will present a scenic experiment which represents the micro-power inside the scene. The methodology used in this study was based on the reading of the Guarnieri’s play and making observations about the inter-relationship between the characters. This observation is made from the perspective of power. To support our analyses, we used the set of placements showed by the French writer Michel Foucault, especially in his work Microfisica do Poder which presents the influences of the power. We used the reflexions obtained by Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço and Anatol Rosenfeld to understand the dramatic aspects and the macro-political structure of the time where the play was written. Thus, this research aims to make an easier understanding of the perception of micro-relations present in Eles Não Usam Black-Tie and show a possible visualization of these elements inside the scene. In this respect, we used the reflexions obtained in works from authors as: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Ana Alvarado, Roberto Machado e Gilles Deleuze.
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CAMILA SILVEIRA DUARTE
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AFECÇÕES E PAISAGENS IN TRANSIT: Processos de Desterritorialização / Reterritorialização e Deslocamentos Poéticos nas Obras da Artista Afegã Lida Abdul
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Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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MEMBROS DA BANCA :
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LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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MARIA BRÍGIDA DE MIRANDA
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ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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Data: 22/02/2017
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Esta pesquisa tem como intuito apresentar uma reflexão acerca da trajetória artístico-biográfica da artista afegã Lida Abdul (1973), a partir da análise de três de suas obras: “In Transit” (2008), “Military / Body” (2004) e “Global Porn” (2002), nas quais levanta questões e aborda temas sobre intervenções artísticas em territórios de conflito, relações entre corpo e violência, e reflexões sobre a dialética entre o sistema capitalista e performances políticas, respectivamente. Também serão discutidos, em consonância com as obras da artista, os conceitos de desterritorialização e reterritorialização, identidades móveis, e fronteiras permeáveis entre as linguagens artísticas, tendo como objeto direto para esse diálogo: a Performance Art.
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The main goal from this research is to reflect about the art with life and journey from the afghan artist Lida Abdul (1973), analysing and reviewing three of her works: “In Transit” (2008), “Military / Body” (2004) and “Global Porn” (2002). She rises questions concerning artistic interventions at conflict areas, the relationship between body and violence, and reflections about the dialectic between the capitalism system and political performances, respectively. Also, as a part of her work, it will be discussed the concept of desterritorialization and reterritorialization, mobil identities, porous borders, between artistic languages, where the Performance Art becomes a straight object for its dialogue.
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KARLA LIDIANE COSTA MARTINS SILVA
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Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção.
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Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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MEMBROS DA BANCA :
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JOHN COWART DAWSEY
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LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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Data: 22/02/2017
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A presente dissertação, intitulada Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção, trafega sobre os solos da arte e do sagrado, aqui abordados por meio de uma pesquisa prática/teórica encampada pela artista-pesquisadora Karla Martins acerca do seu mito-guia: Santa Teresinha do Menino Jesus. A santa francesa, também conhecida como da Sagrada Face, manifesta-se nesta investigação a partir do campo da mitologia pessoal da artista-pesquisadora e é desvelada por uma experiência performática. Para a construção desta experiência, lança-se mão da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, práticas/conceitos capitaneados pela Prof. Ph.D. Luciana Lyra (UERJ / UFRN), que, por sua vez, estão ligados aos campos da Antropologia da Experiência (Antropologia da Performance), do antropólogo Victor Turner, e da Antropologia do Imaginário, do sociólogo Gilbert Durand, que em si transitam acerca de ritos de passagem, da imagem, do mito e do ritual. A partir da aplicação dos procedimentos mitodológicos, vê-se eclodir as pulsões mais íntimas da artista-pesquisadora, que perpassam a escrita e a criação da performance Thérèse.
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This dissertation, entitled Thérèse, ecstasy of an offered body: the mythodological journey of a f(r)iction artist, travels over the grounds of art and holiness, discussed here by means of a practical/theoretical research embraced by the artist-researcher Karla Martins about her guide-myth: Saint Therese of the Child Jesus. The French saint, also known as the Holy Face, manifests itself in this investigation through the scope of the artist-researcher’s personal mythology and unveils herself through a performative experience. In order to carry such experience on, the research was based on the Mythodology in Art and the Artethnography, practices/concepts upheld by Prof. Ph.D. Luciana Lyra (UERJ), which, in turn, are connected to the fields of Anthropology of Experience (Anthropology of Performance), led by anthropologist Victor Turner, and Anthropology of the Imaginary, led by sociologist Gilbert Durand, which by their turn involve rites of passage, image, myth and ritual. The application of these mythodological procedures cause the most intimate of the artist-researcher’s pulsions to erupt and pervade her writing, as well as the creation of the performance Thérèse itself.
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WALLACE JOSÉ DE OLIVEIRA FREITAS
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DOSSIÊ JAN FABRE: DIÁLOGOS E GERMINAÇÕES
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Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
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MEMBROS DA BANCA :
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NAIRA NEIDE CIOTTI
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LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
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MARA LUCIA LEAL
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Data: 22/02/2017
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O presente trabalho procura desenvolver reflexões no campo das artes sobre as possibilidades de teatro para além do texto clássico (aristotélico) e das separações homogêneas das linguagens artísticas levando em consideração duas produções do artista belga Jan Fabre. Entendendo que teatro performativo seria esse lugar entre o teatro e a performance, onde um percebe no outro a capacidade de germinação, objetiva-se apresentar esse artista e utilizar como base as obras The Power of Theatrical Madness (o reenectament de 2012) e Mount Olympus (uma performance de 24 horas de duração – 2015), e, ainda, a sede do diretor – o Troubleyn / Laboratorium. A partir do título do trabalho, sou encaminhado para a ideia de dossiê enquanto espécie de coleção de documentos ou “pequeno arquivo” que contém algum assunto para análise. Nessa ideia, procuro desmembrar características do trabalho artístico de Fabre. Trata-se de obras específicas, mas cuja análise crítica acaba por denunciar o modus operandi de Fabre como um todo. Reside aqui, uma tentativa de traduzir Fabre e seu trabalho, não somente no que tange à linguagem, mas no que se refere às imagens, vídeos e buscas. É uma tradução das várias informações e entrevistas realizadas ao longo dessa jornada. É a tradução também do que eu sinto, percebo e assimilo nesses diálogos constantes com o Troubleyn.
