Dissertações/Teses

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2017
Dissertações
1
  • SEBASTIÃO DE SALES SILVA
  • “SAUDADES Z(É)”: METAFORIZANDO A CONSTRUÇÃO DO CORPO BRINCANTE

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 06/01/2017
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  • O texto em mãos tem como objetivo central apresentar a pesquisa intitulada “Saudades Z(é): Metaforizando a construção do corpo brincante”. A pesquisa aqui descrita faz referência às memórias do ator-pesquisador, Sebastião Silva, acerca da brincadeira do Boi de Reis da comunidade do Sítio de Santa Cruz, da Cidade de Vera Cruz/RN. A metáfora da construção do corpo cênico já é uma poética, um exercício de arte. E é nesta perspectiva que se dá a metáfora da construção do corpo do brincante “Zé de Moura” enquanto uma pedagogia da cena. Optamos por um recorte sobre o corpo desse brincante que assumiu durante muitos anos o personagem do Mateus na brincadeira do Boi de Reis. A pesquisa atravessa as memórias de um povo, dos brincantes do Boi de Reis e do pesquisador enquanto aquele que se contaminou com a magia da brincadeira. Ela ancora-se no processo ritual (TURNER, 1974), a partir dos conceitos de tempo liminar, estrutura e antiestrutura e precisamente na memória como recriação do vivido (LEONARDELLI, 2008).

2
  • ANA LUIZA PALHANO CAMPOS SILVA
  • O CENOTEC/UFRN:estudo sobre uma proposta de ensino de Cenografia na Licenciatura em Teatro

     

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 30/01/2017
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  • Esta dissertação possui como tema de estudo o papel do ensino de Cenografia na formação do professor de Teatro. Nesse sentido, buscou-se apresentar uma análise sobre a proposta de formação em Cenografia ofertada pelo Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena - CENOTEC aos alunos do curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN. Trata-se de uma pesquisa de natureza qualitativa que, utilizando os métodos e as técnicas do estudo de caso como observação participante, entrevistas, questionários e análise de documentos e registros (fotográficos e cinematográficos), visou refletir como esse laboratório contribui para a formação do professor de Teatro nesta universidade, quais ações pedagógicas desenvolve e quais os desafios enfrenta. Para a construção desta análise, a pesquisa dialoga com autores como Pâmela Howard (2009) e Mickinney e Butterworth (2009), na discussão sobre Cenografia e suas transformações nos séculos XX e XXI, além de Araújo (2005), Freire (2010), Leite (1996), Salles (2012) e Alves (2006) no debate sobre ensino de Cenografia e formação de professores. Portanto, por meio desta investigação, busca-se difundir e ampliar as discussões sobre os aspectos pedagógicos do ensino de Cenografia para além dos aspectos técnicos no campo da Pedagogia Teatral.

3
  • CLARA TALHA MELO DE SOUSA
  • A VOZ DO DONO E O DONO DA VOZ: PROPRIOCEPÇÃO NA PREPARAÇÃO VOCAL DO ATOR

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 30/01/2017
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  • A presente dissertação investigou por meio de pesquisa teórico-prática o conceito de propriocepção, conforme Damásio (2011), estratégias de trabalho de preparação vocal que potencializem as capacidades vocais dos atores de teatro, como forma de contribuir para o desenvolvimento de suas identidades vocais, técnicas pessoais e rotinas de aquecimento e desaquecimento vocal. Nessa perspectiva, averiguamos a relevância do trabalho de expressão vocal com técnicas como o método Belting Contemporâneo, tendo em vista expandir a imagem vocal, a respiração e a percepção da voz e seus recursos num grupo de quinze atores adolescentes. Como culminância das sessões experimentais e para enriquecer nossa reflexão crítica, fizemos o acompanhamento e documentação de uma experimentação cênica com o grupo “Cabe na sacola”, formado por estudantes do IFPB – “Instituto Federal de Educação Ciência e Tecnologia da Paraíba”.

4
  • DAIANI CEZIMBRA SEVERO ROSSINI BRUM
  • A atuação de palhaças e palhaços: o hospital como palco de encontros

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 10/02/2017
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  • O presente trabalho trata-se de uma investigação em Artes Cênicas que teve como mote algumas inquietações pessoais da autora ao atuar como palhaça em hospitais de São Paulo e de Natal. A partir dessa experiência profissional, identificou-se que há peculiaridades no trabalho de atriz e de palhaça próprias aos diferentes espaços da sociedade. No contexto aqui pesquisado, destaca-se a necessidade que as figuras palhacescas têm de engendrar uma abertura em que possam se relacionar com os seres e com os acontecimentos do espaço e do tempo hospitalares. Por isso, pergunta-se: comparado aos demais âmbitos de atuação palhacesca, quais são as principais peculiaridades do hospital? Com base na experiência de profissionais palhaças e palhaços que atuam em contextos hospitalares, quais são os principais aspectos a serem considerados na atuação nesses espaços? No intuito de responder a essas questões, objetiva-se investigar a atuação de palhaças e palhaços em palcos hospitalares, contextualizando, para isso, tal atuação no âmbito das práticas cênicas. Além disso, a partir da descrição de experiências nos campos hospitalares, pretende-se identificar os principais aspectos que configuram essas vivências artísticas em contato com o cotidiano do hospital. Com base numa metodologia fenomenológica fundamentada em Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), buscou-se dialogar com experiências palhacescas hospitalares através de entrevistas realizadas com sete membros da Organização Não Governamental (ONG) Doutores da Alegria, bem como com o palhaço Ésio Magalhães, que fez parte do elenco da ONG até o ano de 2003. Como resultados desta pesquisa propõe-se a discussão sobre o jogo cênico a partir da mescla das técnicas de treinamento pessoal e das sensibilidades de cada artista, como também a atuação palhacesca no hospital como experiências de encontros teatrais. Para tanto o referencial teórico abrange a Fenomenologia de Merleau-Ponty (2006; 2007; 2011), o conceito de Jogo colocado por Huizinga (2014) e os estudos brasileiros sobre o riso, o cômico e a palhacaria, tais como os de Burnier (2001), Viveiros de Castro (2005), Bolognesi (2006), Kásper (2004), Wuo (1999; 2011) e Sacchet (2009).

5
  • NYKAELLE APARECIDA PEREIRA DE BARROS
  • Técnica de bufão: Possibilidades teórico-práticas para o ator contemporâneo

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • Data: 15/02/2017
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  • O bufão tem uma forte representação social. Sua imagem pode provocar repúdio e estranheza, mas também, sua liberdade gestual e verbal pode produzir admiração, uma vez que ele demonstra desejos e instintos que o homem comum possui, mas que procura esconder de si mesmo e da sociedade, devido aos padrões e tabus impostos por esta. Atualmente, ao trabalhar com a ideia bufonesca a partir da deformação física, o figurino é de extrema importância; porém, a corporeidade construída através do treinamento com esta técnica, é fundamental para que não tenhamos apenas uma imagem superficial da bufonaria. Acreditamos que para a constituição de tal figura o ator deve buscar um corpo que pareça verdadeiro, pela qualidade de sua caracterização e, principalmente, pelo seu trabalho de criação. A pesquisa teve como objetivos compreender como se dá a construção do corpo bufonesco e como este se configura na transformação do corpo do ator, bem como inquerir como se constrói tal corpo a partir das oficinas e espetáculos do Grupo Bufões de Olavo. Para tanto, partiu-se de tais questionamentos: Como a técnica de bufão pode ser potente no treinamento do ator/atriz? Como se configura o corpo bufonesco ético/estético na contemporaneidade e como tal técnica de bufão pode ser utilizada nos processos de formação do ator/atriz contemporâneo? A proposição metodológica utilizada foi a observação participante como uma metodologia que não se coloca como agente de interferência direta, mas, que está envolvida completamente, sendo necessário um registro minucioso, que pode ser feito em material audiovisual, para que o pesquisador possa observar inclusive a si mesmo, dentro do processo de construção do trabalho realizado. Através da montagem do espetáculo “Wanderer – O Reino dos Cegos”, investigamos os exercícios dentro da técnica de bufão, experimentamos e discutimos. Percebemos o quanto amadurecemos e o quão importante tem sido trabalhar com esta estética, desenvolvendo nosso discurso enquanto artistas, pessoas, produtores de arte. Desenvolvemos oficinas e performances, que nos deram a oportunidade de observar a reverberação desse trabalho em outras pessoas, podendo perceber a potência dessa pesquisa na contribuição do nosso trabalho e de outros artistas que pudemos ter contato.

6
  • ANA RACHEL DA SILVA CAVALCANTE
  • ELES NÃO USAM BLACK-TIE: UMA LEITURA DAS MICRO-RELAÇÕES DE PODER

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 17/02/2017
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  • Esta pesquisa possui como principal objetivo analisar e estudar as micro-relações de poder existentes entre as personagens da peça Eles Não Usam Black-Tie, escrita por Gianfrancesco Guarnieri, em 1955. Pretendemos também mostrar um experimento cênico, no qual buscamos visualizar os micro-poderes em cena. A metodologia escolhida inclui a leitura do texto de Guarnieri observando a inter-relação entre as personagens. Esta observação é realizada sob a perspectiva do poder. O nosso principal suporte teórico para a realização das análises é um conjunto de colocações apresentadas pelo pensador francês Michel Foucault, especialmente a respeito da obra Microfísica do Poder e das questões referentes às teias do poder. As reflexões trazidas por Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço e Anatol Rosenfeld foram também primordiais para entender os aspectos dramatúrgicos da peça, como também a estrutura macropolítica da época em que ela foi encenada. Desse modo, a pesquisa visa facilitar a percepção para as micro-relações presentes no texto Eles Não Usam Black-Tie, bem como expor uma possibilidade de visualização cênica destes elementos. Para isto, utilizamos para a reflexão cênica autores como: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Ana Alvarado, Roberto Machado e Gilles Deleuze.    

7
  • CAMILA SILVEIRA DUARTE
  • AFECÇÕES E PAISAGENS IN TRANSIT: Processos de Desterritorialização / Reterritorialização e Deslocamentos Poéticos nas Obras da Artista Afegã Lida Abdul

  • Data: 22/02/2017
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  • Esta pesquisa tem como intuito apresentar uma reflexão acerca da trajetória artístico-biográfica da artista afegã Lida Abdul (1973), a partir da análise de três de suas obras: “In Transit” (2008), “Military / Body” (2004) e “Global Porn” (2002), nas quais levanta questões e aborda temas sobre intervenções artísticas em territórios de conflito, relações entre corpo e violência, e reflexões sobre a dialética entre o sistema capitalista e performances políticas, respectivamente. Também serão discutidos, em consonância com as obras da artista, os conceitos de desterritorialização e reterritorialização, identidades móveis, e fronteiras permeáveis entre as linguagens artísticas, tendo como objeto direto para esse diálogo: a Performance Art.

8
  • JANAINA GOMES DA SILVA
  • Cara da Mãe: uma jornada de criação pela via da Mitodologia em Arte

  • Data: 22/02/2017
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  • Em meio ao desejo de contar a história de sua mãe e de suas antepassadas por meio da dança e do teatro, Janaína Gomes engravidou de Lótus, seu filho. No mesmo tempo/espaço, duas outras artistas, Ana Luiza Bione e Íris Campos, também grávidas, foram convidadas por Janaína a adentrarem no processo e juntas fundaram o Coletivo Cênico Tenda Vermelha, em Recife-PE, no ano de 2012. A busca por uma escrita de si partindo da experiência materna de cada artista-criadora deste coletivo fez do encontro com a Mitodologia em Arte um ‘caminho de criação’, um meio de transpor para a cena as experiências vivenciadas pelas artistas em contato também com outros coletivos de mães. A Mitodologia em Arte, criada pela Profa. PhD. Luciana Lyra a partir de seus estudos acerca da Antropologia do Imaginário de Gilbert Durand (2012) e da Antropologia da Experiência capitaneada por Victor Turner (1986), é um complexo de criação cênica que lida com forças pessoais as quais movem o atuante na relação consigo mesmo e com a alteridade, em retroalimentação (2010). A presente dissertação visa justamente desvelar a trama investigativa empreendida por Janaína Gomes e o Tenda Vermelha pela via mitodológica, e que acabou por resultar no espetáculo intitulado Cara da Mãe (2015), dirigido por Lyra. Escrito de forma autobiográfica (JOSSO, 2009), e performática (LYRA, 2010), a dissertação toma ainda como guia a jornada do herói (CAMPBELL, 2007).

9
  • KARLA LIDIANE COSTA MARTINS SILVA
  • Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção.

  • Data: 22/02/2017
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  • A presente dissertação, intitulada Thérèse, êxtase de um corpo ofertado: travessia mitodológica de uma artista de f(r)icção, trafega sobre os solos da arte e do sagrado, aqui abordados por meio de uma pesquisa prática/teórica encampada pela artista-pesquisadora Karla Martins acerca do seu mito-guia: Santa Teresinha do Menino Jesus. A santa francesa, também conhecida como da Sagrada Face, manifesta-se nesta investigação a partir do campo da mitologia pessoal da artista-pesquisadora e é desvelada por uma experiência performática. Para a construção desta experiência, lança-se mão da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, práticas/conceitos capitaneados pela Prof. Ph.D. Luciana Lyra (UERJ / UFRN), que, por sua vez, estão ligados aos campos da Antropologia da Experiência (Antropologia da Performance), do antropólogo Victor Turner, e da Antropologia do Imaginário, do sociólogo Gilbert Durand, que em si transitam acerca de ritos de passagem, da imagem, do mito e do ritual. A partir da aplicação dos procedimentos mitodológicos, vê-se eclodir as pulsões mais íntimas da artista-pesquisadora, que perpassam a escrita e a criação da performance Thérèse

10
  • WALLACE JOSÉ DE OLIVEIRA FREITAS
  • DOSSIÊ JAN FABRE: DIÁLOGOS E GERMINAÇÕES

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 22/02/2017
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  • O presente trabalho procura desenvolver reflexões no campo das artes sobre as possibilidades de teatro para além do texto clássico (aristotélico) e das separações homogêneas das linguagens artísticas levando em consideração duas produções do artista belga Jan Fabre. Entendendo que teatro performativo seria esse lugar entre o teatro e a performance, onde um percebe no outro a capacidade de germinação, objetiva-se apresentar esse artista e utilizar como base as obras The Power of Theatrical Madness (o reenectament de 2012) e Mount Olympus (uma performance de 24 horas de duração – 2015), e, ainda, a sede do diretor – o Troubleyn / Laboratorium. A partir do título do trabalho, sou encaminhado para a ideia de dossiê enquanto espécie de coleção de documentos ou “pequeno arquivo” que contém algum assunto para análise. Nessa ideia, procuro desmembrar características do trabalho artístico de Fabre. Trata-se de obras específicas, mas cuja análise crítica acaba por denunciar o modus operandi de Fabre como um todo. Reside aqui, uma tentativa de traduzir Fabre e seu trabalho, não somente no que tange à linguagem, mas no que se refere às imagens, vídeos e buscas. É uma tradução das várias informações e entrevistas realizadas ao longo dessa jornada. É a tradução também do que eu sinto, percebo e assimilo nesses diálogos constantes com o Troubleyn.

11
  • ALEXANDRE ARAÚJO DE OLIVEIRA
  • MAPEAMENTO SENTIMENTO-EMOCIONAL DA OBRA CINZAS AO SOLO: URDIDURAS DE UMA CRIAÇÃO EM DANÇA.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 23/02/2017
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  • O texto ora apresentado é resultado da pesquisa de cunho teórico-prático de dissertação de mestrado com título Mapeamento Sentimento-emocional da Obra Cinzas ao Solo: urdiduras de uma criação em dança. A partir da discussão recorrente da atuação das emoções e suas expressões no âmbito da dança cênica ocidental, sobretudo, na contemporaneidade, traz à tona conceitos advindos das ciências cognitivas sobre emoção, sentimento, e sentimentos emocionais, abordados por estudiosos como António Damásio (2011) e Paul Ekman (2011). Tem por objetivos apontar como o entendimento proposto por esses autores pode configurar a construção de obras de dança contemporânea e discutir possíveis ferramentas de recuperação de estados emocionais para a performance da obra investigada por meio de mapeamentos dos sentimentos de emoções. Esta pesquisa tem como metodologia a análise qualitativa e processual da criação do Cinzas ao Solo, obra solística apresentada pelo autor. O texto está disposto da seguinte maneira: um primeiro capítulo introdutório ao tema das emoções e sentimentos tratados nas artes da cena, mais especificamente na dança, com base nos olhares lançados às próprias emoções e sentimentos por pesquisadores das ciências da mente. Em seguida, é apresentado o objeto da pesquisa: A investigação no modo como as emoções e não somente suas expressões operaram em um processo de criação em dança. Logo, é exposto o caminho metodológico que percorremos ao longo do escrito para, só então, serem anunciados os conceitos de emoções e sentimentos de modo mais aprofundados e já operacionalizados no capítulo II. No último capítulo é descrito como o jogo das emoções se deu durante a criação da obra Cinzas ao Solo, o que compreende os momentos de Respiro, que são os instantes finais nos quais há as apresentações públicas da obra em estudo. Por fim, trazemos as considerações finais, tecidas junto a reflexão gerada pela totalidade da experiência da pesquisa artístico-acadêmico. Nosso desejo é que esse trajeto escrito possa contribuir para o laborar e refletir de outros artistas, uma vez que tentamos, durante todo o percurso investigativo, lançar luz sobre alguns dos aspectos que consideramos mais importantes na feitura da dança cênica: as emoções e os sentimentos. Pois, seguramente, quanto mais consciência do funcionamento desses mecanismos presentes no corpo, melhor podemos velejar nas paisagens infindáveis da criação.