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The present study aims to develop reflections in the arts field about the theater possibilities beyond the classic text (Aristotle) and homogeneous separation of the artistic languages taking into consideration two productions of the Belgian artist Jan Fabre. Understanding that Performative Theater would be this place between the theater and the performance, where one realizes on the other the germination ability. It’s the intention to introduce this artist and use as a basis of study his works The Power of Theatrical Madness (1984 – 2012), and Mount Olympus (a twenty four-hours performance – 2015) and also his head office, the Troubleyn / Laboratorium. From the title of this work, I walk into the dossier idea as a kind of documents collection or a short file, that carries some subject for analysis. This way, I intend to dismember the features of Jan Fabre’s artwork. However these are specifics works, its critical analysis turns out to reveal Fabre’s modus operandi as a whole. Here is an attempt to translate Fabre and his works, not only with regard to the language, but to translate what comes from pictures, videos and searches. It´s a translation of information I receive and interviews I´ve done throughout my journey. It´s also a translation of what I feel, I realize and assimilate through these constant dialogues with Troubleyn.
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JANAINA GOMES DA SILVA
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Cara da Mãe: uma jornada de criação pela via da Mitodologia em Arte
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Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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MEMBROS DA BANCA :
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LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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MÁRCIA VIRGINIA BEZERRA DE ARAUJO
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Data: 22/02/2017
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Em meio ao desejo de contar a história de sua mãe e de suas antepassadas por meio da dança e do teatro, Janaína Gomes engravidou de Lótus, seu filho. No mesmo tempo/espaço, duas outras artistas, Ana Luiza Bione e Íris Campos, também grávidas, foram convidadas por Janaína a adentrarem no processo e juntas fundaram o Coletivo Cênico Tenda Vermelha, em Recife-PE, no ano de 2012. A busca por uma escrita de si partindo da experiência materna de cada artista-criadora deste coletivo fez do encontro com a Mitodologia em Arte um ‘caminho de criação’, um meio de transpor para a cena as experiências vivenciadas pelas artistas em contato também com outros coletivos de mães. A Mitodologia em Arte, criada pela Profa. PhD. Luciana Lyra a partir de seus estudos acerca da Antropologia do Imaginário de Gilbert Durand (2012) e da Antropologia da Experiência capitaneada por Victor Turner (1986), é um complexo de criação cênica que lida com forças pessoais as quais movem o atuante na relação consigo mesmo e com a alteridade, em retroalimentação (2010). A presente dissertação visa justamente desvelar a trama investigativa empreendida por Janaína Gomes e o Tenda Vermelha pela via mitodológica, e que acabou por resultar no espetáculo intitulado Cara da Mãe (2015), dirigido por Lyra. Escrito de forma autobiográfica (JOSSO, 2009), e performática (LYRA, 2010), a dissertação toma ainda como guia a jornada do herói (CAMPBELL, 2007).
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Mostrar Abstract
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Between the desire of tell the history of her ancestors and her mother through the dance and the theater, Janaína Gomes got pregnant of Lótus, her son. During the same time/space, two other artists - Ana Luiza Bione and Íris Campos, also pregnants, were invited by Janaina to join in the process and together they founded the theatrical group call “Coletivo Cênico Tenda Vermelha”, in the City of Recife- PE, in the year of 2012. The search for a self-writing based on the maternal experience of each artist-creator of this group made the encounter with the “Mitodologia em Arte” a 'path of the creation process', a way of transport to the scene the experiences lived by the artists and also the contact with other group (collective) of mothers. The “Mitodologia em Arte” was created by the PhD. Professor Luciana Lyra from her studies on “Antropologia do Imaginário” by Gilbert Durand (2012) and the “Antropologia da Experiência” captained by Victor Turner (1986), it’s a complex of scenic creation that deals with personal forces that moves the actor in relation to himself and the sense of otherness, in constant feedback (2010). The present dissertation aims to unveil the investigative plot undertaken by Janaína Gomes and the “Coletivo Cênico Tenda Vermelha” through the ‘mitodologia” path, which ended up in the performance “Cara da Mãe” (2015) directed by Lyra. Written in an autobiographical (JOSSO, 2009), and performatic (LYRA, 2010), this dissertation still takes the hero's journey (CAMPBELL, 2007).
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TATIANE CUNHA DE SOUZA
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O GRUPO MARÉ DE ARTES E A COMUNHÃO RITUALÍSTICA: UM JOGO ENTRE SUJEITOS DE F(R)ICÇÃO
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Orientador : LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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MEMBROS DA BANCA :
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LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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MELISSA DOS SANTOS LOPES
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ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
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Data: 23/02/2017
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A presente pesquisa tem como estudo central o processo de criação e as experiências cênico-rituais construídas junto aos integrantes do Grupo Maré de Artes – Programa Mais Cultura Nas Escolas, da Escola Municipal Edinor Avelino – Macau/RN, em que a pesquisadora atuou como professora de Teatro, entre os anos de 2014 e 2016. Tal processo criativo foi fomentado a partir de caminhos pedagógicos experienciados, que focam em princípios e procedimentos ritualísticos do jogo e da cena. Da vivência com o Bando La Trupe, desenvolvendo experiências de arte pública, passando pelo Arkhétypos Grupo de Teatro e a proposição da arte do encontro, chegando à Unaluna e os conceitos/práticas da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, a pesquisadora aponta o aluno-atuante como sujeito de f(r)icção (LYRA, 2014), que atrita suas histórias reais e ficcionais, transitando entre o real e o imaginário, numa constante f(r)icção dele com ele mesmo, dele com o outro e com a comunidade que está inserido.
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This research has as its central study the creative process and the ritual scenic experiences built between the participants linked to the Grupo Maré de Artes – Programa Mais Cultura Nas Escolas, of the Escola Municipal Edinor Avelino – Macau/RN, where the researcher worked as a Theatre teacher, between the years 2014 and 2016. This creative process was instigated from educational paths that were experienced and that focus on the principles and ritualistic procedures of the scene and the game. From the experience with Bando La Trupe, developing public art experiences; through Arkhétypos Grupo de Teatro and the proposition of the art of the encounter; getting to Unaluna and the concepts/practices of the Mithodology in Art and Artetnography, the researcher points out the student-active as a subject of f(r)iction (LYRA, 2014), which rubs his real and fictional stories, strolling between the real and the imaginary, in a constant f(r)iction from him with himself, with each other and with the community he is inserted.
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ALEXANDRE ARAÚJO DE OLIVEIRA
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MAPEAMENTO SENTIMENTO-EMOCIONAL DA OBRA CINZAS AO SOLO: URDIDURAS DE UMA CRIAÇÃO EM DANÇA.
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Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
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MEMBROS DA BANCA :
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KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
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LAIS GUARALDO
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LARA RODRIGUES MACHADO
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LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
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Data: 23/02/2017
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O texto ora apresentado é resultado da pesquisa de cunho teórico-prático de dissertação de mestrado com título Mapeamento Sentimento-emocional da Obra Cinzas ao Solo: urdiduras de uma criação em dança. A partir da discussão recorrente da atuação das emoções e suas expressões no âmbito da dança cênica ocidental, sobretudo, na contemporaneidade, traz à tona conceitos advindos das ciências cognitivas sobre emoção, sentimento, e sentimentos emocionais, abordados por estudiosos como António Damásio (2011) e Paul Ekman (2011). Tem por objetivos apontar como o entendimento proposto por esses autores pode configurar a construção de obras de dança contemporânea e discutir possíveis ferramentas de recuperação de estados emocionais para a performance da obra investigada por meio de mapeamentos dos sentimentos de emoções. Esta pesquisa tem como metodologia a análise qualitativa e processual da criação do Cinzas ao Solo, obra solística apresentada pelo autor. O texto está disposto da seguinte maneira: um primeiro capítulo introdutório ao tema das emoções e sentimentos tratados nas artes da cena, mais especificamente na dança, com base nos olhares lançados às próprias emoções e sentimentos por pesquisadores das ciências da mente. Em seguida, é apresentado o objeto da pesquisa: A investigação no modo como as emoções e não somente suas expressões operaram em um processo de criação em dança. Logo, é exposto o caminho metodológico que percorremos ao longo do escrito para, só então, serem anunciados os conceitos de emoções e sentimentos de modo mais aprofundados e já operacionalizados no capítulo II. No último capítulo é descrito como o jogo das emoções se deu durante a criação da obra Cinzas ao Solo, o que compreende os momentos de Respiro, que são os instantes finais nos quais há as apresentações públicas da obra em estudo. Por fim, trazemos as considerações finais, tecidas junto a reflexão gerada pela totalidade da experiência da pesquisa artístico-acadêmico. Nosso desejo é que esse trajeto escrito possa contribuir para o laborar e refletir de outros artistas, uma vez que tentamos, durante todo o percurso investigativo, lançar luz sobre alguns dos aspectos que consideramos mais importantes na feitura da dança cênica: as emoções e os sentimentos. Pois, seguramente, quanto mais consciência do funcionamento desses mecanismos presentes no corpo, melhor podemos velejar nas paisagens infindáveis da criação.
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The text presented here is the result of the theoretical-practical research of a master's thesis with the title Sentiment-Emotional Mapping of the Ashes to the Ground work: warps of a creation in dance. From the recurrent discussion of the performance of the emotions and their expressions in the Western scene, especially in contemporary times, it brings to light concepts derived from the cognitive sciences about emotion, feeling, and emotional feelings, addressed by scholars such as Antonio Damásio (2011) and Paul Ekman (2011). The purpose is to point out how the understanding proposed by these authors can configure the construction of contemporary dance works and discuss possible tools for the recovery of emotional states for the performance of the work investigated through mapping the feelings of emotions. This research has as methodology the qualitative and procedural analysis of the creation of Ashes to the Ground, a solo work presented by the author. The text is arranged as follows: a first introductory chapter to the theme of emotions and feelings treated in the arts of the scene, more specifically in dance, from the looks thrown to the own emotions and feelings by researchers of the sciences of the mind. Then the research object is presented: The investigation into the way the emotions and not only their expressions operated in a process of creation in dance. Therefore, the methodological path that we go through throughout the writing is exposed so that the concepts of emotions and feelings can be announced in a more detailed way already in operation in chapter II. In the last chapter it is described how the game of the emotions occurred during the creation of the Ashes to the Ground work, which comprises the moments of Respite, that are the final instants in which there are the public presentations of the work under study. Finally, we bring the final considerations, woven together with the reflection generated by the totality of the artistic-academic research experience. Our desire is that this written path can contribute to the work and reflection of other artists, since we try, during the entire investigative course, to shed light on some of the aspects that we consider most important in the making of the scenic dance: emotions and feelings. For surely, the more consciousness of the functioning of these mechanisms present in the body, the better we can sail in the endless landscapes of creation.
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DANIELA BENY POLITO MORAES
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Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica
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Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
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MEMBROS DA BANCA :
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JOSÉ LUIZ LIGIÉRO COELHO
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MELISSA DOS SANTOS LOPES
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TEODORA DE ARAUJO ALVES
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Data: 23/02/2017
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A presente pesquisa de mestrado “Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica”, sob orientação da professora doutora Teodora de Araújo Alves visa compreender o trânsito da Dança de Iansã e dos seus elementos míticos entre o Candomblé, o Afoxé, o Laboratório e o Teatro, a fim de elaborar uma proposição metodológica para ampliação do repertório corporal de intérpretes-criadores/as. Por se tratar de um estudo que envolve subjetividade dos/as indivíduos/as relacionados/as a esta pesquisa, o mesmo se debruça sobre as bases da Fenomenologia proposta por Merleau-Ponty ao tratar da corporeidade como a forma de ser-estar no mundo. Para refletir sobre os campos da Performance que compõe esta investigação, busco dialogar com a Antropologia da Performance com base nos estudos de Richard Schechner e Victor Turner, a Antropologia Teatral proposta por Eugenio Barba e os estudos em Performances afro-ameríndias desenvolvido por Zeca Ligiéro. Esta investigação se desenvolveu junto ao Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), observando a saída-de-orixá da Ialorixá Nany Moreno – também coordenadora do Afoxé – e com os experimentos prático-criativos junto ao Coletivo Cores (Natal/RN).
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The present research of master "Iansan elements like possibility to scenic creation", under the guidance of Professor Teodora de Araújo Alves aims to understand the traffic Iansan dance and its mythical elements between Candomblé, Afoxé, the lab and the theatre, in order to elaborate a methodological proposal for expansion of the body of repertoire interpreters-creators. Because it is a study that involves subjectivity of individuals, the related to this research, the same looks at the basis of Phenomenology by Merleau-Ponty to treat the body as a way of being in the world. To reflect on the fields of Performance that makes up this investigation, seek dialogue with the anthropology of Performance based on studies of Richard Schechner and Victor Turner, the Theatrical Anthropology proposed by Eugenio Barba and the studies in afro-amerindians Performances developed by Zeca Ligiéro. This investigation developed by the Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), noting the saída-de-orixá of Ialorixá Nany Moreno – Coordinator of Afoxé – and practical-creative experiments by the Coletivo Cores (Natal/RN).