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  • DANIELA BENY POLITO MORAES
  • Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 23/02/2017
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  • A presente pesquisa de mestrado “Os elementos de Iansã como possibilidade para criação cênica”, sob orientação da professora doutora Teodora de Araújo Alves visa compreender o trânsito da Dança de Iansã e dos seus elementos míticos entre o Candomblé, o Afoxé, o Laboratório e o Teatro, a fim de elaborar uma proposição metodológica para ampliação do repertório corporal de intérpretes-criadores/as. Por se tratar de um estudo que envolve subjetividade dos/as indivíduos/as relacionados/as a esta pesquisa, o mesmo se debruça sobre as bases da Fenomenologia proposta por Merleau-Ponty ao tratar da corporeidade como a forma de ser-estar no mundo. Para refletir sobre os campos da Performance que compõe esta investigação, busco dialogar com a Antropologia da Performance com base nos estudos de Richard Schechner e Victor Turner, a Antropologia Teatral proposta por Eugenio Barba e os estudos em Performances afro-ameríndias desenvolvido por Zeca Ligiéro. Esta investigação se desenvolveu junto ao Afoxé Oju Omim Omorewá (Maceió/AL), observando a saída-de-orixá da Ialorixá Nany Moreno – também coordenadora do Afoxé – e com os experimentos prático-criativos junto ao Coletivo Cores (Natal/RN).

13
  • ROCIO DEL CARMEN TISNADO VARGAS
  • O Sul Corpóreo: Práticas Teatrais Interculturais para a Descolonização do Imaginário

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 23/02/2017
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  • O sul corpóreo é uma metáfora que busca pensar as epistemologias do sul criadas por Boaventura de Sousa Santos como ponto de convergência com a prática teatral. Sendo a prática uma bússola nesta investigação, buscou-se encarnar essa metáfora a partir da criação de uma prática corporal que leva conceitos das epistemologias do sul à práxis e abraça a proposta de interculturalidade para dinamizar princípios da dança ritual da capoeira e da dança ritual da cosmovisão maia, duas filosofias do sul. Como poesia final da dissertação, criou-se o espetáculo Amareelos a partir do universo simbólico de Quetzalcoatl – Kukulkán, figura mítica mesoamericana. Representamos o caráter empírico como diretriz metodológica dessa investigação através de uma mandala, mostrando a dinâmica que envolve esse processo “ao sul” em suas contexturas teórico-práticas.

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  • TATIANE CUNHA DE SOUZA
  • O GRUPO MARÉ DE ARTES E A COMUNHÃO RITUALÍSTICA: UM JOGO ENTRE SUJEITOS DE F(R)ICÇÃO

  • Data: 23/02/2017
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  • A presente pesquisa tem como estudo central o processo de criação e as experiências cênico-rituais construídas junto aos integrantes do Grupo Maré de Artes Programa Mais Cultura Nas Escolas, da Escola Municipal Edinor Avelino – Macau/RN, em que a pesquisadora atuou como professora de Teatro, entre os anos de 2014 e 2016. Tal processo criativo foi fomentado a partir de caminhos pedagógicos experienciados, que focam em princípios e procedimentos ritualísticos do jogo e da cena. Da vivência com o Bando La Trupe, desenvolvendo experiências de arte pública, passando pelo Arkhétypos Grupo de Teatro e a proposição da arte do encontro, chegando à Unaluna e os conceitos/práticas da Mitodologia em Arte e da Artetnografia, a pesquisadora aponta o aluno-atuante como sujeito de f(r)icção (LYRA, 2014), que  atrita suas histórias reais e ficcionais, transitando entre o real e o imaginário, numa constante f(r)icção dele com ele mesmo, dele com o outro e com a comunidade que está inserido.

     

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  • KÁTIA CELYANE FARIAS SCHMITT
  • EXPERIÊNCIAS DE CRIAÇÃO CÊNICA COM ATRIZES E ATORES NA TELEVISÃO: O Programa Ciência Aberta da TV UFPB.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 08/03/2017
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  • Esta pesquisa busca analisar de que forma os processos colaborativos, amplamente difundidos nas práticas teatrais contemporâneas e em expansão no cinema brasileiro da última década, podem ser aplicados à produção em televisão. Desta forma, visa aprofundar os estudos sobre técnicas de preparação do ator e da atriz no contexto da ficção televisiva, linguagem popularmente difundida em nosso país, porém pouco estudada sob o prisma da atuação.  A investigação parte da experiência da autora na direção de teledramaturgia do programa Ciência Aberta, produzido pela TV UFPB, o qual aborda a relação entre o conhecimento científico e o saber popular utilizando-se da linguagem jornalística e da teledramaturgia, respectivamente, em uma estética que revela o processo de criação dos atores e atrizes a partir da metalinguagem. Propõe-se, então, um diálogo com estudos teóricos das áreas do cinema, do teatro e da televisão, lançando um olhar sobre as relações de fronteira e contaminação que se estabelecem entre elas, especificamente no tocante às técnicas de preparação de ator/atriz. Realiza-se ainda uma interlocução com entrevistas cedidas por atores, atrizes e diretoras de televisão, bem como com os relatos da experiência citada, em busca de um entendimento sobre as relações entre ator/atriz e câmera e seus desdobramentos na criação artística em televisão. A etapa prática da pesquisa consiste na realização de uma oficina realizada com atores, atrizes e estudantes do curso de Teatro da UFPB, resultando na construção do primeiro episódio da segunda temporada do programa Ciência Aberta, no qual se busca a radicalização do que já fora proposto na primeira temporada do programa: o aprofundamento e explicitação dos processos de criação do ator e da atriz, os modos de produção audiovisual, as metodologias e conceitos de suporte da criação. Norteiam este trabalho os autores Arlindo Machado, que explana o universo do audiovisual, Jackeline Nacache, que se concentra no ator/atriz de cinema, Constantin Stanislavski, cujos estudos sobre o ator/atriz são a base para diversas técnicas de atuação seja no teatro ou no cinema, e Walmeri Ribeiro, que aborda a relação de co-criação do ator/atriz no audiovisual. Pretende-se com esta pesquisa contribuir para a reflexão e discussão sobre a formação do ator e como as artes cênicas se integram aos modos de produção na televisão brasileira contemporânea, em particular, no âmbito da atuação para a câmera.

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  • ARIANE DO NASCIMENTO MENDES
  • EXPERIÊNCIA ESTÉTICA E DRAMATURGIA EM DANÇA CONTEMPORÂNEA: um estudo de caso a partir das obras coreográficas “Ego” (2015), “ESCrito Absurdo” (2016) e “Nuance” (2016)

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 18/04/2017
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  • O objetivo desta pesquisa foi investigar a experiência estética em Dança Contemporânea a partir de obras construídas com movimentos não-representativos, considerando que sua dramaturgia prima por ser não-linear, e sua construção se dá através da materialidade do movimento e do corpo, pela sua investigação. Assim, discutimos sobre como acontecem as experiências estéticas a partir de entrevistas com apreciadores das obras coreográficas escolhidas para compor a pesquisa, além do referencial teórico sobre Dança Contemporânea e sua dramaturgia com autores como Laurence Louppe, Patrícia Leal, Rosa Hercoles, Paulo Caldas, Ana Carolina Mundim, entre outros. A pesquisa foi conduzida pela metodologia qualitativa, de caráter participante, e se caracteriza ainda em um estudo de caso, tendo como objeto norteador a dramaturgia e a experiência estética do espetáculo “Ego” (2015) do Grupo de Dança da UFRN, e do espetáculo “ESCrito Absurdo” (2016) dos criadores Vladimir Rodriguez (Colômbia) e Omar Carrum (México). Também buscamos informações com Diana Fontes, coordenadora geral do Encontro de Dança de Natal/RN, por ser um evento que lida diretamente com apresentações e, portanto, com experiências estéticas em Dança Contemporânea de diversas vertentes. Assim, fizemos recolhimento de material bibliográfico através das entrevistas realizadas com os artistas e apreciadores dos espetáculos supracitados. Além dos depoimentos recolhidos dos apreciadores do trabalho coreográfico “Nuance”, que foi construído para experimentar a construção de dramaturgia apenas com o movimento não-representativo e a possibilidade de uma obra coreográfica ser atividade de mediação de si mesma, bem como atividade de formação de público. A relevância da pesquisa se dá pela contribuição para as discussões sobre público e experiências estéticas em Dança Contemporânea, pois ainda há poucos estudos registrados no Brasil, e mais especificamente em Natal/RN sobre este tema.

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  • JOSÉ CLEBER BARBOSA DE LIMA
  • A VIDA EM TRÂSITO: LOUCURA E PROCESSOS CRIATIVOS 

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 24/07/2017
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  • Com a reforma psiquiátrica em todo o mundo, os profissionais da saúde começam a rever mudanças no contexto histórico da loucura.  Em um cenário de criticas, fundamenta-se uma nova ideia à loucura e a sua nova estrutura psicossocial a partir dos Centros de Atenção Psicossocial, os CAPS. Estes são espaços terapêuticos que visam à substituição progressiva dos manicômios. Com uma abordagem diferenciada ao assistido, os CAPS, se diferenciam dos hospitais psiquiátricos pela sua consonância psicossocial e de reinserção frente a sociedade. Os assistidos, nesses serviços de saúde mental, participam das inúmeras atividades artísticas e terapêuticas oferecidos pelos mais diversos profissionais. Tendo o assistido como protagonista do trabalho de reinserção social do CAPS, esta pesquisa acompanha e discute o processo criativo da performance Quebrando Muros, realizados com os assistidos do Centro de Atenção Psicossocial – CAPS III Caminhar, na cidade de João Pessoa, Paraíba. A partir do acompanhamento e das observações dos indivíduos na criação e nas apresentações são abordados qualitativamente os fenômenos decorrentes deste estudo de forma descritiva e indutiva, cujos procedimentos estão enraizados e em consonância com a performance e a  loucura, discutidas por Renato Cohen (2011), Jorge Glusberg (2009) e Michael Foucault (2014). Em nosso estudo, enfatizamos a pesquisa qualitativa, porque esta é uma ferramenta de bastante relevância para o processo social dos assistidos no CAPS III – Caminhar. Buscando visualizar o contexto em que estes estão inseridos, e a partir daí, teremos uma maior integração desse objeto de estudo que implique melhor compreensão do fenômeno.

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  • EVERSON OLIVEIRA DA CRUZ
  • O que os olhos não veem: o não visível como forma de apreciação teatral

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 28/07/2017
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  • O presente trabalho aborda o espetáculo teatral “O que os olhos não veem”, que amparado pelo universo da cegueira, tem como prerrogativa de apreciação a cena não visível e propõe uma discussão no campo da recepção teatral, sobre o olhar do espectador no contexto de uma proposta amparada pela não vidência. A pesquisa objetiva investigar como a característica não visível da referida proposta cênica possibilita a percepção do espectador emergida da relação corpo-espaço; e compreender como a possibilidade da não visibilidade da cena potencializa a capacidade de apreciação do espectador. Para tanto são colocadas as seguintes questões: é possível a apreciação de um espetáculo teatral sem o agenciamento da visão? De que forma o corpo assiste um espetáculo teatral que dispensa o recurso da visão? Como se dá o olhar a partir de uma experiência em que a não vidência é prerrogativa da apreciação? O lócus da pesquisa é o projeto de extensão “O que os olhos não veem o coração (não) sente”, vinculado ao Centro de Educação e Departamento de Práticas Educacionais e Currículos da Universidade Federal do Rio Grande do Norte. A pesquisa centra-se no campo da recepção teatral e tem a fenomenologia como aporte metodológico para compreender a experiência de apreciação do espectador interditado da visão ocular. Os relatos dos espectadores são gravados, transcritos e organizados em três temas de discussão: o espaço da cena e o espaço do corpo; a reversibilidade dos sentidos na cena; e a emancipação do olhar. O texto é conduzido pelo pensamento de Maurice Merleau-Ponty, e seus interlocutores, traçando redes de comunicação com os estudos de Flávio Desgranges,  no campo brasileiro da recepção teatral, e Jacques Rancière, no que tange a emancipação do olhar do espectador. A experiência teatral no contexto da discussão compreende o espectador como coautor da cena. A interdição da visão ocular faz esfumar os corpos no espaço cênico e configura um labirinto de caminhos a serem desbravados pelo espectador, que diante da não vidência percebe outros modos de apreciar a cena, reorganizando sua experiência para ver de corpo inteiro, tal qual Argos Panoptes. Esta situação permite desvelar uma emancipação do olhar no âmbito da cena teatral.

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  • SURAMA SULAMITA RODRIGUES DE LEMOS
  • Título: UPCYCLING COMO PERSPECTIVA CRIATIVA NO TRAJE DE CENA DO CRUOR ARTE CONTEMPORÂNEA

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 28/07/2017
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  • RESUMO: Esta pesquisa trafega sobre uma investigação a respeito do processo de criação que é desenvolvido junto aos figurinos das produções cênicas da coligação Cruor Arte Contemporânea. Para tanto dialoga com o conceito de Upcycling cunhado por Alison Gwilt, cuja técnica vem sendo adotada como uma perspectiva criativa no que se refere sobretudo à moda e que aplico à construção de figurinos, trazendo como principais referências estéticas norteadoras o diálogo entre a vida e obra da artista plástica mexicana Frida Kahlo, do cineasta espanhol Pedro Almodóvar, do múltiplo artista francês Antonin Artaud e do artista brasileiro Artur Bispo do Rosário investigando como essas referências dialogam com a moda e com a construção de trajes para a cena. Por se tratar de um estudo que envolve a minha própria prática enquanto artista-figurinista, trago como aporte metodológico a pesquisa-ação sobretudo a partir de David Tripp enfatizando a questão da interação entre o sujeito e seu objeto de pesquisa, tendo em vista essa relação, diante desta minha ação enquanto artista-pesquisadora e adotando como método o diário de pesquisas, além do registro fotográfico e vídeo, e técnicas típicas da área de moda e da criação de figurinos como a moulage e o croqui. Inicio com uma introdução sobre a minha aproximação com o meu objeto de estudo atrelado ao diálogo entre moda e figurino sob as perspectivas de Fayga Ostrower, Adriana Leite e Lisette Guerra, além de Stanislavski e Lipovetsky. Em seguida é apresentado o objeto da pesquisa que se desenvolve na coligação intitulada Cruor Arte Contemporânea apresentando o caminho metodológico que foi percorrido. Por último descrevo as questões voltadas ao âmbito do processo de criação dos figurinos junto ao Laboratório de Criação, Execução e Manutenção de Trajes para a Cena e a abordagem do conceito de Upcycling como prática criativa e metodológica na prática do figurinista.

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  • CAMILA BARBOSA TIAGO
  • Reflexões sobre possibilidades pedagógicas em iluminação cênica

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 31/07/2017
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  • Esta pesquisa pretende refletir o processo de ensino/aprendizagem em Iluminação Cênica. Diante da amplitude curricular que o campo da iluminação oferece, busca-se refletir sobre quais conteúdos sejam relevantes para a formação do atuante em Teatro a fim de que esteja familiarizado com essa área específica, sobretudo para que perceba e esteja consciente da iluminação como elemento de composição da sua prática artística. Elaborar uma proposta pedagógica desta relação é o objeto de pesquisa desta dissertação. Para promovê-la, parte-se da tomada de consciência da autora sobre sua trajetória de aprendizagem em iluminação dentro do curso de graduação em Teatro da Universidade Federal de Uberlândia (UFU). Posteriormente, a autora reconhece a forma intuitiva com a qual desenvolveu os trabalhos como diretora de iluminação, junto ao mesmo curso dentro de algumas disciplinas da grade curricular, e, então, reflete sobre sua prática e constitui ações potencialmente capazes de colaborar com o processo de formação dos discentes do curso de Teatro da referida Universidade. Para tanto, busca-se o pensamento de construção do conhecimento instituído por Paulo Freire, que considera que o sujeito está em constante diálogo para a construção de seu conhecimento, tornando-se autônomo no processo de aprendizagem, e que, ainda, propõe a experiência como atitude pedagógica para o desenvolvimento de uma prática crítica/reflexiva. Assim, pretende-se pensar sobre uma proposta pedagógica que dialogue a partir da percepção da iluminação pelo sujeito para que ele possa fazê-la necessária durante a composição do seu próprio trabalho.

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  • ILANA SUELY DOS SANTOS
  • Título: memórias dos corpos e lugares sob o olhar da dança dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 31/07/2017
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  • Esta pesquisa busca investigar as memórias dos corpos entrelaçados aos lugares de memórias vividos pelos brincantes dos Congos de Calçola da Vila de Ponta Negra- Natal/RN.  Para o desenvolvimento e compreensão da pesquisa, apoiamo-nos na Fenomenologia de Merleau-Ponty, que é capaz de desvelar o tema, ou seja, mostrar aquilo que se mostra e não aquilo que parece ser e, para isso, consideramos o olhar fenomenológico de brincantes da Vila, com ênfase no Grupo Congos de Calçolas que, ao incorporarem, construírem e reconstruírem seus corpos e ações cotidianas, lutam pelo reconhecimento e reafirmação da sua cultura. Transitamos na Vila a partir da experiência enquanto pesquisadora sobre o fenômeno desde a Graduação em Dança, e visitamos lugares de memória que, configuram-se como sendo o resultado das construções dos grupos sociais que determinam o que é memorável e os lugares onde essa memória torna-se preservada.