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ROCIO DEL CARMEN TISNADO VARGAS
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O Sul Corpóreo: Práticas Teatrais Interculturais para a Descolonização do Imaginário
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Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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MEMBROS DA BANCA :
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LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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ROBSON CARLOS HADERCHPEK
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VERÔNICA FABRINI MACHADO DE ALMEIDA
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Data: 23/02/2017
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O sul corpóreo é uma metáfora que busca pensar as epistemologias do sul criadas por Boaventura de Sousa Santos como ponto de convergência com a prática teatral. Sendo a prática uma bússola nesta investigação, buscou-se encarnar essa metáfora a partir da criação de uma prática corporal que leva conceitos das epistemologias do sul à práxis e abraça a proposta de interculturalidade para dinamizar princípios da dança ritual da capoeira e da dança ritual da cosmovisão maia, duas filosofias do sul. Como poesia final da dissertação, criou-se o espetáculo Amareelos a partir do universo simbólico de Quetzalcoatl – Kukulkán, figura mítica mesoamericana. Representamos o caráter empírico como diretriz metodológica dessa investigação através de uma mandala, mostrando a dinâmica que envolve esse processo “ao sul” em suas contexturas teórico-práticas.
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The corporal south is a metaphor that seeks to think the epistemologies of the south as a point of convergence with the theatrical practice. Being the practice a compass in this investigation, it was sought to embody this metaphor from the creation of a corporal practice that takes concepts from the epistemologies of the south to the practice and embraces the proposal of interculturality to dynamize principles of the ritual dance of the capoeira and the ritual dance of the Mayan worldview, two philosophies of the south. As final poetry of the dissertation, the spectacle Amareelos was created from the symbolic universe of Quetzalcoatl – Kukulkán, mythical Mesoamerican figure. We represent the empirical character as a methodological guideline of this investigation through a mandala, showing the dynamics that surrounds this process “to the south” in its theoretical-practical textures.
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KÁTIA CELYANE FARIAS SCHMITT
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EXPERIÊNCIAS DE CRIAÇÃO CÊNICA COM ATRIZES E ATORES NA TELEVISÃO: O Programa Ciência Aberta da TV UFPB.
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Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MEMBROS DA BANCA :
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JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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LUCIANA DE FÁTIMA ROCHA PEREIRA DE LYRA
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WALMERI KELLEN RIBEIRO
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Data: 08/03/2017
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Esta pesquisa busca analisar de que forma os processos colaborativos, amplamente difundidos nas práticas teatrais contemporâneas e em expansão no cinema brasileiro da última década, podem ser aplicados à produção em televisão. Desta forma, visa aprofundar os estudos sobre técnicas de preparação do ator e da atriz no contexto da ficção televisiva, linguagem popularmente difundida em nosso país, porém pouco estudada sob o prisma da atuação. A investigação parte da experiência da autora na direção de teledramaturgia do programa Ciência Aberta, produzido pela TV UFPB, o qual aborda a relação entre o conhecimento científico e o saber popular utilizando-se da linguagem jornalística e da teledramaturgia, respectivamente, em uma estética que revela o processo de criação dos atores e atrizes a partir da metalinguagem. Propõe-se, então, um diálogo com estudos teóricos das áreas do cinema, do teatro e da televisão, lançando um olhar sobre as relações de fronteira e contaminação que se estabelecem entre elas, especificamente no tocante às técnicas de preparação de ator/atriz. Realiza-se ainda uma interlocução com entrevistas cedidas por atores, atrizes e diretoras de televisão, bem como com os relatos da experiência citada, em busca de um entendimento sobre as relações entre ator/atriz e câmera e seus desdobramentos na criação artística em televisão. A etapa prática da pesquisa consiste na realização de uma oficina realizada com atores, atrizes e estudantes do curso de Teatro da UFPB, resultando na construção do primeiro episódio da segunda temporada do programa Ciência Aberta, no qual se busca a radicalização do que já fora proposto na primeira temporada do programa: o aprofundamento e explicitação dos processos de criação do ator e da atriz, os modos de produção audiovisual, as metodologias e conceitos de suporte da criação. Norteiam este trabalho os autores Arlindo Machado, que explana o universo do audiovisual, Jackeline Nacache, que se concentra no ator/atriz de cinema, Constantin Stanislavski, cujos estudos sobre o ator/atriz são a base para diversas técnicas de atuação seja no teatro ou no cinema, e Walmeri Ribeiro, que aborda a relação de co-criação do ator/atriz no audiovisual. Pretende-se com esta pesquisa contribuir para a reflexão e discussão sobre a formação do ator e como as artes cênicas se integram aos modos de produção na televisão brasileira contemporânea, em particular, no âmbito da atuação para a câmera.
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This research analyzes how the collaborative processes, widespread in contemporary theater practices and in expansion in Brazil's cinema of the last decade, can be applied to television production. Thus, aims to deepen the studies about the actor's creative process in the fiction for television context, this popularly known language, but still poorly studied under the actor´s point of view. This investigation parts from the author´s experience as director of teledramaturgy at the Ciência Aberta show, produced by TV UFPB. This show approaches the relationship between scientific and popular knowledge using journalistic and teledramaturgic language respectively, in an aesthetic that reveals actor´s creative process through metalanguage. Therefore, it aims at the dialogue with the theoretical studies in the fields of cinema, theatre, and television, attempting to enlighten their frontiers of relation and contamination, specifically, in the actor's preparation technique. This also performs an interlocution that attends interviews with television´s actors and directors as well as experiences reports to search an understanding about the relationship between actor\camera and its developments in television artistic creation. The practical stage of the research is to carrie out a workshop held with actors and students enrolled in theatre course of UFPB, resulting in the construction of the Ciência Aberta show's first episode of the second season,which seeks to radicalize what has been proposed in the first season of the show: the deepening and explanation of the creative process of the actor, modes of audiovisual production, methodologies and support concepts of creation. Guiding this work, the authors Arlindo Machado, who explains the world of the audiovisual, Jackeline Nacache, that focuses on the film actor Constantin Stanislavski, whose studies on the actor are the basis for various techniques of acting in the theater and cinema and Walmeri Ribeiro , addresses the co-creation relationship of the actor in the audiovisual. With this research, we intend to contribute to the reflection and discussion about actor´s formation and the production modes in Brazilian contemporary television, particularly in the context of acting for the camera.
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ARIANE DO NASCIMENTO MENDES
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EXPERIÊNCIA ESTÉTICA E DRAMATURGIA EM DANÇA CONTEMPORÂNEA: um estudo de caso a partir das obras coreográficas “Ego” (2015), “ESCrito Absurdo” (2016) e “Nuance” (2016)
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Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
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MEMBROS DA BANCA :
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CAROLINA DIAS LARANJEIRA
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PATRICIA GARCIA LEAL
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TEODORA DE ARAUJO ALVES
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Data: 18/04/2017
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O objetivo desta pesquisa foi investigar a experiência estética em Dança Contemporânea a partir de obras construídas com movimentos não-representativos, considerando que sua dramaturgia prima por ser não-linear, e sua construção se dá através da materialidade do movimento e do corpo, pela sua investigação. Assim, discutimos sobre como acontecem as experiências estéticas a partir de entrevistas com apreciadores das obras coreográficas escolhidas para compor a pesquisa, além do referencial teórico sobre Dança Contemporânea e sua dramaturgia com autores como Laurence Louppe, Patrícia Leal, Rosa Hercoles, Paulo Caldas, Ana Carolina Mundim, entre outros. A pesquisa foi conduzida pela metodologia qualitativa, de caráter participante, e se caracteriza ainda em um estudo de caso, tendo como objeto norteador a dramaturgia e a experiência estética do espetáculo “Ego” (2015) do Grupo de Dança da UFRN, e do espetáculo “ESCrito Absurdo” (2016) dos criadores Vladimir Rodriguez (Colômbia) e Omar Carrum (México). Também buscamos informações com Diana Fontes, coordenadora geral do Encontro de Dança de Natal/RN, por ser um evento que lida diretamente com apresentações e, portanto, com experiências estéticas em Dança Contemporânea de diversas vertentes. Assim, fizemos recolhimento de material bibliográfico através das entrevistas realizadas com os artistas e apreciadores dos espetáculos supracitados. Além dos depoimentos recolhidos dos apreciadores do trabalho coreográfico “Nuance”, que foi construído para experimentar a construção de dramaturgia apenas com o movimento não-representativo e a possibilidade de uma obra coreográfica ser atividade de mediação de si mesma, bem como atividade de formação de público. A relevância da pesquisa se dá pela contribuição para as discussões sobre público e experiências estéticas em Dança Contemporânea, pois ainda há poucos estudos registrados no Brasil, e mais especificamente em Natal/RN sobre este tema.
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The objective of this research was to investigate the aesthetic experience in Contemporary Dance from works built with non-representative movements, considering that its dramaturgy is nonlinear, and its construction takes place through the materiality of movement and body, through its investigation. Like this, we discussed about how happen the aesthetic experiences starting from interviews with connoisseurs of the choreographic works chosen to compose the research, beyond the theoretical reference about Contemporary Dance and its dramaturgy with authors like Laurence Louppe, Patrícia Leal, Rosa Hercoles, Paulo Caldas, Ana Carolina Mundim, among others. The research was conducted by the qualitative methodology, of participant character, and was characterized still in a case study, having as a guiding object the aesthetic experience of the spectacle “Ego” (2015) of the Grupo de Dança da UFRN, and of the spectacle “ESCrito Absurdo” (2016) of the creators Vladimir Rodriguez (Colombia) and Omar Carrum (Mexico). We also sought information with Diana Fontes, general coordinator of the Encontro de Dança de Natal/RN, as it is an event that deals directly with presentations and, therefore, with aesthetic experiences in Contemporary Dance from various perspectives. Like this, we collected bibliographical material in field research, produced through interviews with the artists and connoisseur of the two spectacles above mentioned. Beyond the testimonials collected from the connoisseur of the choreographic work “Nuance”, which was built for to experience the construction of dramaturgy with only the non-representative movement and the possibility of a choreographic work as an activity of mediation of itself, as well as to be activity of formation of public. The relevance of the research is given by the contribution to the discussions about audiences and aesthetic experience in Contemporary Dance, because still there are few studies registered in Brazil, and more specifically in Natal/RN about this subject.
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JOSÉ CLEBER BARBOSA DE LIMA
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A VIDA EM TRÂSITO: LOUCURA E PROCESSOS CRIATIVOS
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Orientador : NARA GRACA SALLES
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MEMBROS DA BANCA :
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NARA GRACA SALLES
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LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
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URÂNIA AUXILIADORA SANTOS MAIA DE OLIVEIRA
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Data: 24/07/2017
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Com a reforma psiquiátrica em todo o mundo, os profissionais da saúde começam a rever mudanças no contexto histórico da loucura. Em um cenário de criticas, fundamenta-se uma nova ideia à loucura e a sua nova estrutura psicossocial a partir dos Centros de Atenção Psicossocial, os CAPS. Estes são espaços terapêuticos que visam à substituição progressiva dos manicômios. Com uma abordagem diferenciada ao assistido, os CAPS, se diferenciam dos hospitais psiquiátricos pela sua consonância psicossocial e de reinserção frente a sociedade. Os assistidos, nesses serviços de saúde mental, participam das inúmeras atividades artísticas e terapêuticas oferecidos pelos mais diversos profissionais. Tendo o assistido como protagonista do trabalho de reinserção social do CAPS, esta pesquisa acompanha e discute o processo criativo da performance Quebrando Muros, realizados com os assistidos do Centro de Atenção Psicossocial – CAPS III Caminhar, na cidade de João Pessoa, Paraíba. A partir do acompanhamento e das observações dos indivíduos na criação e nas apresentações são abordados qualitativamente os fenômenos decorrentes deste estudo de forma descritiva e indutiva, cujos procedimentos estão enraizados e em consonância com a performance e a loucura, discutidas por Renato Cohen (2011), Jorge Glusberg (2009) e Michael Foucault (2014). Em nosso estudo, enfatizamos a pesquisa qualitativa, porque esta é uma ferramenta de bastante relevância para o processo social dos assistidos no CAPS III – Caminhar. Buscando visualizar o contexto em que estes estão inseridos, e a partir daí, teremos uma maior integração desse objeto de estudo que implique melhor compreensão do fenômeno.
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With psychiatric reform around the world, the madness begins to review changes in its historical context. In a critical scenario is based on a new idea madness and its new psychosocial structure from CAPS. Psychosocial Care Centers, CAPS, are therapeutic spaces aimed at the progressive substitution of asylums. With a differentiated approach to assisted CAPS, differ from psychiatric hospitals for their psychosocial line and reintegration against society. The survey monitors and discusses the creative process of Breaking Walls performance, conducted with beneficiaries of the Center for Psychosocial Care - CAPS III Walk in the city of João Pessoa. From the monitoring and observations of assisted in the creation and presentations are qualitatively addressed the phenomena arising from this study descriptive and inductively, whose procedures are rooted and in line with the performance and madness, discussed by Renato Cohen (2011) Jorge Glusberg (2009) and Michel Foucault (2014). In our study, we emphasize the qualitative research, because this is a tool very important to the social process of assisted in CAPS III - Walk. Seeking view the context in which they are inserted, and from there we will have a greater integration of this object of study involving better understanding of the phenomenon.