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  • ABRAÃO LINCOLN ROSENDO FRAZÃO
  • Formação do Sujeito Espectador: Uma Experiência com o Projeto Encontro com o Artista/IFRN-Campus Macau

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 31/08/2017
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  • A pesquisa considerou o espaço escolar como mundo vivido dos fazeres artísticos relacionados a arte do teatro a partir da apreciação artística do Projeto “Encontro com o Artista”, em especial no IFRN Campus Macau. O objetivo dessa pesquisa dissertativa foi compreender e refletir sobre o processo de ensino de teatro a partir da apreciação de espetáculos teatrais por meio do Programa “Encontro com o Artista”, realizado no Instituto Federal do Rio Grande do Norte – IFRN, Campus Macau, entre os anos 2015 e 2016, para as turmas da 2ª série do Ensino Médio que frequentam o componente curricular Arte/teatro.  A partir do objetivo proposto questionou-se: Como os alunos do Ensino Médio podem aprender sobre teatro por meio da apreciação de espetáculos teatrais? Como esses discentes podem compreender a linguagem teatral por meio de debates e processos de mediação? Como ampliar o acesso à arte do teatro dentro da escola e a reflexão crítica para a construção de um sujeito espectador? O aporte metodológico baseou-se na pesquisa Qualitativa tendo como abordagem a Ação-Participante. Ao adotar tal abordagem metodológica considerou-se a inserção do pesquisador no meio pesquisado, a participação efetiva da população pesquisada na pesquisa, a transformação da realidade. A pesquisa apoiou-se ainda nos estudos e reflexões de Barbosa (1991) em especial na sua Abordagem Triangular, de Desgranges (2010) quando discute a Pedagogia do Espectador, de Pavis (2003) ao analisar o espetáculo, de Freire (1996) quando considera a educação como autonomia e de Araújo (2012) e suas inter-relações entre tecnologia, espectador e cena. Considerou-se que essa experiência artístico-pedagógica denominada Encontro com artista, apresentou um caráter de extrema importância no que diz respeito ao campo do ensino da arte desenvolvido no Instituto Federal Campus Macau.

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  • LUCIANO INÁCIO DA SILVA SALES
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     QUANTO  MAIS  REGIONAL,  MAIS  UNIVERSAL EU SOU – O cordel de Antônio Francisco como matriz criativa para a construção da cena

  • Orientador : ANDRE CARRICO
  • Data: 30/11/2017
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  • Este trabalho é resultado de uma pesquisa interventiva desenvolvida no programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas/UFRN, e tem caráter qualitativo.  Apresenta uma possibilidade de proposta dramatúrgica para pesquisadores interessados em trabalhar com textos não teatrais, neste caso, a literatura de cordel, utilizada como matriz criativa para a construção da cena teatral.  A fonte da presente pesquisa é a poesia popular do cordelista e historiador mossoroense Antônio Francisco, explorada durante o processo de adaptação de folhetos de cordéis em peças de teatro. Nossa tentativa de contribuição aqui talvez se encontre nos diálogos processuais, nos detalhes relatados, nas experiências comprovadas pelas apresentações públicas da adaptação da peça e nos  resultados que surgem e se renovam ao longo delas. Entendemos que cada processo criativo possui sua própria singularidade. Os instrumentos e estratégias são semelhantes, mas não idênticos. Como objeto de investigação, nos basearemos na montagem dos espetáculos ‘Dois Cabras Num Cordel Só’, 2010, e ‘Oscabra’, 2017, feitas pela Ciamargem de Teatro, de Natal, nas quais utilizamos os cordéis do livro do poeta Antônio Francisco: ‘Dez Cordéis Num Cordel Só’, 2002.

2016
Dissertações
1
  • ANDRÉ MANUEL DE OLIVEIRA SALVADOR
  • FENDA – Zonas de Negociação Temporárias: As fricções entre Inscrição e Não – Inscrição que caracterizam um sujeito português no Teatro de Metamorfoses Imperial

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 16/02/2016
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  • O objetivo desta dissertação foi estabelecer um diálogo entre arte e política, a partir dos estudos da performance (COHEN, 1989), (FÉRAL, 2014), (SCHECHNER, 2007), (ZUMTHOR, 2007), (PHELAN, 1992). Tomando como hipótese que as fricções entre inscrição (GIL, 2004, 2009, 2014) e não-inscrição que caracterizam o sujeito português construíram o meu percurso artístico no teatro de metamorfoses imperiais (SLOTERDIJK, 2002). Ou seja, onde o meu corpo surge como espaço de inscrição construiu-se um jogo para uma performance de metamorfoses. Para tal, desenvolvi textos autobiográficos que traduzem as metamorfoses vividas tanto em Portugal como Brasil. Incidindo sobretudo no período em que Portugal aderiu à Zona Euro e às manifestações ocorridas no Brasil desde a minha chegada. A partir da literatura consultada este contexto de crise foi nomeado como teatro da metamorfoses imperais criando o con(texto) para a performance FENDA – Zonas de Negociação Temporárias (2016), que se traduz em dois processos de criação que desenvolvi ao longo da pesquisa e nas experiências artísticas, culturais e sociais que vivi em solo brasileiro. O professor Bhabha, entre outros, ajudou-me, antropologicamente, a pensar em modos de organização do espaço nos países colonizados e nos países colonizadores. No jogo que criei na performance, busquei, então, mecanismos para a negociar a diferença (BHABHA, 2000), e criar as relações de alteridade e o saber que pretendo politizar.

2
  • ALDAIR RODRIGUES DA SILVA
  • O objeto faltoso em Moema de Nelson Rodrigues: do personagem ao processo criativo

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 28/03/2016
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  • Este trabalho tem por objetivo dialogar com alguns conceitos da psicanálise e a relação com o “objeto faltoso”, sobretudo, em Jacques Lacan (1995), bem como refletir sobre o discurso amoroso de Roland Barthes (2003) na peça Senhora dos Afogados (2004) de Nelson Rodrigues. Para tanto, privilegia-se a personagem Moema e suas ações como elo de nossa proposta teórico-prática. Pretende-se, através da pesquisa, explorar a ideia brookiana de “espaço vazio” (BROOK, 2011) para a criação cênica e contemplar o conceito de “falta” lacaniana com a teatralidade rodrigueana. Entendemos as ações da protagonista da peça sob duas vertentes, a saber; a do sujeito amoroso enquanto preenchimento das angústias do objeto faltoso; e, a do processo criativo enquanto proposta cênica. A investigação leva em consideração, também, o estudo das pulsões, segundo Freud (1972), em relação à linha de atuação da personagem, bem como conceitos de apropriação (BEIGUI, 2006), alteridade (BEZERRA, 2007), memória (BEZERRA, 2007; IZQUIERDO, 2010) e autobiografia (BEZERRA, 2007; MONTEIRO, 2011).

     

3
  • RAFAEL LEITE FREIRE
  • O CORPO ALIENÍGENA NO ENTRE-LUGAR MÍDIAS E ARTES: UMA ANÁLISE DAS PERSONAGENS DE JORNADA NAS ESTRELAS

  • Orientador : ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • Data: 28/03/2016
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  • Este trabalho tem como objetivo geral compreender as continuidades e descontinuidades históricas na representação dos corpos monstruosos/alienígenas no diálogo entre a linguagem televisiva, teatral e cinematográfica. Procuro, assim, o entre-lugar que o corpo transversaliza nos espaços acerca dessas linguagens com base no seriado Jornada nas Estrelas dos anos 1960, no projeto de teatro de rua “Trek in The Park” (2009-2013), e no filme homônimo ao seriado (2009). Nesses três objetos artísticos-midiáticos se verificou uma mudança na percepção ao corpo monstruoso. No decorrer da história, esse corpo foi visto em produções artísticas variadas, como a representação do feio, e produtor dos sentidos de medo, constrangimento e riso. No corpus de análise pressuponho uma mudança ao olhar esses corpos na contemporaneidade, por se tratar de um período no qual se assiste a um maior protagonismo de minorias, a exemplo de gays, negros e mulheres, e ainda maior visibilidade do corpo monstruoso - agora gerador de identificação positiva - nos âmbitos da performance e da cena em geral. Portanto, os objetivos específicos são: percorrer historicamente as concepções de corpo monstruoso, relacionar as concepções de corpo na contemporaneidade, analisar a produção de sentidos e o investimento político nos corpos alienígenas. Para tanto, o trajeto teórico-metodológico se constitui por meio do movimento intericônico proposto por Courtine (2013), o qual se refere a imagens que estão ligadas à memória interna (lembranças) e externa (diversas imagens visualizadas). Tal como ao conceito de Dispositivo, de Foucault (1979), entendido como a rede que interliga discursos, instituições, proposições filosóficas ou morais, enunciados científicos, etc. Assim como o conceito ampliado e atualizado por Agamben (2009). Analiso, pois, dois episódios de Jornada nas Estrelas encenados também pela companhia Teatral “Trek in the Park: Tempo de Loucura” e “A Caminho para Babel”, procurando de forma aprofundada debater a respeito do corpo dos Vulcanos e seu gestual. Por fim, concluo o personagem Spock como controverso e com ares de anti-herói.

4
  • JUAREZ ZACARIAS NETO
  • O ARTÍSTA-DOCENTE: A LENTIDÃO COMO ESCOLHA PROCESSUAL EM DANÇA

  • Orientador : PATRICIA GARCIA LEAL
  • Data: 05/04/2016
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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal investigar a lentidão como metodologia de conhecimento do corpo e como potência criativa para a dança. Compreende a lentidão como potência qualitativa, proporcionando reflexões acerca do corpo na dança. O processo de aceleração dos corpos na contemporaneidade abriu espaços potentes de investigação nesta pesquisa, como: refletir acerca do processo de desaceleração do corpo que dança, culminando em uma reflexão sobre a pausa na dança; investigar como se dá através do sabor da lentidão o processo de entendimento qualitativo do movimento dançado, no seu fazer artístico-criativo e pedagógico; propor a dança como potência, proporcionando o entendimento da mesma como área de conhecimento e de ampliação da consciência por meio das experiências vividas.

                    Os relatos da infância, do início da trajetória artística, da aplicação prática da pesquisa realizada na Escola de Dança do Teatro Alberto Maranhão, do projeto cênico Amiúde (2015) e do fazer artístico-docente, proporcionaram uma reflexão acerca das potencialidades da dança, propondo a lentidão como linguagem em dança que se constrói aos poucos e profundamente, gerando um aumento na consciência de si e do mundo.

                    A lentidão atua nesta pesquisa como objetivo de investigação principal e como metodologia de uma linguagem em dança. O estudo da Eukinética labaniana, da “dança pelos sentidos: composição coreográfica” e da “improvisação pelos sentidos” de Leal (2012) nos fez perceber que os estudos das qualidades expressivas do movimento dançado e o estudo de propostas metodológicas em dança contemporânea, baseada nos sentidos, culminaram no entendimento do movimento, da pausa e da dança como potências qualitativas que ampliam a consciência do corpo, entendendo-o em sua totalidade.  

     

5
  • ERICKALINE BEZERRA DE LIMA
  • Arquivos censurados de Nelson Rodrigues: uma leitura crítica nas redes da criação 

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 22/04/2016
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  • Nelson Falcão Rodrigues (1912-1980) autor que introduziu a modernidade cênica no Brasil, também se tornou conhecido por retratar, em suas obras, um mundo obscuro tomado por personagens obsessivos e perturbados, tais características foram decisivas para que a censura do Rio de Janeiro e São Paulo o acompanhassem em toda sua trajetória artística. Nesta dissertação, trazemos à luz processos da censura paulistana, das décadas de 40 a 60, referente à três obras teatrais: Senhora dos Afogados, Perdoa-me por me traíres e Boca de Ouro; os quais foram disponibilizados pelo Arquivo Miroel Silveira – AMS da Escola de Comunicação e artes-ECA da Universidade de São Paulo- USP. Através da abordagem denominada Crítica de Processo (SALLES, 2008a), enquanto extensão da Crítica Genética, problematizamos alguns fatores que atravessaram o processo criativo das obras teatrais do dramaturgo. Para tal explanação, fomos guiados pelo conceito de Redes da Criação, do qual foi possível propor a construção de uma rede da criação rodriguiana, que em nossa leitura abarca: o termo filosófico deformação (DIDI-HUBERMAN, 2010); a autocrítica; e a Censura. Propomos uma leitura das 17 peças teatrais do dramaturgo e, em particular dos arquivos em censura, uma vez que indicam um momento específico da construção da obra por conterem originais que foram afastados do alcance do autor. No confronto Documentos de processo versus obra publicada foram mapeadas diversas modificações. Construímos, portanto, essa complexa rede, delimitada pela nossa leitura crítica, porém, capaz de nos aproximar ainda mais do dramaturgo que marcou uma época e continua na contemporaneidade a nos inquietar com seu Teatro desagradável.

6
  • FELIPE CABRAL DE ARAÚJO FAGUNDES
  • MONTAGEM E ENCENAÇÃO PERFORMATIVA: PODE SER QUE SEJA CAIO FERNANDO ABREU

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 31/05/2016
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  • Abordo nesta pesquisa de forma prática-teórica, o conceito de teatro performativo de Josette Féral (2008) a partir da criação da encenação “Pode Ser Que Seja...” baseada na obra “Pode ser que seja só o leiteiro lá fora” (1974) do escritor gaúcho Caio Fernando Abreu (1948-1996). Procuro, portanto, aliar os conceitos propostos pelos autores Jean Baudrillard (1990) e Jean-François Lyotard (2013) a um estudo comparativo sobre procedimentos de criação, tomando por base os encenadores Renato Cohen (2006), Tadeusz Kantor (2008), Antônio Araújo (2011) e Robert Wilson (2011) alicerçados pela discussão proposta por Ferál (2015) a respeito dos limites entre a teoria e a prática no fazer teatral. A fim se tensionar a relação entre a prática e a teoria, nesta dissertação, apresento na introdução os conceitos que foram trabalhados tanto na escrita quanto na encenação e desenvolvo a pesquisa sobre a montagem de uma encenação performativa no capítulo único que se dedica a descrever o processo de criação da encenação “Pode Ser Que Seja...”, articulando a minha voz enquanto encenador com as vozes dos artistas que fizeram parte deste projeto.

     

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  • MARIA CAROLINA DE HOLLANDA CAVALCANTI PIÑEIRO
  • Estudos em Reperformance: registro da prática Pina, Marina em Carolina

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 15/07/2016
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  • Esta dissertação descreve o percurso de criação de sete performances feitas a partir da metodologia inspirada pela série "Seven Easy Pieces" da artista Marina Abomovic. As performances citam trabalhos de Pina Bausch e da própria Abromovic como "1980" e "Art Must Be Beautiful" e foram feitas a partir de laboratórios e investigações desenvolvidas com artistas pesquisadores da região metropolitana de Natal, Rio Grande do Norte e em Bogotá, Colômbia.  Para tal, foi realizado um estudo preliminar com visita à exposição de Marina Abramovic no SESC Pompéia, em seguida foi feito um levantamento bibliográfico a fim de contemplar o conceito de performance e finalizado com um mapeamento afetivo da história da performance em Natal no período de 2007 a 2016.

     

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  • ANA RUTH ROCHA MACIEL
  • DUETO DE SENTIDOS: figuras de linguagem e dança contemporânea compondo poéticas no corpo adolescente.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 18/08/2016
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  • A presente investigação propõe uma reflexão a partir das contribuições da dança e da literatura no contexto educacional. Para tanto, dialoga a vertente da dança contemporânea com elementos do texto poético, dando ênfase às figuras de linguagem. Traz como suporte teórico o Método Recepcional, desenvolvido por Vera Teixeira de Aguiar e Maria da Glória Bordini (1993), a partir da Estética da Recepção, proposta por Hans Robert Jauss (2002). A pesquisa contou com uma aplicação prática realizada com alunos do nível médio de uma escola da rede estadual de ensino, na cidade de Natal/RN. Usamos como suporte para coleta de dados questionários, diário de bordo, além de registro fotográfico e por vídeo. O intuito foi pensar dança e literatura como áreas possíveis de se conectarem e despertarem no adolescente seu potencial criativo, capaz de perceber os vários níveis de relações que se estabelecem a sua volta, de interagir com o outro de maneira mais madura, atentando para a importância de se fazer ativo e consciente na dinâmica de nossa sociedade.

9
  • JOSADAQUE ALBUQUERQUE DA SILVA PIRES
  • (LOU)CURE-SE!: CORPOS VIVIDOS EM INSTAURAÇÕES CÊNICAS NO HOSPITAL DR. JOÃO MACHADO

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 27/08/2016
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  • Esta dissertação enfoca uma proposta de investigação com metodologia de pesquisa ação; sobre o denominado ser louco, sua corporeidade e as relações intersubjetivas que esses corpos travam e que se revelam na cena cotidiana de uma instituição psiquiátrica, quando em contato direto com processos artísticos de instaurações de cenas; lembrando sempre que, esses corpos sob o signo da loucura lidam com o estigma.  Trata-se de pesquisar o modo de ser corporalmente predominante por restrições e desorganização na relação que essas pessoas têm com o outro, com o tempo e com o espaço, para tanto observa-se o modo como esses corpos se estruturam e se movimentam nos espaços sociais que parecem estar impregnados por uma ideologia de valores,  crenças e preconceitos adquiridos no processo histórico-social.

    O tratamento dado ao louco é definido historicamente por uma prática de exclusão e pela diferença que faz do louco um ser desprovido de razão e consciência, amoral e nocivo, e deste modo, a discriminação é efetivada pelo controle através do enclausuramento e/ou da medicação exacerbada; As marcas cruéis desta ideologia opressora que caracterizam a história da loucura, onde o louco ainda ocupa o lugar do oprimido, são visíveis neste recorte pesquisado e percebidas nas gestualidades e expressões orais e corporais; A história desses corpos são presentificadas em dramas narrados e pela carga emocional impregnada nos gestos, na tonalidade da voz em falas, cantos e gritos que se revelam na cena cotidiana. Deste modo, este trabalho se propõe a uma articulação entre loucura e arte e para isto, procura-se encontrar conexões entre conceitos e questões que permeiam o tema da loucura e os processos de criação, enfatizando a importância do contato e da vivência humana com a linguagem da arte através do contato dos internos no Hospital Psiquiátrico Dr. João Machado com a coligação Cruor Arte Contemporânea, grupo permanente de Arte e Cultura, residente no DEART/UFRN, grupo de prática cênica do Núcleo Transdisciplinar de Pesquisa em Artes Cênicas e Espetaculares. Articular arte e loucura neste estudo está vinculado a experiência vivida na interação desses corpos nos encontros. Trata-se da relação desses corpos rotulados e institucionalizados nomeados como doentes mentais, por terem um histórico de enclausuramento em internações hospitalares, denominadas de manicômio, que contém uma cultura de controle social coercitivo. Investiga-se o encontro os corpos de artistas que trazem em si a experiência da arte e a partir dai se pensa na possibilidade de uma estética existencial das relações entre corpo, espaço, tempo e movimento nas instituições totalitárias e em um sentido mais amplo, nas condições determinadas historicamente ao louco, marcadas pelo abandono e ausência desse corpo, como também pela desorientação temporal e espacial, para tanto tenho o aporte da Psicologia Corporal em uma leitura fenomenológica existencial e da Psicologia Analítica através do estudo do significado dos símbolos na relação do ser humano consigo mesmo e com o ambiente. Essas perspectivas teóricas apresentadas foram escolhidas por trazerem contribuições para o estudo do ser humano em seus aspectos simbólicos, corporais e existenciais sob a ótica da arte.  Estudos estes, essenciais para a construção da experiência fenomenológica do sujeito enquanto trajeto de vida, em sua relação consigo mesmo e com o outro através da vivência da loucura com a presença da arte.

    No decorrer deste processo investigativo compreendemos que estudar as atuais cenas cotidianas protagonizadas no hospital Dr. João Machado por subjetividades diferenciadas como portadoras de transtorno mental ou pessoas em sofrimento psíquico perpassa pelo entendimento de que na sociedade atual temos novas formas de produção da loucura, novos modos de ser louco, e reafirmando pois que a fabricação dessas emergentes formas subjetivas de ser louco é social e histórica e a arte pode ser um caminho para esta compreensão. Pois, é possível permitir a plasticidade e estéticas para outras formas de vivências, e “ser” com abertura para ousar, criar e refletir suas questões, seus estranhamentos, suas posturas adotadas e lugares assumidos na coletividade. E neste sentido, pela arte, em um espaço de saúde e ciência produzir conhecimento sobre o real e o vivido, com a linguagem artística das artes cênicas, pois esta facilita ao ser humano expressar e perceber o mundo de uma forma mais intensa. Vislumbrou-se pensar pedagogias vivenciais e corporais para lidar com as cenas e os corpos que circulam e se fazem presentes naquela realidade institucionalizada, assim foi criada com alguns pacientes a instauração cênica (Lou)Cure-se!, apresentada ao público nos meses de julho e agosto de 2016, nas dependências do hospital psiquiátrico Dr. João Machado.

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  • JOANA VIEIRA VIANA
  • Teatro de animação em sala de aula: Universidade e Fundamental 1

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 31/08/2016
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  • A presente pesquisa tem como objetivo investigar a formação do professor de teatro que utiliza o teatro de animação como linguagem principal em suas atividades formativas. Tem como referência a experiência vivenciada na disciplina Teatro de Formas Animadas, na UFRN, no semestre de 2014.1, ministrada pelo Professor Dr. Sávio Araújo, na qual a pesquisadora realizou docência assistida. Também relata e analisa sua prática docente junto às turmas do Fundamental 1, da Escola Municipal José Peregrino de Carvalho, em João Pessoa, PB, nos anos de 2015 e 2016. Em ambas experiências, tanto na formação de professores como de crianças, são enfrentados desafios referentes ao planejamento e seleção conteúdos, estratégias de motivação das turmas e melhor forma de fazer com que os alunos tenham autonomia e discernimento para desenvolver seus potenciais artísticos e pessoais. Com relação à formação dos professores, ao definir conceitualmente, o que se entende por teatro de animação, ator animador, objeto, animar, e ao se estabelecer escolhas terminológicas e metodológicas, principalmente a partir da relação de diálogo estabelecida entre ator o animador e o objeto, delineia-se qual caminho percorrer no vasto universo do teatro de animação. A partir do entendimento de que a criação artística é parte fundamental no processo de ensino-aprendizagem, problematiza-se como a disciplina pode ter o melhor aproveitamento por parte dos seus alunos. Da mesma forma, com relação ao trabalho desenvolvido na escola pública, a criação de cenas configura-se como instrumento potente na construção do conhecimento, embora uma série de desafios sejam enfrentados diariamente. 

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  • JEFFERSON MELO DE ARAÚJO
  • REFLEXÕES SOBRE A DANÇA CORAL NA EDUCAÇÃO ESCOLAR: POR UM COMPOR COMPARTILHADO.

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 14/10/2016
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  • A presente pesquisa busca uma reflexão sobre o movimento coral proposto pelo estudioso de Rudolf Von Laban. A discussão foca a possibilidade de trabalhar essa proposição no âmbito escolar em uma experiência desenvolvida em uma escola pública com um grupo de crianças em Projeto pedagógico. Trata-se assim de um estudo de natureza qualitativa que conjuga a narrativa da trajetória docente, pesquisa bibliográfica e o estudo de caso. O objetivo foi analisar os aspectos artísticos-estéticos-pedagógicos da proposição da Dança Coral, evidenciando elementos de sua poética e compor uma reflexão a partir da relação entre os conceitos estudados e a vivência compartilhada com os alunos no processo de sensibilização e composição em Dança na escola. As relações tecidas nas reflexões que a poética da aprendizagem da Dança Coral propicia um processo de aguçamento focal de percepções da dança, processo ativado pela ludicidade, pela improvisação dirigida, pelo diálogo intercorporal, contribuindo para uma memória de sensibilização inicial em dança, considerando os desafios do contexto escolar em sua dinamicidade, ampliando as percepções e repertórios dos participantes em um processo educativo, artístico e estético, implicando as dimensões individual e social no compor da aprendizagem.

2015
Dissertações
1
  • LUANA MENEZES DE OLIVEIRA
  • Corpo-diário: da escrita de si à escrita da cena

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 02/03/2015
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  •  

    A presente pesquisa debruça-se sobre o corpo e os diários, utilizando a metáfora do diário para pensar o corpo como registro, desejo e totalidade aberta. Investiga o trânsito criativo entre a escrita de si (especificamente na forma de diários) e a escrita da cena, compreendendo a primeira como o produto da escrita autobiográfica e a segunda como a composição da cena como um todo. Entende a passagem de uma linguagem para a outra como um processo de tradução e ficcionalização do material memorial do artista e por isso transpõe a ideia de autoficção para a cena. A cena é estudada a partir do seu caráter confessional e da utilização do depoimento pessoal, considerando que ele requer um gesto de desnudamento por parte do artista criador. Tal desnudamento agencia o encontro com o espectador e faz da cena um lugar potencial de promoção de experiência. A pesquisa é teórica-prática e descreve alguns dos percursos e percalços do processo criativo do experimento Desnude.

     

     

2
  • HELOISA HELENA PACHECO DE SOUSA
  • Vestimentas em Performance – Composições em Modos do Corpo

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 05/03/2015
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  • Essa pesquisa trata das relações possíveis entre o corpo e a vestimenta nos estados cênicos performáticos cruzando a cena contemporânea, a filosofia da moda e os argumentos filosóficos de profanação e dos dispositivos. Entre as obras observadas e citadas nesta dissertação, realizei entrevistas estruturadas com oito artistas da performance, como estratégia metodológica que pudesse trazer dados sobre as experiências dos corpos vestidos e despidos em cena, para além da pesquisa bibliográfica e revelando a ação da vestimenta sobre o corpo, assim como sua influência nas subjetividades do performador e do público. Essas relações podem ser experienciadas no processo de criação de figurinos na cena contemporânea nomeando a possibilidade da existência de modos do corpo, como maneiras que emergem e que se constituem como possibilidades estéticas, criativas e discursivas.

3
  • HERÁCLITO CARDOSO DE OLIVEIRA
  • A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 06/03/2015
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  • Ao longo de nossa trajetória como ator, encenador e docente, pudemos apreciar espetáculos cômicos que se propunham a um diálogo com o público por meio da linguagem corporal dos artistas, cujas encenações abdicavam do uso da fala dos atores. Esta forma de representar, no silêncio do palco, nos chamou a atenção e provocou a nossa curiosidade científica sobre o assunto, que está diretamente relacionado com as construções poéticas do corpo em cena. Diante de leituras iniciais sobre o assunto, começamos a compreender que durante muito tempo na história da humanidade, sobretudo no ocidente, o entendimento de Corpo foi construído a partir de vários olhares epistemológicos que desconsideravam o corpo como uma unidade, uma encarnação do sujeito numa totalidade. Esse tipo de pensamento, reflexo da filosofia da modernidade, reverberou enfaticamente sobre as questões estéticas do fazer artístico, aqui, especificamente, no Teatro. Por vários séculos o fazer teatral se moldava a partir de vários elementos estéticos, mas desconsiderando os potenciais da corporeidade do artista, isto é, o texto teatral, por exemplo, foi considerado, por muito tempo, como o elemento principal da cena e se dava pouca ênfase para uma dramaturgia elaborada do corpo.  Com o surgimento das reflexões acerca do assunto, instauradas, sobretudo, a partir do início do século XX, a percepção do corpo como elemento criativo e criador, também passou a ganhar espaço. Ao longo do tempo as práticas artísticas começaram a vislumbrar as possibilidades criativas do corpo, repensando inclusive a sua relação com o texto escrito, com a palavra falada. E como parte dessas novas reflexões acerca do corpo em processo de criação, propusemos a presente pesquisa, que intitulamos de “A poética do corpo não-verbal: um olhar para a comicidade em cena”. Nosso principal objetivo nessa pesquisa é estudar a poética do corpo cômico do ator, na perspectiva de uma linguagem não-verbal. Em nossa investigação sobre este assunto, buscaremos também compreender como a corporeidade do ator poderá nos dar pistas para percebermos/construirmos o corpo não-verbal e cômico em cena. Dentro desta perspectiva poderemos analisar como se daria a construção de uma dramaturgia cômica e não-verbal a partir da fenomenologia do riso. E com esse olhar, pretendemos apontar alguns aspectos e procedimentos, advindos das reflexões acerca da corporeidade e da comicidade, que configurem, entre outras possíveis, uma metodologia de construção cênica não-verbal.

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  • GIRLANE CRISTINA SIQUEIRA DA SILVA
  • Atuações e papéis femininos: o corpo a corpo da atriz no teatro pernambucano durante a ditadura militar

  • Orientador : RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • Data: 10/03/2015
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  • Esta pesquisa visa investigar a atuação feminina no teatro pernambucano durante a ditadura militar brasileira na década de 1970, analisando os trabalhos de quatro atrizes dos grupos Teatro Hermilo Borba Filho, Vivencial e Expressão, que atuaram no período. Lança-se um olhar sobre o corpo feminino no teatro a partir de uma transgressão cênica corporal: a consciência de uma insubordinação corpórea em resposta a um determinado contexto. No entanto, antes delineou-se um panorama sobre a posição artística e sociocultural da mulher no teatro, nos períodos que antecedem a ditadura no Brasil e em Pernambuco, abrangendo referências teatrais e históricas, com o objetivo de refletir sobre como estas colocações interferiram na imagem social da atriz no contexto ditatorial. Em paralelo, desenvolve-se uma reflexão sobre o corpo cênico que se opunha à ditadura, um corpo que viola as normas estabelecidas, o Corpo Transgressor. Partindo de análises feitas com as entrevistas realizadas com as atrizes, o estudo é desenvolvido construindo-se conexões entre as falas das artistas e os pressupostos filosóficos de Henri Bergson. É também elaborada uma reflexão sobre as mudanças do corpo feminino no teatro na História, em consonância com o conceito também filosófico do Devir Mulher de Felix Guattari.

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  • BERTTONY DA SILVA NINO
  • Um retrato do marginal brasileiro mediante o trabalho do ator com as personagens de Plínio Marcos em “Navalha na carne"

  • Orientador : RUBEN FIGAREDO FERNANDEZ
  • Data: 13/03/2015
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  • Esta dissertação apresentada tem como investigação o trabalho do ator na construção das ações físicas, conforme a metodologia desenvolvida por Constantin Stanislavski em sua análise da ação dramática, denominada “método da ação física”, aplicada às questões da representação cênica do marginal brasileiro, segundo o olhar “cruel” e realista/naturalista do dramaturgo Plínio Marcos. Partindo das circunstâncias dadas pelo universo Pliniano, a intenção é contribuir para a reflexão sobre o trabalho do ator na cena com os personagens marginais de “Navalha na carne”, destacando alguns aspectos importantes, que auxiliem na construção deste mundo ficcional. Deseja-se criar condições para a formação de um ator que potencialize na cena as contradições e conflitos desta obra. A investigação pretende partir do estudo teórico-prático como hipótese metodológica, produzindo reflexão crítica a partir do processo criativo do ator com a realização de um experimento cênico centrado na técnica psicofísica deste pedagogo russo. Assim, pretende-se lançar um olhar sobre o “método das ações físicas” com foco na sua última grande contribuição para a atuação, notadamente o procedimento da análise ativa, ao fazer uma leitura a partir de “Navalha na carne” por meio deste exercício cênico criativo, ampliando os estudos que se ocupam da arte do ator. Esta pesquisa faz uma explanação geral sobre a trajetória de Stanislavski até seu encontro com a ação física, ao mesmo tempo que, destaca os desencontros de entendimento do seu trabalho pelo mundo. Stanislavski desenvolveu inicialmente o “método” tendo como pano de fundo, a estética realista - uma relação de diálogo entre realidade e a cena – através de uma estilização que cria uma realidade teatral, e consequentemente, artística, e não de forma literalmente naturalista através de um mimetismo integral. Ou seja, o trabalho de representação na estética realista do teatro deve ser elaborado a fim de criar uma realidade teatralizada. Stanislavski entende que teatro é convenção, já que o trabalho do ator sobre si próprio deve estimular essa segunda natureza, a cênica. 

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  • MIRTTHYA MARK LUCENA GUIMARÃES
  • O Ator na rua: uma expressividade caótica

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 19/03/2015
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  • Este trabalho investigou o processo de preparação corporal\vocal\energético do ator para a rua, desenvolvido no Grupo de Teatro Quem Tem Boca é Pra Gritar. Nossa principal busca foi entender os processos que o ator percorre para desenvolver uma energia para cena na rua. Que energia é esta que se estabelece e se relaciona com os transeuntes\espectadores? O que será que chama atenção do transeunte\espectador? Será a história? A indumentária ou será uma expressividade potencializada? Será uma energia presente no corpo do ator que se relaciona com o transeunte? Como o ator se relaciona com o espaço urbano? Na tentativa de responder tais questionamentos, utilizamos alguns princípios da Física Moderna, como: Teoria Quântica e Princípio da Incerteza, além da Teoria do Caos. O teatro realizado nas ruas, em sua maioria, passa por longos processos de construção cênica, contudo, quando levado ao público, é tomado por outras causalidades, pois estando na rua o ator se torna sujeito daquele espaço, não podendo negar a eventualidade dos fatos que ali podem ocorrer. Segundo a física quântica a energia se propaga em um espaço vazio, a quantidade de energia física sendo trocada no espaço da rua, resulta no mágico momento em que os corpos dos atores, em constantes trocas com os espectadores, permitem acontecer o salto quântico[1]: o espetáculo teatral de rua. 



    [1] Utilizo este termo aqui como uma metáfora, no qual salto quântico diz respeito ao elétron que recebe uma grande quantidade de energia e salta para os níveis mais afastados do núcleo.

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  • LUIZ FELIPE FERREIRA DA ROCHA
  • Dançando a carne: uma poética do corpo no mito adâmico

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 20/03/2015
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  •  Neste estudo dissertativo refletimos sobre a dimensão sensível do corpo, que nos possibilita participar do espaço mítico e constituí-lo como espaço potencial para a criação artística em dança, experiência atribuidora de sentidos ao mundo, à vida, à existência. Trata-se de um escrito que debulha algumas reflexões acerca da condição humana a partir de um olhar lançado sobre o mito de Adão, excitando-nos a pensar sobre as possíveis relações entre a arte e o mito na contemporaneidade, como campos do saber abertos à criação, como espaços semânticos capazes de atribuir novos sentidos ao vivido por meio das pulsações de um corpo que é mito e que é dança. Esse estudo tem dentre seus objetivos a intenção de aventurar um olhar sobre o referido mito, possibilitando-nos novas leituras, significados, e compreensões do mesmo a partir da experiência e vivência num processo de criação em dança contemporânea. Para tanto, referencia-se metodologicamente na Fenomenologia, ou melhor, na atitude fenomenológica proposta por Merleau-Ponty (1994), que considera a experiência vivida do corpo como fonte primordial de conhecimento. Debruçamo-nos assim sobre esse processo de criação em dança contemporânea, que veio a originar uma obra artístico-coreográfica, à qual intitulamos de “A Carne que Sou”, e nos colocando em contemplação dessa dança que ecoa do mistério, que emerge das profundezas do corpo, e que traz à superfície o humano e o seu mundo, suas relações. Compreendemos aqui, portanto, a dança como nossa sensível guia e orientadora de reflexões de ordem ontológica e epistemológica, capaz de validar e perpetuar o mito enquanto herança de sabedoria ancestral.