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SURAMA SULAMITA RODRIGUES DE LEMOS
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Título: UPCYCLING COMO PERSPECTIVA CRIATIVA NO TRAJE DE CENA DO CRUOR ARTE CONTEMPORÂNEA
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Orientador : NARA GRACA SALLES
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MEMBROS DA BANCA :
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FAUSTO ROBERTO POÇO VIANA
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KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
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NARA GRACA SALLES
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Data: 28/07/2017
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RESUMO: Esta pesquisa trafega sobre uma investigação a respeito do processo de criação que é desenvolvido junto aos figurinos das produções cênicas da coligação Cruor Arte Contemporânea. Para tanto dialoga com o conceito de Upcycling cunhado por Alison Gwilt, cuja técnica vem sendo adotada como uma perspectiva criativa no que se refere sobretudo à moda e que aplico à construção de figurinos, trazendo como principais referências estéticas norteadoras o diálogo entre a vida e obra da artista plástica mexicana Frida Kahlo, do cineasta espanhol Pedro Almodóvar, do múltiplo artista francês Antonin Artaud e do artista brasileiro Artur Bispo do Rosário investigando como essas referências dialogam com a moda e com a construção de trajes para a cena. Por se tratar de um estudo que envolve a minha própria prática enquanto artista-figurinista, trago como aporte metodológico a pesquisa-ação sobretudo a partir de David Tripp enfatizando a questão da interação entre o sujeito e seu objeto de pesquisa, tendo em vista essa relação, diante desta minha ação enquanto artista-pesquisadora e adotando como método o diário de pesquisas, além do registro fotográfico e vídeo, e técnicas típicas da área de moda e da criação de figurinos como a moulage e o croqui. Inicio com uma introdução sobre a minha aproximação com o meu objeto de estudo atrelado ao diálogo entre moda e figurino sob as perspectivas de Fayga Ostrower, Adriana Leite e Lisette Guerra, além de Stanislavski e Lipovetsky. Em seguida é apresentado o objeto da pesquisa que se desenvolve na coligação intitulada Cruor Arte Contemporânea apresentando o caminho metodológico que foi percorrido. Por último descrevo as questões voltadas ao âmbito do processo de criação dos figurinos junto ao Laboratório de Criação, Execução e Manutenção de Trajes para a Cena e a abordagem do conceito de Upcycling como prática criativa e metodológica na prática do figurinista.
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This research deals with an investigation about the creation process in developing scenic costumes in the Cruor Arte Contemporânea—a contemporary art coalition in Natal, RN, Brazil. In order to do so, this study dialogues with the Alison Gwilt’s concept of Upcycling, whose technique has been adopted as a creative perspective mainly to fashion, and that I apply when developing costumes, having as main aesthetic reference guiding the crossing between life and work of the Mexican plastic artist Frida Kahlo, the Spanish filmmaker Pedro Almodóvar, the French artist Antonin Artaud and the Brazilian artist Artur Bispo do Rosario investigating how these references dialogue with fashion and the construction of costumes for scenes. Being a study that involves my own practice as an artist-costume designer, I bring action research as the methodological base, especially from David Tripp, focusing on the interaction between the subject and his research object, in view of this relationship, considering my action as an artist-researcher and adopting as methods the research journal, photographic and video recording, and typical techniques of the fashion area and the creation of costumes such as moulage and sketch. This study starts with an introduction on my approach with my object of study linked to the dialogue between fashion and costumes under the perspectives of Fayga Ostrower, Adriana Leite and Lisette Guerra, in addition to Stanislavski and Lipovetsky. Following comes the research object that is developed in the coalition entitled Cruor Arte Contemporânea presenting the methodological paths that were taken. Finally, the issues related to the scope of the costume creation process in the Laboratory of Creation, Execution and Maintenance of Costumes for the Scene are described, as well as the Upcycling concept as a creative and methodological practice in the costume designer's practice.
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Everson Oliveira da Cruz
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O que os olhos não veem: o não visível como forma de apreciação teatral
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Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
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MEMBROS DA BANCA :
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ARÃO NOGUEIRA PARANAGUÁ DE SANTANA
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JEFFERSON FERNANDES ALVES
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KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
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LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
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Data: 28/07/2017
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O presente trabalho aborda o espetáculo teatral “O que os olhos não veem”, que amparado pelo universo da cegueira, tem como prerrogativa de apreciação a cena não visível e propõe uma discussão no campo da recepção teatral, sobre o olhar do espectador no contexto de uma proposta amparada pela não vidência. A pesquisa objetiva investigar como a característica não visível da referida proposta cênica possibilita a percepção do espectador emergida da relação corpo-espaço; e compreender como a possibilidade da não visibilidade da cena potencializa a capacidade de apreciação do espectador. Para tanto são colocadas as seguintes questões: é possível a apreciação de um espetáculo teatral sem o agenciamento da visão? De que forma o corpo assiste um espetáculo teatral que dispensa o recurso da visão? Como se dá o olhar a partir de uma experiência em que a não vidência é prerrogativa da apreciação? O lócus da pesquisa é o projeto de extensão “O que os olhos não veem o coração (não) sente”, vinculado ao Centro de Educação e Departamento de Práticas Educacionais e Currículos da Universidade Federal do Rio Grande do Norte. A pesquisa centra-se no campo da recepção teatral e tem a fenomenologia como aporte metodológico para compreender a experiência de apreciação do espectador interditado da visão ocular. Os relatos dos espectadores são gravados, transcritos e organizados em três temas de discussão: o espaço da cena e o espaço do corpo; a reversibilidade dos sentidos na cena; e a emancipação do olhar. O texto é conduzido pelo pensamento de Maurice Merleau-Ponty, e seus interlocutores, traçando redes de comunicação com os estudos de Flávio Desgranges, no campo brasileiro da recepção teatral, e Jacques Rancière, no que tange a emancipação do olhar do espectador. A experiência teatral no contexto da discussão compreende o espectador como coautor da cena. A interdição da visão ocular faz esfumar os corpos no espaço cênico e configura um labirinto de caminhos a serem desbravados pelo espectador, que diante da não vidência percebe outros modos de apreciar a cena, reorganizando sua experiência para ver de corpo inteiro, tal qual Argos Panoptes. Esta situação permite desvelar uma emancipação do olhar no âmbito da cena teatral.