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  • ALGONIZ ALEX CORDEIRO DINIZ
  • Poética da Travessia:a topografia do encenador das águas refletida no processo "Memórias de quintal"

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 30/03/2015
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  • A presente pesquisa discuti aspectos inerentes ao ato de conduzir um processo criativo em teatro partindo da ideia de que o encenador, uma vez introduzido na concepção de cena, concebe um método particular intitulado travessia poética, desse modo, nutre em seu instinto o que Gaston Bachelard denomina de “intencionalidade poética” e “imaginação simbólica”. Este estudo busca analisar as estratégias adotadas pelo encenador na criação do espetáculo “Memórias de Quintal”, correlacionando conceitos voltados à prática da direção teatral e a escrita de cadernos de direção teatral.

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  • PAULA LAÍS ARAÚJO DE MEDEIROS
  • Memórias de Quintal: A arte do Encontro com a Criança Interior e os Afetos de Infância

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 30/03/2015
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  • Este trabalho é parte do processo de criação do espetáculo “Memórias de Quintal” sob a perspectiva de uma das atrizes e dramaturga da peça. As discussões aqui levantadas partem de alguns conceitos ou eixos-norteadores: o teatro enquanto “arte do encontro”, o arquétipo da criança associado ao estado de jogo proposto pelo espetáculo, e a imaginação como agente motivadora de reconstrução de memórias afetivas para os conteúdos das cenas. O trato com as memórias de quintal ou afetos de infância traz para a escrita o sujeito em primeira pessoa através da voz da criança interior, que reflete acerca de sua própria trajetória de vida, de arte, e utiliza suas experiências para nutrir o processo criativo e, dessa maneira, alcançar também as histórias dos espectadores. Os autores que mais colaboram com esta pesquisa são o encenador Jerzy Grotowski, os psicólogos Carl Gustav Jung e James Hillman, os filósofos Gaston Bachelard e Johan Huizinga, e o poeta Manoel de Barros.

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  • JORDANA LUCENA DE SOUZA
  • DANÇAS NO RN: Motivações, Dificuldades e Configurações

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 15/04/2015
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  • Neste trabalho abordamos o cenário da Dança no Rio Grande do Norte, a partir da investigação de Grupos evidentes nas mesorregiões do Leste Potiguar, Agreste Potiguar, Central Potiguar e Oeste Potiguar, e mais especificamente nos municípios Major Sales, Jardim do Seridó, Pedro Velho e Passa e Fica. Com isso objetivamos compreender, do ponto de vista fenomenológico, os sentidos e os significados que motivam os sujeitos das danças lá situadas, a serem agentes fazedores-transformadores da dança no Rio Grande do Norte. Para tanto, elegemos as seguintes questões de estudo que nortearam o desenvolvimento dessa investigação: 1. Que motivações impulsionam os sujeitos fazedores da dança a contribuírem para mantê-la viva-pulsante e/ou resistirem às dificuldades cotidianas? 2. Que dificuldades estão presentes nesse cenário da dança no RN e como são enfrentadas?  3. Como vem se configurando o cenário da dança no RN? Dessa forma foi possível, nesse contexto de sentidos e significados, desvelar motivações, dificuldades e configurações das danças nesses municípios representativos do RN; isto é, percebermos as identidades e identificações desses brincantes com a dança enquanto manifestação cultural simbólica, cidadã e política; a presença/ausência de políticas públicas voltadas a essas expressões artísticas e o impacto decorrente do envolvimento das comunidades para que esse cenário cultural se propague pelas novas gerações.

     

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  • PEDRO HENRIQUE DA SILVA FILGUEIRA
  • As personagens negras de Capitães da Areia em cena

  • Orientador : ADRIANO CHARLES DA SILVA CRUZ
  • Data: 27/08/2015
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  • A pesquisa que resultou no trabalho “As personagens negras de Capitães da Areia em cena” analisou parte do rico universo de um dos principais autores nacionais e a sua relação com o cinema. Jorge Amado tem uma relação intrínseca com a Indústria Cultural. Desde a década de 1940, o escritor, de alguma forma, tem emprestado suas obras para o cinema. Dentre elas, escolhemos como objeto de estudo, o livro Capitães da Areia, romance lançado na década de 30. O romance relata a história de um grupo de meninos abandonados e que moram em um trapiche à beira mar, em Salvador. O romance foi traduzido em 2011 para o cinema, cuja direção ficou por conta de Cecília Amado, neta de Jorge Amado. O elenco principal é composto por adolescentes, não atores, afrodescendentes, que foram selecionados para os papéis, indicando que a diretora tinha um desejo de realismo em sua obra. O trabalho teve como objetivo geral a representação das personagens negras no filme Capitães da Areia, trazendo o debate dos arquétipos e estereótipos do negro no cinema. Consideramos que o objetivo geral tenha sido atingido, pois através da análise comparativa texto-fonte e filme, pudemos compreender a construção das personagens baseadas no paradigma da fidelidade fílmica.

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  • ALYSSON AMANCIO DE SOUZA
  • E...5,6,7,8: Reflexões sobre processos formativos em dança na contemporaneidade

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 24/09/2015
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  • A presente pesquisa tem como objetivo principal refletir sobre os processos não formais desenvolvidos em dança na contemporaneidade. Os cursos livres, escolas, academias, ONGs e associações ainda são as instituições que mais formam bailarinos no Brasil (STRAZZACAPPA, 2012), nesse sentido julgamos necessário contínuas pesquisas que possam discutir e contribuir para a potencialização destes espaços. Por conseguinte, este trabalho é fundamentado metodologicamente na abordagem fenomenológica e mais especificamente na análise do fenômeno situado, tendo como campo constitutivo de estudo uma instituição de ensino não formal do interior do Ceará, a Associação Dança Cariri (ADC), existente desde 2007, a qual vem fomentando diversas atividades culturais na região do Cariri, sul deste estado. A partir desse contexto, a presente pesquisa aborda uma reflexão sobre como a formação de ensino híbrida, proposta pela ADC, vem influenciando os artistas locais e modificando os corpos sujeitos e o ambiente da dança do Cariri, através de composições coreográficas, aumento de eventos de dança, implementação de novos espaços e pesquisas em dança, traduzindo-se, portanto, em um campo constitutivo voltado à formação, a difusão e ao desenvolvimento da dança na contemporaneidade.  

     

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  • RENATA CELINA DE MORAIS OTELO
  • CORPOS DA CIRANDA: ANÁLISE ARTÍSTICO/ESTÉTICA DA CIRANDA DE LIA DE ITAMARACÁ

  • Orientador : MARCILIO DE SOUZA VIEIRA
  • Data: 14/12/2015
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  • O presente trabalho é uma pesquisa que versa sobre a linguagem dos corpos brincantes da Ciranda – especificamente de Lia de Itamaracá. Interessa-nos observar como esse corpo dança, comunica-se, escreve-se no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Assim, de maneira circular e em uma energia que é transmitida no contato com as mãos, na força da canção, em uma roda que pode ser vista de vários lugares, mas por ângulos diferentes, cabendo aí as particularidades dos seus sujeitos brincantes/dançadores/observadores, é que nos propomos a pensar: quem são esses corpos brincantes e como eles constituem as rodas de Ciranda? Para tanto, durante o caminho da pesquisa, fomos conduzidos pelo método fenomenológico e, dele, utilizamos as categorias de descrição, mundo vivido e sensível. Interessa-nos, ainda, nessa manifestação, o corpo que dança e se insere na expressão artística, que significa e se abre ao conhecimento pela via da experiência. Assumimos, portanto, uma concepção de corpo que se referencia na abordagem fenomenológica merleaupontyana, assim como, na sua criticidade em relação ao corpo como um ser fragmentado, tal qual aponta a teoria Cartesiana. Nessa perspectiva, entendemos o corpo na sua relação com os fazeres culturais, sociais, econômicos e artísticos que integram a formação dele. Ou seja, nas relações que nos ajudaram a compreender melhor o corpo que se é. Dessa maneira, a pesquisa tem como objetivo fundante apresentar reflexões sobre os corpos brincantes da Ciranda, especificamente, de Lia de Itamaracá e como esse corpo dança, se comunica, se escreve no tempo e no espaço, estabelece relações que o complementam e o ajudam a permanecer em construção. Tal afirmação nos leva, neste trabalho, a questionar, por exemplo: o que mobiliza esses sujeitos nessa dança? Por fim, asseveramos que essa investigação vem à tona em razão da dimensão que as rodas de Ciranda vêm alcançando no país, em especial no Nordeste brasileiro, assim como a existência de pouca referência e registro da manifestação pesquisada nas esferas acadêmicas. É possível verificar, com a pesquisa, que, em razão dessa disseminação, as nuances da movimentação dos brincantes está cada vez mais diversificada e que a ausência de vivências na Ilha de Itamaracá-PE, seu berço, tem distanciado o caráter genuíno e comunitário, tornando-se, cada vez mais, uma dança de outros palcos e praças.

     

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  • ILDISNEI MEDEIROS DA SILVA
  • Ensino de Teatro e Diálogo Freireano: Uma experiência junto ao PIBID-Teatro/UFRN.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 21/12/2015
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  • O presente trabalho possui como objetivo, a partir da troca e do diálogo com os agentes envolvidos nesse processo de pesquisa participante, problematizar o planejamento pedagógico dialógico do Ensino de Teatro desenvolvido sob a ótica do Diálogo em Paulo Freire, a fim de perceber como esse conceito é compreendido, e como isso influencia e reverbera na estruturação desse planejamento pedagógico e sua execução em salas de aula do Ensino Fundamental I, onde os integrantes do Programa Institucional de Bolsas de Iniciação à Docência subprojeto Teatro da UFRN (PIBID-Teatro/UFRN) atuam. Por meio da observação participante é que se tem trilhado e construído o caminho dessa pesquisa, vivenciando e questionando essa experiência inspirada na proposta pedagógica freireana. A investigação desenvolve um trabalho conjunto com os envolvidos contando com a “dialogicidade” e a “abordagem problematizadora” como fundamentos metodológicos mobilizadores para a construção de conhecimentos, tanto no grupo do PIBID-Teatro/UFRN, quanto no grupo atendido pelos bolsistas desse programa. Desse modo, os referenciais teóricos desta dissertação situam-se nos trabalhos de Paulo Freire no que se refere principalmente ao diálogo, nas sistematizações pedagógicas do Grupo de Estudos e Práticas Educativas em Movimento (GEPEM/UFRN), e nas produções do Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena (CENOTEC/UFRN), no que diz respeito à construção de um processo educativo dialógico que considera as realidades dos sujeitos, estabelecendo relações entre essas realidades e os conhecimentos específicos da área ensinada, relações entre a área específica e outras áreas do conhecimento, e reconhecendo a escola como espaço de diálogo.

2014
Dissertações
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  • ISABELLE INGRID FREITAS RODRIGUES
  • Criação em processo no espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 07/02/2014
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  • Este trabalho tem como objetivo investigar o processo criativo do espetáculo Ethnotron-Ghetto Experiment, do coletivo paraibano Tribo Éthnos, fundado na década de 1990 e ainda em atividade. A estratégia metodológica se dá através de estudos descritivos, valendo-se da teoria e prática de diversas linguagens artísticas presentes na obra apontada: artes visuais, performance, literatura e histórias em quadrinho; em ações realizadas pelo coletivo ao longo dos anos, objetivado descrever e analisar o processo de criação do como já apontado do espetáculo de dança Ethnotron-Ghetto Experiment, através da minuciosa coleta de dados por meio entrevistas abertas e semiestruturadas e da pesquisa e também da captação de materiais audiovisuais. A Tribo Éthnos destaca-se na cena local na cidade de João Pessoa e estadual, na Paraíba, visto que, nesse longo percurso de existência do coletivo, além da preocupação em fundir muitas formas artísticas bem como os artistas da Paraíba, aglutina pessoas que fazem arte em outros países e faz das danças urbanas algo instigante. A Tribo ainda preocupa-se com a troca de saberes através de palestras, oficinas, cursos e intercâmbios. A dissertação investiga o processo de criação dos artistas e, especificamente, dos dançarinos utilizando-se principalmente do conceito work in progress, proposto por Renato Cohen, e aplicado ao espetáculo estudado. Apresentam-se descrições dos movimentos coreográficos, do espetáculo de dança paraibano Ethnotron-Ghetto Experiment, de dança de rua da Era Funky, especificamente, com estilos como popping, waving, animation, strobing, floatine/ slidini, tiokine, trebing, breaking, waving, sliding, entre outros; porque estes são parte integrante do processo de criação. Tais estilos remetem ao ilusionismo ou mimetismo, sugerindo em seus movimentos truques, câmeras lentas, flutuações com os pés, entre outros. O coletivo, através do espetáculo, busca a integração dos corpos, procura uma libertação individual e sugere uma sensação de querer voar nas coreografias/cenas. Abordam-se os aspectos do processo criativo: o espaço cênico, o trabalho corporal, a sonoplastia e a roupa/indumentária. Trabalha-se o conceito do corpo virtual de José Gil no aspecto do corpo cênico.

    Abstract: This work aims to investigate the creative process of the show Ethnotron-Ghetto Experiment of the collectiveTribo Éthnos“, from Paraíba, founded in 1990 and is still active. The methodological strategy takes place through descriptive studies, drawing on the theory and practice of various artistic languages present in the pointed work: visual arts, performance, literature and comic books; on actions taken by the collective over the years, aiming to describe and analyze the process of creating the aforementioned dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, through a careful collection of data through open and semi-structured interviews and research and also through uptake of audiovisual materials. The "Tribo Ethnos" stands out in the local scene in the city of João Pessoa and in the State of Paraiba, since, in this long path of the collective existence, beyond the concern for merging many art forms and artists from Paraíba, binds people who make art in other countries and do something exciting through urban dances. The "Tribo" is also concerned with the exchange of knowledge through lectures, workshops, courses and exchanges. This dissertation investigates the creative process of artists, specifically dancers, using mostly the work in progress-concept, proposed by Renato Cohen, studied and applied to the spectacle. We present descriptions of choreographic movements of the dance show Ethnotron-Ghetto Experiment, specifically street dance from the „Funky Era“ with styles such as popping, waving, animation, strobing, floatine / slidini, tiokine, trebing, breaking, waving , sliding, among others, because they are an integral part of the creation process. These styles  refer to illusionist mimicry, suggesting tricks in his movements, slow motion, fluctuations with the feet, among others. The collective, through this spectacle, aims to integrate the body, seeks an individual liberation and suggests a feeling of wanting to fly in its choreography / scenes. It addresses aspects of the creative process: the scenic area, the body work, the sound, the design and the clothing / costumes. This work also analyses the José Gil's concept of the virtual body  into the aspect of the scenic body.

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  • LUIZ RENATO GOMES MOURA
  • A Iluminação Cênica no Trabalho do Ator de Teatro

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 24/02/2014
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  • A presente pesquisa tem como foco principal, investigar como a iluminação cênica pode ser articulada no processo de criação do ator de teatro. Para chegarmos a essa reflexão, se faz necessário compreendermos o espaço da sala de ensaio, no qual o ator trabalha, como um lugar em que sua função recebe influências dos demais artistas que estão também criando o espetáculo. São analisados três processos colaborativos da Cia. de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”, “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, com a finalidade de compreendermos que, o teatro colaborativo potencializa o cruzamento e a troca de experiências na sala de ensaio, colaborando ativamente para a formação dos sujeitos envolvidos na criação. A pesquisa propõe uma investigação de como o processo criativo da iluminação cênica ganhou espaço na encenação teatral e evidencia principalmente como se dá sua criação “co-evolutiva” com o processo criativo do ator. 

     Abstract:This research aims to investigate how the stage lighting can be articulated in the creation of theater actor process. To we reach this reflection, it is necessary to understand the space of the rehearsal room, where the actor works as a place where their function receives influences of other artists who are creating the spectacle.Collaborative processes are analyzed three Cia de Teatro Engenharia Cênica: “Irremediável”,   “Doralinas e Marias” e “O Menino Fotógrafo”, aiming to understand the collaborative theater potentializes, the intersection and the exchange of experiences in the rehearsal room, collaborating actively for the training of persons involved in creating the show. The research proposes an investigation of how the creative process of stage lighting is gaining ground in the rehearsal room in the language of theater directing, showing mainly how is your "co-evolutionary" creation with the creative process of the actor.

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  • ANDRE LUIZ RODRIGUES BEZERRA
  • Circuito Regional de Performance BodeArte: encontros, coletividade e porítica na performance do Rio Grande do Norte.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 14/03/2014
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  • Esta dissertação tem por objetivo voltar-se à estrutura do evento Circuito Regional de Performance BodeArte, para pensar, desde seu formato conceitual até seu acontecimento e limitações práticas, como ele em sua proposta aponta questões relevantes para a compreensão da performance brasileira na contemporaneidade. A partir desta proposição, a dissertação organiza-se em três capítulos pautados nos seguintes aspectos: a retomada dos acontecimentos e dados reunidos na ocorrência do Circuito BodeArte, a apresentação de suas escolhas conceituais, e as metáforas conduzidas pelo uso do termo performance e como elas podem nos conduzir a ideia de uma performance-como-BodeArte. As estruturas metodológicas para tanto são de caráter qualitativo, e tomam como base materiais impressos, textos, programas, blog, vídeos, fotografias, entrevistas, palestras e fóruns, além de nossa própria memória como produtor e performer do evento, procurando através destes estabelecer pontos de organização epistemológica da proposta do Circuito, ampliando-os e discutindo-os. Deste modo esta pesquisa desloca-se pelas proposições do evento em suas três edições, promovendo discussões que interpelam e dialogam com conceitos como a emergência de Steve Johnson (2004), as metáforas do pensamento de Christine Greiner, a ideia de performance hacker de Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), assim como outras proposições lançadas por Jan Swidzinski (2005) e Eleonora Fabião (2012).

     ABSTRACT: This dissertation aims to look into the structure of the event Circuito Regional de Performance BodeArte[1] to think how it collaborate with its proposal providing theoretical points to relevant questions to the comprehension of Brazilian performance art in contemporaneity, since its conceptual format until its occurrence and practical limitations. From this proposition the dissertation is organized into three chapters guided for the following aspects: the resumption of the events encompassed on the occurrence of Circuit BodeArte as well as a tabulation of the data reunited in its history, the presentation of its conceptual choices, and the metaphors conducted by the use of the term performance and how they can lead us to the idea of a performance-as-BodeArte. The methodological structures moved for this organization are qualitative, and have been formed from printed materials, texts, festival programs, blog, videos, photos, interviews, lectures and forums, plus our own memory as a producer and performer of the event, looking through these set points of the epistemological organization contained on the proposal of the Circuito, expanding and discussing them. This way this research moves between the propositions of this event in its three editions, promoting discussions that dialogue with concepts such as the emergence of Steve Johnson (2004), the metaphors of thought proposed by Christine Greiner (2005), the idea of performance hacker of Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), as well as other propositions presented by Jan Swidzinski (2005) and Eleonora Fabião (2012).

    [1] Regional Circuit of Performance GoatArt in a free translation. In a brazilian portuguese accent the pronunciation of the word “body”, as in the term “Body Art”, sounds like the word “bode” (goat in Portuguese), this been the reason why the translation may appear confuse to the reader in English version of the term “GoatArt”.

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  • LEANDRO AUGUSTO E SILVA MIRANDA CAVALCANTE
  • A ARTE DE CONDUZIR-SE PELO ENSINO DE TEATRO: Realidades e Ficções de Alunos-Diretores em Camarão.

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 14/03/2014
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  • Esta dissertação baseia-se em uma experiência teatral de quatro anos (2009-2012) com vinte turmas de 9º ano em uma escola pública de Felipe Camarão, Natal-RN, desenvolvida por mim, e se destina a analisar os procedimentos empíricos experimentados e descobertos por adolescentes que assumiram a função de diretores teatrais frente às suas turmas, buscando montar peças a partir da adaptação de filmes brasileiros, e, portanto descobrir com os próprios conceitos a maneira de lidar com a especificidade das linguagens artísticas em questão. Para tanto, a presente pesquisa aborda o meu papel como orientador destes processos cênicos atribuindo um novo significado ao professor de teatro da escola pública que participa ativamente dos trabalhos, mas potencializa a autonomia dos alunos-diretores em conduzir. Alunos-diretores numa realidade, cujo contexto sócio-cultural influencia diretamente suas construções ficcionais no teatro e que ao refletirem coletivamente, a partir da dialogicidade, entendem a importância do relacionamento entre os membros de um grupo. Esta pesquisa-ação apresenta, por vezes, uma linguagem metafórica com o intuito de enfatizar o universo destes adolescentes, e adentra em temas ligados à pedagogia freireana tentando estabelecer uma ponte entre a realidade dos adolescentes oprimidos e o protagonismo adquirido com o envolvimento nas ficções das peças montadas, acomodando aspectos da pedagogia de Makarenko, no tocante à cooperação coletiva de um grande grupo. Deste modo, a pesquisa mergulha profundamente na caracterização do ambiente que cerca estes alunos procurando entender as identidades culturais e suas influências estéticas na criação de seus espetáculos. Associa ainda experiências e intuições de alunos na condução teatral com outras teorias ou teóricos do teatro como o Teatro Épico em Brecht, o Teatro Pobre de Grotowski, o Teatro Popular, o Teatro do Absurdo, o Teatro do Oprimido desenvolvido por Boal apontando conceitos também de Stanislavski, Tchékhov, e Meyerhold. Utiliza ainda conceitos ligados à mídia, à mistura da realidade com a ficção e aos processos de condução em um grupo, como um fenômeno nominado “efeito de condução”. Faz assim a leitura artística de quatro encenações (no total), selecionadas uma por ano, tentando formalizar conceitos teatrais outrora discutidos. Por fim, mesmo estando minha participação diluída no texto, traz algumas conversas com encenadores que gostam de ensinar e aprender.

    Abstract: This dissertation is based on a theatre experience of four years (2009-2012), with twenty classes of the 9th grade in a public school of Felipe Camarão, Natal- RN. It was developed by me, and it is intended to analyze the empirical procedures experienced and discovered by teenagers who took the role of theater directors before their classes, seeking to set up plays through the adaptation of Brazilian films, and thus to discover with their own concepts how to deal with the specificity of the artistic languages in question. Therefore, this research approaches my role as the advisor for these scene processes, assigning a new meaning to the public school drama teacher who participates actively in the activities, but enhances the autonomy of the student-directors in directing. Student-directors in a reality whose socio- cultural context directly influences their fictional constructions in the theater and who, when to reflect collectively, understand the importance of the relationship between members of a group, from what concerns dialog. This research-action sometimes uses metaphorical language – in order to emphasize the universe of these teenagers – and enters themes related to Freire's pedagogy, trying to build a bridge between the oppressed teenagers reality and the main role acquired (by the teenagers) from the involvement in the fiction of the plays set up, accommodating aspects of Makarenko´s pedagogy, regarding the collective cooperation of a large group. Thus, the research goes deeply into the characterization of the environment which surrounds these students, seeking to understand the cultural identities and their aesthetic influences in creating their shows. This work still associates students' intuition and experiences in theater directing with other theories or theater theorists, like Brechtian Epic Theatre, Grotowski's Poor Theatre, o Teatro Popular, the Theatre of the Absurd, Theatre of the Oppressed (developed by Boal), also pointing concepts from Stanislavski, Tchékhov, and Meyerhold. It still uses concepts related to media, the mix of reality and fiction and the directing processes in a group, like a phenomenon named "direction effect". In this way, it does an artistic reading of four plays (in total), selected once a year, trying to formalize theatre concepts previously discussed. Finally, even being my part diluted in the text, it brings up some conversation with directors who like to teach and learn.

     

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  • MAURICIO MORAES MOTTA
  • Mover/se(r) – A gênese do corpo entre/corpos  e seus trajetos no processo coreográfico.

     

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 21/03/2014
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  • Resumo: Esta dissertação propõe uma reflexão a respeito do corpo entre/corpos, em especial na dança contemporânea, neste seu trajeto que tem inicio na construção coreográfica, perpassando o corpo do coreógrafo, o corpo do bailarino e, ao realizar-se como manifestação artística, o corpo do espectador. Inicialmente discute o corpo na dança como espaço topológico de convergência, conexidade e continuidade, a partir do pensamento do filósofo grego Epicuro de Samos, em diálogo, principalmente, com o pensamento de Regina Miranda, Maurice Merleau-Ponty e José Gil. Reflete, em especial, a relação coreógrafo/bailarino utilizando como fio condutor as experiências do autor em seu trajeto artístico e, por fim, relata o processo de criação do experimento cênico (h)áporos, que se configura como prática da cena desta  dissertação.

     Abstract: This paper proposes a reflection on the body between/bodies, especially in contemporary dance, in their path that starts from the choreographic construction, permeating the body of the choreographer, the dancer’s body and when fulfills themselves as artistic expression, the body of the spectator. Initially discusses the body in dance as a topological space of convergence, connectedness and continuity, from the thought of the Greek philosopher Epicurus of Samos, in mainly dialogue with the thought of Regina Miranda, Maurice Merleau-Ponty and José Gil. Reflects, in particular, the relationship choreographer/dancer using as guiding thread the experiences of the author in his artistic path, and finally, describes the process of creating the scenic experiment (h)áporos, which is configured as a practice of the scene of this dissertation.

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  • CHRYSTINE PEREIRA DA SILVA
  • Para Transvalorar a Dança Contemporânea: Potências de Dança No (Do) Corpo-Artista

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 27/03/2014
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  • Tanto no contexto acadêmico quanto no artístico e mercadológico, é crescente a discussão sobre o espaço de conceituação da dança contemporânea e suas fissuras, que deixam de abarcar esta ou aquela manifestação artística ou mesmo acaba por abarcar aquelas manifestações que não se encaixam em outros espaços de conceituação. No presente trabalho objetivamos a investigar, a Dança na Contemporaneidade, para além do que se entende por dança contemporânea, em sua capacidade de atravessar os espaços de conceituação já estabelecidos, para implicar em uma pluralidade de fazeres. Objetivamos também pensar a potência que a Dança imprime no corpo do artista criador, pensando também como este se comporta no espaço de “entre linguagens”. A dissertação que aqui se apresenta encontrou enquanto estratégia metodológica o recurso da metáfora, partindo das ideias de travessia, cartografia e cidades invisíveis para a construção do pensamento sobre o corpo do artista e suas relações com as diferentes linguagens artísticas, tomando por base uma retomada das experiências estéticas e artísticas de sua proponente. Dialogando experiências práticas e referenciais teóricos, inicialmente tratamos da dança contemporânea em seus problemas de classificação que apontam para a necessidade de um pensamento contemporâneo em dança, que pense as manifestações artísticas em seus pontos convergentes, e não nos divergentes que as situam sob diversas nomenclaturas. No capítulo seguinte discutimos a possibilidade de contaminação entre as linguagens artísticas a partir do próprio corpo-artista. Discorremos também sobre a dança enquanto agenciamento e resposta aos impulsos resultantes da relação com o espaço e outros corpos, pensando como o corpo do vivente se organiza nesta relação de compartilhamento de experiências. Mostrando uma potência do corpo artista criador que se dedica à transvaloração das fronteiras entre as linguagens para a organização do seu fazer. Por fim, apontamos para a diversidade na metodologia de processos de criação que variam de acordo com as possibilidades técnicas e necessidades estéticas de cada artista criador.

    Abstract: The discussion about the conceptualization of Contemporary Dance is a growing field in our time and its fissures in the academic, artistic and market context, fail to embrace this or that artistic expression or, even eventually, encompass those events that do not fit in other spaces conceptualization. In this study we aimed to investigate the Contemporary Dance, in addition to what is meant by Contemporary Dance, in its ability to cross the spaces of concepts already established, to imply a plurality of doings. We aim also to think the power that the Dance prints in the body of the artist creator, also thinking about how it behaves in the space “between-languages”. The dissertation presented has found as its methodological strategy the concept of metaphor, based in ideas like crossing, cartography and invisible cities to build the thought about the artist's body and its relations with the different artistic languages, based on a resumption of aesthetic and artistic experiences of this dissertation author. Putting in dialog practical and theoretical experiences, we initially treat Contemporary Dance in its classification problems that point to the need of contemporary thought in dance, which think artistic expressions in its points of convergence, and not of divergence, which place them under various nomenclatures. In the next chapter we discuss the possibility of contamination between artistic languages from the own body-artist. We also talk about dance as agency and impulse resulting from the relations between space and other bodies, thinking how the living body organizes himself in this relation of sharing of experiences. Pointing to a power of the creative artists’ body dedicated to the transvaluation of the boundaries between languages for the organization of his doing. Finally, we discuss the diversity of creation methodologies processes that vary according to the technical and aesthetic needs of the artist creator.

     

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  • EMANUELLA DE JESUS FERREIRA DA SILVA
  • Processos Criativos com Alunos-Atores Idosos: caminhos para uma dramaturgia de Pertencimento

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 22/04/2014
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  • RESUMO:

    Em trabalhos desenvolvidos com “alunos-atores” idosos, o texto ainda tem certa preponderância, parte-se do pressuposto histórico de que estes alunos carregam em si a arte teatral. Neste sentido, o presente trabalho pretende expor uma experiência artístico-pedagógica através de um laboratório desenvolvido com alunos-atores senescentes a partir de seus arquivos de memória. Diferentemente de outros trabalhos desenvolvidos com alunos da terceira idade, fazemos uso dos arquivos da memória, onde a dramaturgia se dá a partir das improvisações desenvolvidas das lembranças, ou seja, o texto é construído e não apenas rememorado pelos alunos. Nosso trabalho, todavia, se constrói por um olhar de fora. As memórias afetivas narradas pelos alunos servem de motor para construção do texto e do espetáculo intitulado Vamos falar de Amor. Nesta experiência a professora-encenadora se transforma também em dramaturgista e faz uso de sua imaginação, que de certa forma, também vem revestida de suas próprias memórias, a fim de preencher os vazios deixados pela narrativa, num processo híbrido onde a memória coletiva se mistura a memória individual, metamorfoseando o épico em dramático. Apresentamos o percurso desenvolvido para chegarmos até a construção do texto e partimos do texto para a segunda escritura, o espetáculo. Queremos mostrar que a velhice é composta por diversos matizes, e que esta fase do desenvolvimento humano traz aspectos que se diferenciam de idoso para idoso, e que a educação e o teatro podem representar uma retomada do papel social do idoso no ambiente contemporâneo. Assim sendo, a dramaturgia de memória cria a dramaturgia de pertencimento facilitando em muitos aspectos o Jogo Cênico com esses idosos.

    ABSTRACT: In work done with student-actors elderly, the text still has certain preponderance, is part of the historical assumption that these students carry with them of theatrical art. In this sense, the present work is to present an experience artistic and pedagogical means of a laboratory-developed with senescent students from their memory files. Unlike other works developed with students of the third age, we make use of the archives of memory, where the drama takes from improvisations developed memories, in other words, the text is built not just recollected by students. Our work, however, is built by a look from the outside. The affective memories narrated by students serve as an engine for text construction and spectacle titled Vamos Falar de Amor. In this experiment the teacher-director also becomes an dramaturgista, and uses her imagination, that  also comes filled with her own memories, in order to complete the gaps of the narrative, in a hybrid process in which the collective memory interlace the individual memory, transforming epic into dramatic. Here the route designed to get to the construction of the text and left the text for the second scripture, the spectacle. We want to show that old age is comprised of various hues, and that this phase of human development brings aspects that differ from old to old, and that education and theater can be a resumption of the social role of the elderly in contemporary surroundings. Therefore, the dramaturgy of memory creates the dramaturgy of belonging, facilitating in many aspects the Scenic Play with the elderly ones.

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  • EDILBERTO DA SILVA MENDES
  • Dramaturgia da Seca: escrita teórico-prática sobre as imagens do retirante na literatura e no drama como operações estético-políticas

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 29/04/2014
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  • A pesquisa investiga a relação estética / política, processo dramatúrgico / imaginário, na reescrita do fato histórico da seca no Nordeste. Recupera a emergência, a partir do final do século XIX, de um mundo figurativo sobre o sofrimento da seca, centrado na figura do retirante, que agencia a sensibilidade em torno dessa questão social, com o intuito de apontar para uma consciência política das fronteiras entre o lugar da arte e sua dimensão social. Realiza um experimento de criação dramatúrgica que retoma a figura do retirante, reposicionando-a conforme a problematização acerca da fronteira arte e sociedade. 

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  • RAFAELLA LIRA AMORIM
  • Caldo do Caldo: memória do espetáculo paraibano de dança Caldo da Cana

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 22/05/2014
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  • Esta pesquisa visa investigar o espetáculo de dança Caldo da Cana que estreou em João Pessoa-PB, em setembro de 1984. Problematiza de modo teórico-prático o fazer história da dança, investigando essa possibilidade através da própria dança. Surge a partir da constatação de que a dança possui especificidades que não podem ser negligenciadas pelo relato histórico. Neste sentido iniciou-se o levantamento de um referencial teórico que dialoga com as questões apontadas e se desdobra por meio de uma pesquisa de campo, que incluiu coletar testemunhos de pessoas que participaram do espetáculo; uma pesquisa documental, reunindo vestígios materiais e finalmente é composta de uma parte prática com uma cena criada  ao transpor o conhecimento histórico elaborado para o corpo, através de um processo criativo, tendo como resultado, para este momento, a construção de um solo de dança.

    Abstract: This research aims to investigate the dance piece Caldo da Cana which premiered in João Pessoa-PB, in September 1984. It problematizes theoretical and practical way to make dance history, investigating this possibility through the dance itself. Arises from the fact that the dance has specific characteristics that can not be neglected by the historical account. In this sense, it was initiated by the raising of a theoretical framework that speaks to the indicated issues and unfolds through a field study, which includes collecting testimonies from people who participated in the show, documentary research, gathering material traces and finally consists a practical part with experimental research, by transposing elaborated historical knowledge into the body through a creative process, resulting in the construction of a solo dance.

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  • MONIQUE DIAS DE OLIVEIRA
  • ENTRE ECOS E NARCISOS: estudo de caso sobre a prática teatral com adolescentes como atividade extracurricular numa escola de nível médio”

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 20/06/2014
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  • Esta dissertação tem como tema de estudo, o ensino de teatro e suas implicações na vida dos adolescentes no mundo contemporâneo. Analisa um projeto extracurricular intitulado “A arte dramática na construção da cidadania”, que foi desenvolvido na Escola Estadual Berilo Wanderley, Natal/RN, entre os anos de 1999 e 2005, com estudantes adolescentes do Ensino Médio. Trata-se de um Estudo de Caso cujo objetivo é compreender “como” e “por que”, eles/elas optaram pelo fazer teatral desvinculado da grade curricular e ao concluírem o ensino básico, alguns deles/delas continuaram desenvolvendo a prática artística naquela escola e passaram a participar ativamente do contexto cultural da cidade de Natal, tanto no aspecto da fruição como na atuação artística, política, social e pedagógica.