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The present work deals with the theatrical spectacle "O que os olhos não veem", that supported by the universe of blindness, has the non-visible scene as prerogative of appreciation and proposes a discussion in the field of theatrical reception, on the view of the spectator in the context of a proposal supported by non-vision. The research aims to investigate how the non-visible characteristic of said scenic proposal allows the viewer's perception emerged from the body-space relationship; and to understand how the possibility of non-visibility of the scene enhances the capacity of appreciation of the spectator. Thereunto the following questions are posed: is it possible to appreciate a theatrical spectacle without the agency of vision? How does the body watch a theatrical spectacle that dispenses the resort of sight? How does one look from an experience in which the non-vision is a prerogative of appreciation? The locus of the research is the extension project "O que os olhos não veem o coração (não) sente", linked to the Education Center and Department of Educational Practices and Curricula of the Federal University of Rio Grande do Norte. The research focuses on the field of theatrical reception and has the phenomenology as a methodological contribution to understand the experience of appreciation of the viewer interdicted of the ocular vision. The accounts of the spectators are recorded, transcribed and organized into three topics of discussion: the space of the scene and the space of the body; the reversibility of the senses in the scene; and the emancipation of the look. The text is driven by the thoughts of Maurice Merleau-Ponty, and its interlocutors, drawing networks of communication with the studies of Flávio Desgranges, in the brazilian field of theatrical reception, and Jacques Rancière, regarding the emancipation of the spectator’s look. The theatrical experience in the context of the discussion understands the spectator as coauthor of the scene. The interdiction of the ocular vision makes the bodies smoke in the scenic space and forms a labyrinth of paths to be explored by the spectator, who in light of the non-vision perceives other ways of appreciating the scene, reorganizing their experience to see with the entire body, such as Argos Panoptes. This situation permits to unveil an emancipation of the look within the theatrical scene.
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ILANA SUELY DOS SANTOS
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Título: memórias dos corpos e lugares sob o olhar da dança dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra
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Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
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MEMBROS DA BANCA :
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TEODORA DE ARAUJO ALVES
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MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
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JONAS DE LIMA SALES
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Data: 31/07/2017
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Esta pesquisa busca investigar as memórias dos corpos entrelaçados aos lugares de memórias vividos pelos brincantes dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra- Natal/RN. Para o desenvolvimento e compreensão da pesquisa, apoiamo-nos na Fenomenologia de Merleau-Ponty, que é capaz de desvelar o tema, ou seja, mostrar aquilo que se mostra e não aquilo que parece ser e, para isso, consideramos o olhar fenomenológico de brincantes da Vila, com ênfase no Grupo Congos de Calçolas que, ao incorporarem, construírem e reconstruírem seus corpos e ações cotidianas, lutam pelo reconhecimento e reafirmação da sua cultura. Transitamos na Vila a partir da experiência enquanto pesquisadora sobre o fenômeno desde a Graduação em Dança, e visitamos lugares de memória que, configuram-se como sendo o resultado das construções dos grupos sociais que determinam o que é memorável e os lugares onde essa memória torna-se preservada.
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This research seeks to investigate the memories of the bodies intertwined with the places of memories lived by the players of Ponta Negra - Natal / RN. For the development and understanding of the research, we rely on Merleau-Ponty's Phenomenology, which is capable of revealing the theme, that is, showing what is shown and not what it seems to be, and for this we consider the phenomenological With emphasis on the Congos de Calçolas Group, which, by incorporating, constructing and rebuilding their bodies and daily actions, strive for the recognition and reaffirmation of their culture. We traveled in the Village from the experience as a researcher on the phenomenon since Graduation in Dance, and visited places of memory that, are configured as the result of the constructions of social groups that determine What is memorable and the places where this memory becomes preserved.
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CAMILA BARBOSA TIAGO
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Reflexões sobre possibilidades pedagógicas em iluminação cênica
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Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MEMBROS DA BANCA :
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EDUARDO TUDELLA
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JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MELISSA DOS SANTOS LOPES
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Data: 31/07/2017
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Esta pesquisa pretende refletir o processo de ensino/aprendizagem em Iluminação Cênica. Diante da amplitude curricular que o campo da iluminação oferece, busca-se refletir sobre quais conteúdos sejam relevantes para a formação do atuante em Teatro a fim de que esteja familiarizado com essa área específica, sobretudo para que perceba e esteja consciente da iluminação como elemento de composição da sua prática artística. Elaborar uma proposta pedagógica desta relação é o objeto de pesquisa desta dissertação. Para promovê-la, parte-se da tomada de consciência da autora sobre sua trajetória de aprendizagem em iluminação dentro do curso de graduação em Teatro da Universidade Federal de Uberlândia (UFU). Posteriormente, a autora reconhece a forma intuitiva com a qual desenvolveu os trabalhos como diretora de iluminação, junto ao mesmo curso dentro de algumas disciplinas da grade curricular, e, então, reflete sobre sua prática e constitui ações potencialmente capazes de colaborar com o processo de formação dos discentes do curso de Teatro da referida Universidade. Para tanto, busca-se o pensamento de construção do conhecimento instituído por Paulo Freire, que considera que o sujeito está em constante diálogo para a construção de seu conhecimento, tornando-se autônomo no processo de aprendizagem, e que, ainda, propõe a experiência como atitude pedagógica para o desenvolvimento de uma prática crítica/reflexiva. Assim, pretende-se pensar sobre uma proposta pedagógica que dialogue a partir da percepção da iluminação pelo sujeito para que ele possa fazê-la necessária durante a composição do seu próprio trabalho.
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This research intends to reflect on the teaching / learning process in Scenic Lighting. In view of the breadth of curriculum offered by the subject of illumination, it is sought to reflect on which contents are relevant to a theater actor in order to familiarize oneself with this specific area, especially in order to perceive and take into account lighting as an element of Composition of your artistic practice. To elaborate a pedagogical proposal of this relation is the object of research of this dissertation. To begin with it, the author evaluates her process of learning in lighting within the undergraduate course in Theater of the Federal University of Uberlândia (UFU). The intuitive form with which she developed the work as director of lighting within the University is subsequently considered in this analysis and causes the author to reflect her practice and to constitute actions potentially capable of collaborating with the process of formation of Theater students of that University. In order to do so, the research is based on a construction of knowledge thought by Paulo Freire, which considers that the subject is in constant dialogue to elaborate his knowledge that either develops its own autonomy during the process as considers the pedagogical experience capable of resulting in a critical / reflexive practice. Therefore, the pedagogical proposal to be constructed in this work will start from the perception that the subject makes about light so that he is able to make it necessary during the composition of his own work.