    Abstract:

    This masters thesis discusses the studying and the teaching of drama and its implications among teenagers of the contemporary world. This paper also analyses an extracurricular project entitled “Drama in the development of citizenship”, which was carried out in the public state school Berilo Wanderley in Natal/RN, between 1999 and 2005 with high school students. It comprises a case study that aimed at understanding “how” and “why” they chose to take drama classes outside of the school curriculum and even after they graduated, some of them never left the school project and even started participating in the cultural and artistic context of the city of Natal quite actively, both as part of an audience as well as on artistic, political, social and pedagogical performance.

2013
Dissertações
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  • BIANCA BAZZO RODRIGUES
  • Crenças e quebranças de um corpo que dança: poéticas do benzimento na criação cênica.

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 25/02/2013
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  • RESUMO: O presente trabalho tem como foco discutir o processo artístico de uma artista-pesquisadora que parte da pesquisa de campo realizada com benzedeiras e benzedores do estado do Rio Grande do Norte. O objetivo é investigar o universo cultural popular da benzeção como elemento propulsor de poéticas para o fazer artístico em dança. Para discutir as diferentes etapas da pesquisa e as relações que se estabelecem entre a artista-pesquisadora, as benzedeiras e benzedores e a criação/composição cênica, toma-se como referência a metáfora metodológica da relação triangular criada pelo antropólogo Claude Lévi-Strauss, em sua discussão sobre a eficácia dos símbolos, adaptada ao contexto da benzeção. Para o diálogo entre os saberes populares da cura, da tradição, os saberes científicos e artísticos aborda-se como referencial de análise a metáfora criativa do tipo rizoma proposta por Deleuze e Guatarri, entendendo-a como um modelo epistemológico que procura formar uma rede de relações, nos platôs de intensidade da pesquisa. No universo da benzeção, benzedeiras e benzedores carregam um poder simbólico que emitido em orações sussurradas, em gestos peculiares que formam cruzes no espaço, curam aqueles que procuram suas rezas para aliviar seus desconfortos físicos e emocionais. Da mistura do saber popular, do saber artístico e científico, e entre ramos, santos, velas e conversas, que nasce um trabalho cênico, do processo artístico no contexto das Artes Cênicas, mais especificamente da dança, que possibilitou outros olhares poéticos e estéticos para nossa cultura popular, (re)afirmando seus valores culturais e humanos através da arte.

    ABSTRACT: This work is a discussion of the artistic process of an artist-researcher made from field research with ‘benzedeiras’ and ‘benzedores’ the state of Rio Grande do Norte. This is an investigation on the cultural universe of the popular ‘benzeção’ as poetic element to the artistic dance. To discuss the different stages of the research and the relationships between the artist-researcher, the ‘benzedeiras/benzedores’ and the creation/composition scenic, the work takes as reference the metaphor of methodological triangular relationship created by anthropologist Claude Lévi-Strauss, in his discussion on the effectiveness of symbols, adapted to the context of ‘benzeção’.For dialogue between popular knowledge of healing, tradition, scientific knowledge and artistic this work  approaches as analytical reference the creative type rhizome metaphor proposed by Deleuze and Guattari, understanding it as an epistemological model that seeks to form a network of relations, in the plateaus of intensity the research. In the universe of ‘benzeção’, ‘benzedeiras’ and ‘benzedores’ carry a symbolic power that issued in whispered prayers, in peculiar gestures that form crosses in space, heal those who seek their prayers to relieve their physical and emotional discomforts. The mixture of popular knowledge, artistic and scientific knowledge, and between branches, saints, candles and conversations, born an artistic scenic of artistic process in the context of  Performing Arts, more specifically dance, with other looks for poetic and aesthetic our popular culture, (re)asserting their cultural and human values through the art.

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  • FELIPE HENRIQUE MONTEIRO OLIVEIRA
  • CORPOS DIFERENCIADOS E O PROCESSO DE CRIAÇÃO DA PERFORMANCE “KAHLO EM MIM EU E(M) KAHLO”

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 04/03/2013
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  • RESUMO: A dissertação tem como objetivo realizar uma averiguação sobre o fazer artístico na existência dos seres humanos com corpos diferenciados na sociedade, em diferentes momentos históricos. Neste sentido e com base neste panorama, o estudo elabora uma descrição sobre a produção de estigmas e a forma como eles se instauram, se propagam e interferem na sociabilidade entre os seres humanos considerados normais e os com corpos diferenciados. No que tange as artes cênicas, o texto faz uma descrição acerca da participação dos artistas com corpos diferenciados na cena, especificamente do freak show e no teatro pós-dramático. O texto também investiga aspectos da biografia e da obra da artista plástica mexicana Frida Kahlo, os quais fundamentam os procedimentos metodológicos e produzem aportes para o processo criativo da performance Kahlo em mim Eu e(m) Kahlo, que consiste na investigação da prática da cena na dissertação.

    ABSTRACT: The dissertation intends to develop an investigation on the artistic existence in human beings with different bodies in society at different historical moments. In this regard and based on this scenario, the study develops a description of the stigmas production and how they are established, spread and interfere with the sociability among human beings regarded as normal and those with different bodies. Regarding the scenic arts, the text describes about the participation of artists with different bodies in the scene, specifically the freak show and postdramatic theater. The text also investigates aspects of the biography and the work of mexican artist Frida Kahlo, which underpin methodological proceedings and produce contribution to the creative process of performance Kahlo em mim Eu e(m) Kahlo, which is to investigate the practice of the scene in this dissertation.

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  • GUSTAVO HENRIQUE LIMA FERREIRA
  • O Sangyo em Dolls: um encontro do Bunraku com Takeshi Kitano

  • Orientador : MARIA HELENA BRAGA E VAZ DA COSTA
  • Data: 06/03/2013
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  • Resumo: Este trabalho tem por finalidade investigar as relações existentes entre o Teatro Bunraku e o filme Dolls (2002) do diretor japonês Takeshi Kitano. Para isso, foi feito inicialmente um estudo teórico desse teatro, elencando seus principais elementos, permitindo então, uma análise direta do filme, buscando revelar suas conexões com o Bunraku. O sangyo faz referência à presença simultânea de três artes no teatro Bunraku: a narrativa, a música e a manipulação de bonecos. Em Dolls, o diretor Takeshi Kitano apresenta uma narrativa por meio de três histórias distintas, todas elas construídas com referências ao Bunraku. Assim como nesse teatro três artes distintas se harmonizam no palco, em Dolls três histórias independentes vão se apresentar em harmonia no filme. Ao confrontar os dados do teatro Bunraku com os dados do filme Dolls, o objetivo é estabelecer as conexões entre a linguagem cênica do Bunraku, a dramaturgia de Monzaemon Chikamatsu e o cinema de Takeshi Kitano. Estas conexões permitem compreender como características de uma arte secular, regida por fortes regras e convenções, podem ser reapresentadas através de outra linguagem, no caso a linguagem cinematográfica.

    Abstract: This work aims to investigate the relationship between the Bunraku theater and the film Dolls (2002), by the Japanese director Takeshi Kitano. To do so, initially a theoretical study of this theater was done, detailing its key elements, and thus allowing a direct analysis of the film. The main objective was to reveal its connections with the Bunraku. The Sangyo refers to the simultaneous presence of three arts in the Bunraku theater: the narrative, the music and the manipulation of puppets. In Dolls, the director Takeshi Kitano presents a narrative through three different stories, all built with references to the Bunraku. As in the theater the three distinct arts harmonize on stage, in Dolls three separate stories will perform in harmony within the film. By confronting the Bunraku Theater with the film Dolls, the intention is to establish the connections between the scenic language of the Bunraku, the dramaturgy of Chikamatsu and the cinema of Kitano. These connections allow to understand how characteristics of a secular art, governed by strong rules and conventions, can be presented again through another language: cinematic language.

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  • CARLA PIRES MARTINS
  • Cravo do Canavial: Mímesis Corpórea e Maracatu Rural em Processo e a Construção de uma Dramaturgia Cênica


  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 25/03/2013
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  • RESUMO: Essa dissertação se deu a partir de uma investigação sobre a aplicação da Técnica da Mímesis Corpórea, sistematizada pelo Lume, Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp, associada à matriz do Maracatu Rural, especificamente do grupo Cambinda Brasileira (Nazaré da Mata – PE), a fim de fomentar o treinamento e o trabalho de composição do ator. A partir de uma metodologia empírica, que se utilizou da análise de experiências práticas – processo de aplicação da Mimese Corpórea e montagem de espetáculo teatral – associada à pesquisa bibliográfica, pude investigar caminhos de possível resignificação desta Técnica, utilizando elementos referentes ao ritual e ao jogo presentes na manifestação popular em questão e experimentar através da concepção do espetáculo Cravo do Canavial tais caminhos.

    ABSTRACT: The present dissertation has begun with an investigation about the application of the Technique of the Corporeal Mimesis, systematized by the Lume, Interdisciplinary Center for Theatrical Research of Unicamp, associated with the matrix of Rural Maracatu, specifically of the group Cambinda Brasileira (Nazaré da Mata – PE), with the purpose of promote the training and the composition work of the actor. Starting from an empirical methodology, which used the analysis of practical experiences – the application process of the Corporeal Mimesis and the construction of a theater play – associated with bibliographical research, I could investigate possible ways of re-signification of this technique, using components related to the ritual and the game present in the popular event in question, and experience such paths through the conception of the play Cravo do Canavial.

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  • ELAINE LIVIA MOLLA DE VASCONCELLOS
  • O TEATRO DO OPRIMIDO E SUA CONTRIBUIÇÃO NA FORMAÇÃO DA CRIANÇA COM TRANSTORNO DO DÉFICIT DE ATENÇÃO COM HIPERATIVIDADE.

  • Orientador : TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • Data: 10/04/2013
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  • RESUMO: Este trabalho tem por objetivo investigar as possíveis contribuições do Teatro do Oprimido e a utilização de suas técnicas, como recurso terapêutico na formação da criança com Transtorno do Déficit de Atenção com Hiperatividade. Em se tratando de pesquisa bibliográfica, faz-se na primeira parte dessa pesquisa um estudo teórico sobre: transtorno da Aprendizagem, transtorno da Atenção e Hiperatividade para conhecer os sintomas, as causas e os efeitos dessa síndrome. Na segunda parte analisa-se a relação Teatro-Terapia-Educação, para entender a importância dos jogos teatrais na sala de aula, identificando o espaço estético da criança; estuda-se o Teatro do Oprimido e suas possíveis contribuições para a formação da criança com TDAH; reflete-se sobre a ação da criança no palco teatral e no palco terapêutico. E na terceira parte apresentam-se algumas práticas registradas durante a pesquisa. Para discutir as diferentes abordagens do conhecimento, dialoga-se com autores como Paulo Freire, Augusto Boal, Spolin, Reverbel, Moreno entre outros. Através das ações do Teatro do Oprimido, constrói-se na escola X, um espaço do ‘possível’, surgem novas estratégias para o letramento, cria-se um espaço de inserção do teatro nas ações do PPP (Projeto Político e Pedagógico). Nota-se que o TO facilita a criança a sua inclusão no grupo e na sociedade, devolve a sua autonomia, criatividade, e espontaneidade, viabilizando a transformação de sua conduta, adquirindo o comportamento social desejado.

    ABSTRACT: This study aims to investigate the possible contributions of the Theatre of the Oppressed and the use of their techniques as a therapeutic resource in the education of children with Attention Deficit Disorder with Hyperactivity. When it comes to literature, it is the first part of this research a theoretical study: Learning Disorder, Attention and Hyperactivity disorder to know the symptoms, causes and effects of this syndrome. The second part analyzes the relation-Theatre Therapy Education, to understand the importance of theater games in the classroom, identifying the aesthetic space of the child; studies the Theatre of the Oppressed and their possible contributions to the education of children with ADHD; reflected on the effect of the child on stage and theatrical onstage therapeutic. And in the third part presents some practices recorded during the survey. To discuss different approaches to knowledge, dialogues with authors such as Paulo Freire, Augusto Boal, Spolin, Reverbel, Moreno among others. Through the actions of the Theatre of the Oppressed, builds up at school X, a space of 'possible', new strategies for literacy, it creates a space for insertion of the theater in the actions of the PPP (Project Political and Pedagogical). Note that the child TO facilitates their inclusion in the group and society returns to its autonomy, creativity, and spontaneity, enabling the transformation of his conduct, acquired the desired social behavior.

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  • LUCIANA INDAIA PERDONSINI DE OLIVEIRA
  • A Ideologia da Encenação: Uma análise dos aspectos cênico/ideológicos da encenação produzida pela indústria cultural.


  • Orientador : TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • Data: 11/04/2013
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  • RESUMO: A pesquisa que deu origem a essa dissertação adotou um conjunto de aspectos cênico/ideológicos, inerentes à encenação produzida pela indústria cultural, como objeto de investigação. A produção intelectual de Theodor W. Adorno e Max Horkheimer norteou as abordagens sobre o objeto, providenciando o conjunto de características cênico/ideológicas a ser explorado, pois, de acordo com os autores, encenações produzidas pela indústria cultural estão atreladas à ideologia dominante, visto que agem em favor da manutenção do status quo. O primeiro objetivo proposto consistiu na definição desse conjunto de características inerentes à encenação produzida pela indústria cultural, através da exploração de bibliografia produzida por Adorno e Horkheimer, de modo que foi possível definir um conjunto formado por nove elementos: Construção de personagens como tipos característicos; Estereótipos; Naturalização de linguagem estereotipada; Dramaturgia simplória; Reutilização de fórmulas dramáticas; Amor e Sexualidade como temas dos enredos; Utilização do elemento trágico; Representação objetiva; Aproximação de ficção e realidade. O segundo objetivo consistiu na análise de encenações produzidas pela indústria cultural atualmente, a fim de que fosse possível verificar se algum dos aspectos cênico/ideológicos, indicados por Adorno e Horkheimer em meados do Século XX, fazia-se presente em meio a encenações produzidas no início do Século XXI. Através da análise de três telenovelas, produzidas no Brasil no ano de 2012, foi possível verificar que os nove aspectos cênico/ideológicos buscados, indicadas por Adorno e Horkheimer, apareceram nas encenações observadas. Além disso, uma nova característica cênico/ideológica, não indicada por Adorno e Horkheimer, se faz presente: o merchandising

    ABSTRACT: The research that led to this dissertation adopted a set of scenic/ideological aspects inherent to the productions of the Culture Industry as its object of research. The intellectual output of Theodor W. Adorno and Max Horkheimer underscored the approaches on this subject, since it provides the same set of scenic/ideological features to be explored because, according to the authors, scenes produced by the culture industry are linked to the dominant ideology, since they act in favor of maintaining the status quo. The first objective was the definition this set of features inherent to the scene produced by the culture industry, through the exploration of literature produced by Adorno and Horkheimer, so it was possible to define a set composed of nine elements: Construction of characters as characteristic types; Stereotypes; Naturalization of Stereotyped language; Simplistic playwriting; Reuse dramatic formula; Love and sexuality as themes of plots; Utilization of tragic element; Objetive representation; Approximation of fiction and reality. The second goal was the analysis of scene produced by the culture industry nowadays, so that it was possible to verify if any scenic/ideological aspects indicated by Adorno and Horkheimer in the mid-twentieth century were present among the productions from this beginning of the twenty-first century. Through the analysis of three soap operas produced in Brazil in 2012, it was found that the nine scenic/ideological aspects as indicated by Adorno and Horkheimer appeared in the observed productions. Additionally, a new scenic/ideological feature, not indicated by Adorno and Horkheimer is present: the merchandising.

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  • MARINA MADEIRA DE TOLEDO
  • Dramaturgia do Aqui e Agora: Presença, Recepção e Sentido no Corpo do Ator.

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 12/04/2013
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  • RESUMO: O ator não é ator somente no momento da cena, é ator em todas as etapas de criação e desenvolvimento de seu objeto estético. Nesse sentido, em seu cotidiano o ator pode procurar utilizar suas potencialidades para captar e traduzir da realidade o material para seu trabalho criativo. Esta pesquisa possui caráter teórico e aborda o conceito de presença no trabalho do ator, colocando-o como conceito para além da cena, não isolado de outros componentes – entre eles o corpo, a palavra, o silêncio, a técnica, a representação – como uma postura do ator para com sua realidade, a fim de integrar-se ao meio ambiente que o cerca, equilibrando seu conteúdo interior com o conteúdo exterior. Para tanto, utiliza como aporte teórico encenadores que abordam o conceito de presença no trabalho do ator (BROOK; BARBA; GROTOWSKI; MNOUCHKINE) e os estudos da teoria da recepção (ISER, 1996; GUMBRECHT, 2010), traçando um paralelo dialógico entre as funções de leitor e ator, apontando ambos como receptores. Como exemplo prático do estudo sobre a presença, é feita aqui uma descrição do espetáculo de teatro de rua Kamchàtka, realizado pela Companhia Kamchàtka, localizando nesse espetáculo os elementos: jogo, escuta, palavra, silêncio, sentido, relação com o aqui e agora e efeitos de presença; citados ao longo da dissertação.