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ABRAÃO LINCOLN ROSENDO FRAZÃO
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Formação do Sujeito Espectador: Uma Experiência com o Projeto Encontro com o Artista/IFRN-Campus Macau
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Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MEMBROS DA BANCA :
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JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
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RUMMENIGGE MEDEIROS DE ARAÚJO
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Data: 31/08/2017
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A pesquisa considerou o espaço escolar como mundo vivido dos fazeres artísticos relacionados a arte do teatro a partir da apreciação artística do Projeto “Encontro com o Artista”, em especial no IFRN Campus Macau. O objetivo dessa pesquisa dissertativa foi compreender e refletir sobre o processo de ensino de teatro a partir da apreciação de espetáculos teatrais por meio do Programa “Encontro com o Artista”, realizado no Instituto Federal do Rio Grande do Norte – IFRN, Campus Macau, entre os anos 2015 e 2016, para as turmas da 2ª série do Ensino Médio que frequentam o componente curricular Arte/teatro. A partir do objetivo proposto questionou-se: Como os alunos do Ensino Médio podem aprender sobre teatro por meio da apreciação de espetáculos teatrais? Como esses discentes podem compreender a linguagem teatral por meio de debates e processos de mediação? Como ampliar o acesso à arte do teatro dentro da escola e a reflexão crítica para a construção de um sujeito espectador? O aporte metodológico baseou-se na pesquisa Qualitativa tendo como abordagem a Ação-Participante. Ao adotar tal abordagem metodológica considerou-se a inserção do pesquisador no meio pesquisado, a participação efetiva da população pesquisada na pesquisa, a transformação da realidade. A pesquisa apoiou-se ainda nos estudos e reflexões de Barbosa (1991) em especial na sua Abordagem Triangular, de Desgranges (2010) quando discute a Pedagogia do Espectador, de Pavis (2003) ao analisar o espetáculo, de Freire (1996) quando considera a educação como autonomia e de Araújo (2012) e suas inter-relações entre tecnologia, espectador e cena. Considerou-se que essa experiência artístico-pedagógica denominada Encontro com artista, apresentou um caráter de extrema importância no que diz respeito ao campo do ensino da arte desenvolvido no Instituto Federal Campus Macau.
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The research considered the school space as a lived experience of artistic activities related to the art of theater based on the artistic appreciation of the Project "Encounter with the Artist", especially at IFRN Campus Macau. The purpose of this dissertative research was to understand and reflect on the process of theater teaching through the appreciation of theatrical performances through the "Meeting with the Artist" Program, held at the Federal Institute of Rio Grande do Norte - IFRN, Macao Campus. The years 2015 and 2016, for the classes of the second grade of High School that attend the curricular component Arte / teatro. From the proposed objective, the question was asked: How can high school students learn about theater through the appreciation of theatrical performances? How can these students understand the theatrical language through debates and mediation processes? How to increase access to the art of theater within the school and the critical reflection for the construction of a spectator subject? The methodological contribution was based on the Qualitative research taking as an approach the Participant-Action. In adopting such a methodological approach, the insertion of the researcher in the researched environment was considered, the effective participation of the population researched in the research, and the transformation of reality. The research was also based on the studies and reflections of Barbosa (1991), especially in his Triangular Approach, by Desgranges (2010) when he discusses Pedagogy of the Spectator, by Pavis (2003) when analyzing the spectacle, by Freire (1996) when Considers education as autonomy and de Araújo (2012) and its interrelations between technology, spectator and scene. It was considered that this artistic-pedagogical experience called Meeting with artist, presented a character of extreme importance in what concerns the field of art education developed at the Federal Campus Macau Institute
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LUCIANO INÁCIO DA SILVA SALES
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QUANTO MAIS REGIONAL, MAIS UNIVERSAL EU SOU – O cordel de Antônio Francisco como matriz criativa para a construção da cena
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Orientador : ANDRE CARRICO
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MEMBROS DA BANCA :
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ANDRE CARRICO
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JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
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LARISSA DE OLIVEIRA NEVES CATALÃO
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Data: 30/11/2017
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Este trabalho é resultado de uma pesquisa interventiva desenvolvida no programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas/UFRN, e tem caráter qualitativo. Apresenta uma possibilidade de proposta dramatúrgica para pesquisadores interessados em trabalhar com textos não teatrais, neste caso, a literatura de cordel, utilizada como matriz criativa para a construção da cena teatral. A fonte da presente pesquisa é a poesia popular do cordelista e historiador mossoroense Antônio Francisco, explorada durante o processo de adaptação de folhetos de cordéis em peças de teatro. Nossa tentativa de contribuição aqui talvez se encontre nos diálogos processuais, nos detalhes relatados, nas experiências comprovadas pelas apresentações públicas da adaptação da peça e nos resultados que surgem e se renovam ao longo delas. Entendemos que cada processo criativo possui sua própria singularidade. Os instrumentos e estratégias são semelhantes, mas não idênticos. Como objeto de investigação, nos basearemos na montagem dos espetáculos ‘Dois Cabras Num Cordel Só’, 2010, e ‘Oscabra’, 2017, feitas pela Ciamargem de Teatro, de Natal, nas quais utilizamos os cordéis do livro do poeta Antônio Francisco: ‘Dez Cordéis Num Cordel Só’, 2002.
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This work is the result of an interventional research by the Graduate Program of Performing Arts / UFRN. It has a qualitative nature. It presents a possibility of a dramaturgical proposal for researchers interested in working with non-theatrical texts. More specifically, cordel literature, used as a creative matrix for the construction of the theatrical scene. The source of this research is the popular poetry of the cordel writer and historian Antônio Francisco from the city of Mossoro. It was explored during the process of adapting cordel leaflets in plays. Our attempt to contribute here may be found in the procedural dialogues, in the details reported, in the experiences acquired through the public presentations with the adapted of the play, as well as in the results and renewing that we arrived throughout the process and conclusions of the presentations. We understand that each creative process has its own individuality. The tools and strategies are similar, but not identical. As an object of practical investigation, we will base ourselves on the assembly of the plays ‘Dois Cabras em um Cordel Só ', 2010, and 'Oscabra ', 2017, made by Cia margem de Teatro, in which we use the Cordel from the book written by the poet Antonio Francisco: ‘Ten Cordéis In a Cordel Só ', 2002.
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