    ABSTRACT: The actor is an actor during all the phases of creation and development of his character. (S) He goes beyond the moment of interpreting. In this sense, in her (his) daily life, the actor may use her (his) potential to extract from reality the necessary elements for the work of creation. This is a theoretical research which focus on the concept of “presence” in the actor’s work, stretching the concept beyond the scene, encompassing different components such as the body, the word, the silence, the technique and the acting as the actor’s “stance” in regards to his own reality. The objective of such “stance” is to integrate him (her) self in the environment, balancing his (hers) inner life with the outside  life flow. To reach this objective, the research drew theoretical resources from the concept of “presence” in the actor’s work according to BROOK, BARBA, GROTOWSKI and MNOUCHKINE and the studies on reception theory in ISER, 1996; GUMBRECHT, 2010. Thus, the dialogue between “reader” and actor high lights both as receivers in this work. A practical description of a street theater Kamchàtka show, featured by the Kamchàtka Company is used as an example of the research on the presence. The elements localized in this show are: play, listening, word, silence, meaning, relationship with here and now and the effects of the said ‘presence’.

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  • CAMILA MARIA GRAZIELLE FREITAS
  • Leitora-Criadora: A Experiência Situada na Construção Dramatúrgica

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 30/04/2013
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  • Este trabalho tem por objetivo investigar o termo “leitora-criadora”, considerando os aspectos textuais presentes nas peças “A Morte nos Olhos”, “A Memória Ferida” e “Na Outra Margem” (2010) da autora Antonia Pereira Bezerra. Nesse sentido, propomos uma análise das obras baseada nas vivências da autora enquanto matéria criativa para a narrativa autoficcional, destacando as relações entre os elementos autobiográficos (LEJEUNE, 2008; DOSSE, 2009) e ficcionais para a construção das narrativas dramáticas.A análise teórica perpassa pelos estudos da Estética da Recepção (ISER, 1996), da memória (RICOEUR, 2007) e da narrativa (RICOEUR, 2010), pondo em evidência a relação da autora e a sua busca pelas lembranças e pelas experiências, material necessário para a elaboração da sua escrita.  Pretendemos, então, pensar um “leitora-criadora” de si mesma que ao mesmo tempo em que busca nas lembranças os aspectos biográficos necessários para sua narrativa, transforma essa realidade através da inserção de elementos ficcionais pela imaginação (SARTRE, 2008).

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  • CIBELE RIBEIRO DA SILVA
  • Corpo-devir: improvisação em dança na preparação do artista cênico

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 30/04/2013
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  • RESUMO: A presente dissertação tem objetivo como investigar a improvisação - tal como é realizada no contexto da Dança Contemporânea - como possibilidade de preparação corporal do artista cênico. Propõe realizar uma reflexão sobre o processo da preparação corporal proposto por mim através da observação dos procedimentos experimentados no Grupo de Pesquisa Corpo-devir, especialmente criado nessa pesquisa, que estudou e vivenciou a improvisação em dança e, ainda, apresentar relatos e reflexões dos participantes sobre sua experiência, com ênfase especial na possível contribuição para a formação dos artistas da cena. Justifica-se, assim, no ensejo de que o artista cênico usufrua dos conhecimentos trazidos pela prática da dança e se perceba sujeito criador da própria formação artística, e, ainda, que essa prática possa contribuir com perspectivas artístico-pedagógicas do corpo cênico, da cena e dos processos criativos nas artes cênicas. O trabalho tem abordagem qualitativa com tratamento descritivo das observações e está baseado em pesquisa bibliográfica, videográfica e somática dos procedimentos de improvisação em dança contemporânea. Os principais interlocutores teóricos dessa dissertação são Gilles Deleuze, Félix Guattari, Maurice Merleau-Ponty, Jorge Larossa, João Francisco Duarte Jr., Rudolf Laban e Klauss Vianna, sendo que os dois últimos e o coletivo Judson Dance Theater contribuem ainda, com as concepções metodológicas utilizadas nas oficinas.

    ABSTRACT: This master thesis aims to investigate the improvisation – as it is realized as the context of Contemporary Dance - as a possibility of body preparation of the scenic artist. It proposes to realize a reflection on the process of body preparation, proposed by me through the experiment procedures the observation with Grupo de Pesquisa Corpo-devir, specially formed in this research. This group studied and lived the improvisation in dance and also presented reports and reflections of the participants about their experience, giving special emphasis in the possible contribution for the formation of artists of the scene. In this way it is justified that the scenic artist enjoys the knowledge through the practice of the dance and realizes as being the creator of this own artistic formation. Also, the artist realizes that this practice may contribute with the artistic-pedagogic perspectives of the scenic group, of the scene and the creative processes in the scenic arts. The work has a qualitative approach, with descriptive treatment of observations, and it is based in bibliographical, video graphic and somatic of the improvisation procedures in contemporary dance. The main theoretical-practical interlocutors of this dissertation are Gilles Deleuze, Félix Guattari, Maurice Merleau-Ponty, Jorge Larrosa, João Francisco Duarte Jr., Rudolf Laban and Klauss Vianna, being the last two and the collective Judson Dance Theater, still contribute with methodological concepts used in the workshops.

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  • LARISSA HOBI MARTINS
  • Interface Cena e Tecnologia: composições cênicas mediadas.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 22/08/2013
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  • Partindo do pressuposto de que as artes no ocidente sempre dispuseram de recursos, suportes e dispositivos pertencentes ao seu contexto de época, pretende-se uma reflexão acerca de composições cênicas mediadas por tecnologias digitais. Tecnologias essas, que estão inseridas no cotidiano, passando também a compor experimentos artísticos, assumindo dessa forma um papel dialógico por meio da intersecção arte/tecnologia. Propõe-se assim investigar quais as relações que se estabelecem na cena teatral contemporânea a partir do contágio pelas tecnologias digitais, procurando traçar esse paralelo através do diálogo com autores que tratam do assunto, como também, valendo-se de práticas de grupos que tem no uso de recursos tecnológicos fator determinante em suas encenações. Além disso, se realiza uma reflexão sobre a cena que incorpora ou se perfaz em eventos intermidiáticos, analisando de que forma as tecnologias digitais (re)configuram os processos composicionais das encenações do GAG Phila7, da cidade de São Paulo/SP. Para tanto, a dissertação encontra-se organizada em três capítulos que contemplam quatro momentos, a saber: breve panorama do campo, contextualização, análise e síntese poética. Utiliza-se como proposta metodológica os métodos qualitativos: entrevista semi-estruturada, tomada de notas e documentos (programa, site, caderno de encenação, material de divulgação para texto publicitário, fotografias e vídeo de registro). Dentro do universo da pesquisa qualitativa, trabalha-se com a perspectiva epistemológica da hermenêutica filosófica gadameriana. As possibilidades abertas pelo duplo virtual (internet/web) gerou um tipo de teatro com outra base material e novas formas de organização e estruturação, sendo possível perceber que tais avanços tecnológicos e as artes se contaminam mutuamente, gerando um deslocamento na lógica da composição teatral, movimento iniciado com as vanguardas artísticas, que vem se intensificando gradativamente, abrindo possibilidades de construções e hibridizações das mais diversas possíveis. É nessa perspectiva que se encontra inserido o experimento Profanações _superfícies de eventos de construção coletiva, idealizado pelo Phila7. Alvo das discussões da referida pesquisa, o experimento trabalha com poéticas possíveis surgidas da intersecção com as tecnologias digitais, buscando apontar e problematizar os desafios advindos da evolução e expansão tecnológica em um contexto cênico.

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  • GISELE CARVALHO DA SILVA
  • A sala de aula em cena: uma pesquisa em ensino do teatro a partir da experiência docente.

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 30/08/2013
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  • RESUMO: No primeiro momento, apresentaremos ao leitor uma reflexão sobre a história do teatro e posteriormente uma contextualização sobre as movimentações didáticas voltadas para a área das artes cênicas. Através do dialogo constante com autores das áreas que envolvem educação, teatro, corporeidade e música, foi possível analisar, desenvolver e criticar um trabalho sob minha responsabilidade que envolvia quatorze turma. No segundo momento decorrerá uma autocrítica sobre a qualidade das aulas de teatro, consequentemente; os conteúdos e as metodologias. A técnica estará ao lado da emoção e juntas desenvolverão habilidades a fim de traçar caminhos para o teatro desenvolvido na sala de aula de uma escola da rede particular da cidade de Natal-RN. No terceiro momento uma turma é escolhida para análise da pesquisa e muitos experimentos acontecem após essa decisão, iniciados e sensibilizados através da música, com um olhar significante para a corporeidade e priorizando o teatro como conteúdo prioritário do nono ano – ensino fundamental II – Na conclusão, percebe-se que o aprendizado é mútuo entre o aluno e o professor, que o teatro pode fazer parte do cotidiano das pessoas, assim como as artes em geral, e quando todas elas forem regularizadas dentro do sistema nacional de ensino para as escolas públicas e particulares, teremos seres humanos mais sensíveis e mais capacitados intelectualmente também.

    ABSTRACT: At the first moment, we will introduce the reader to reflect about the history of theater and after a contextualization on didactic movements directed to the area of scenic arts. Through constant dialogue with authors of areas involving education, theater, music and corporeality, it was possible to analyze, develop and criticize a work under my responsibility involving fourteen classes. In the second moment will exist a self-criticism about the quality of theater classes, consequently, the contents and methodologies. The technique will be beside the emotion and together will develop skills to drawing ways for theater developed in the classroom of a private school in Natal-RN. In the third moment a class is chosen for analysis of research and many experiments will happen after this decision, initiated and sensitized through music, with a significant view to corporeality and prioritizing the theater with a priority content of the ninth year - basic education II - In the conclusion, it realizes that learning is mutual between the student and the teacher, that theater can be a part of everyday life, even as the arts in general, and when all of them are settled within the national education system for schools public and private, we will have humans more sensitive and more capable intellectually too.

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  • RAQUEL FRANCO ALMEIDA
  • A RUA É O PICADEIRO E O CÉU É A LONA: A criação de uma palhaça brincante

  • Orientador : NARA GRACA SALLES
  • Data: 02/09/2013
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  • RESUMO: Esta dissertação tem com objetivo investigar o meu processo de criação da palhaça Keke Kerubina, explicitando como a experiência na criação de uma palhaça abrange singularidades criativas e agenciamentos sensíveis ao longo do processo, que ressoam nas práticas expressivas do corpo, em ressonância com o espaço de atuação e ação cênica. Por conseguinte a investigação durante essa trajetória de composição foram revelando uma palhaça que crava sua comicidade, individualidade e atuação na exploração da corporeidade brincante advinda dos brinquedos populares maranhenses do bumba-meu-boi e tambor de crioula, o que gestou durante a pesquisa a noção de palhaça brincante. Esse contexto de abordagem também imbrica a análise do espaço cênico de criação e atuação da palhaça que é a rua, revelando-se como ambiente multifacetado de construções sígnicas, bem como de sujeitos e práticas sócio-culturais, sendo que este universo atravessa e influência o processo criativo em questão e são analisados na pesquisa a partir do jogo relacional entendido na tríade espaço urbano – palhaça brincante – público.  No último capítulo a pesquisa desvenda o estudo da prática da cena, levando em consideração a análise da encenação, teatralidade e atuação que conformam o espetáculo solo da palhaça em pauta, intitulado “Circuluz Brincante”.

    RESUMEN: Esta tesis tiene como investigar mi proceso de creación del payasa Keke Kerubina explicar cómo la experiencia en la creación de una payasa abarca singularidades creativas y conjuntos sensible a lo largo de proceso, que resuenam em las prácticas expressivas del cuerpo, en resonancia con el espacio de trabajo y acción escénica. Por lo tanto la investigación durante el curso de la composición se revela una payasa que se sumerge su comedia, individualidad, acción en la exploración de la corporeidad brincante derivado de los juguetes populares maranhenses de lo bumba-meu-boi y tambor de crioula, que gênero durante la investigación la noción de payaça brincante. Este enfoque tambiém se superponen el análisis de lo espacio escénico de la creación y acción de la payaça que es la calle, mostrando cómo el médio ambiente construcciones multifacéticos de signos, así como de los individuos y las prácticas socio-culturales, y esto universo cruza y influir en el proceso creativo y se analizan en el estúdio desde el juego relacional entendido en la tríada espacio urbano – payaça brincante – público. En el último capítulo la investigación describe el estudio de la práctica de la escena teniendo en cuenta el análisis de la encena, teatralidad y acción que conformam espectáculo del payasa en cuestión, titulado “Circuluz Brincante”.

13
  • YURI DE ANDRADE MAGALHAES
  • A Travessia do Trágico no Romance d'a Pedra do Reino de Ariano Suassuna.

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 23/10/2013
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  • RESUMO: Este trabalho busca investigar discorrer sobre a influência dos elementos contidos na Tragédia Grega, dialogando diretamente com aspectos míticos, poéticos e romanescos, no Romance d'A Pedra do Reino e o Príncipe do Sangue do Vai-e-Volta, de Ariano Suassuna. A obra tem como protagonista o sertanejo Pedro Dinis Quaderna que é um personagem simultaneamente popular, enigmático, ingênuo, e um intelectual dotado de uma notável erudição. Quaderna é um personagem que busca, por meio da Literatura, restabelecer um reino outrora perdido no sertão nordestino, onde ele seria herdeiro. Buscando constantemente exaltar o nordeste brasileiro, Quaderna busca tornar-se um poeta epoppeico tal qual Homero, apontando assim para uma forte influência da Epopeia. Assim como diversos personagens da Tragédia Grega, Quaderna possui um passado repleto de desgraças no seio familiar, e os fatos sucedidos a seus familiares como a morte brutal de seu tio Pedro Sebastião Garcia-Barretto, o desaparecimento de seu primo Sinésio, e a disputa entre os irmãos Arésio e Sinésio, remetemos entre outros aspectos, as notáveis influências, além das epopéias, das tragédias clássicas. Ao decorrer da leitura da obra podemos notar que as semelhanças entre o percurso de Quaderna e os heróis da tragédia grega são diversas. Para fins de análise acerca do fenômeno trágico na obra de Suassuna, o diálogo com diversos teóricos que discorrem acerca do romance com textos e personagens clássicos da tragédia grega. Nos capítulos desta dissertação busca-se proporcionar noções elementares da forma romanesca, bem como noções de tragicidade, o diálogo com o mítico, e a aplicabilidade dos aspectos trágicos e epopeicos na obra de Suassuna.

2012
Dissertações
1
  • MAYRA MONTENEGRO DE SOUZA
  • O Ator que Canta um Conto – A Manipulação de Parâmetros Musicais na Voz do Ator

  • Data: 12/03/2012
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  • RESUMO: Esta pesquisa se deu a partir de uma investigação sobre a fala teatral. Através de uma metodologia empírica – que analisou uma experiência prática de construção de uma encenação – e de pesquisa bibliográfica, a atriz/pesquisadora investigou possibilidades de manipulação de parâmetros musicais como recursos no processo de criação da voz do ator. A atriz/pesquisadora procurou unir teoria e prática, movida pelo desejo de buscar uma expressão vocal em cena que se concretizasse como movimento vivo e transformador. Este trabalho contém também o relato de experiências pedagógicas, nas quais a atriz/pesquisadora explorou estratégias para ensinar a apropriação de parâmetros da música na construção do trabalho vocal do ator. Verificando que a fala teatral está mais próxima do canto do que da fala cotidiana, ela concluiu que o ator pode compor música – assim como o faz um compositor de música – no processo de criação de suas partituras vocais. Por isso, constatou que é de fundamental importância um treinamento musical na formação do ator.

    ABSTRACT: This research started with an investigation about the theatrical speaking. Through an empirical methodology – that analyzed a practical experience of creating a play – and bibliographical research, the actress/researcher investigated ways to manipulate musical parameters as tools in the creation process of the actor’s voice. The actress/researcher attempted to connect theory and practice, moved by the desire to find a vocal expression in theater that unfolds as living and transforming movement. This dissertation also contains the report of pedagogical experiences, in which the actress/researcher explored strategies to teach the appropriation of musical parameters in the construction of the vocal work of the actor. Considering that speaking in theater is closer to singing than everyday speech, she concluded that the actor may compose music – as a music composer does – in the elaborating process of building vocal scores. Therefore, she demonstrated that it is of fundamental importance a musical training in the development of the actor.

2
  • JOSE VERISSIMO DE SOUSA
  • No palco, os quadrinhos: a influência do teatro judaico no desenvolvimento das histórias em quadrinhos modernas.

  • Orientador : TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • Data: 20/04/2012
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  • RESUMO: Esta dissertação tem como principal objetivo a sinalização de aspectos do desenvolvimento narrativo das histórias em quadrinhos modernas (HQs) a partir das suas relações com as artes cênicas, mais especificamente com o teatro iídiche (teatro judaico). A pesquisa foi feita partindo da análise da obra do quadrinhista Will Eisner, autor que possui um trabalho amplo e influente na sua área de atuação. Além disso, o autor também reflete claramente nas suas obras as tangências de aspectos narrativos existentes entre HQs e teatro. A metodologia adotada para este estudo foi qualitativa, com método de procedimento histórico comparativo, através de bibliografia.O estudo indica que, apesar de serem formas midiáticas a princípio distintas, as HQs têm com o teatro iídiche uma estreita relação de influências, no que tange as suas soluções narrativas.

     ABSTRACT: This dissertation has its main goal on signing the modern Comic Books` narrative development aspects. It goes from its relationship with performing arts, specifically with the Yiddish (Jewish theatre). The research was done from the Will Eisner´s work     analysis. He is a cartoonist and has a wide and influent in his area. Moreover he clearly reflects the similarities between Comic Books and Theatre. In this study was adopted the qualitative methodology on historic-comparative procedure through bibliography. The study indicates that, although their media and distinct principles, the Comic Books and Yiddish Theatre have close influence relationship considering their narrative solutions.  

3
  • LILIAN MARIA ARAUJO DE CARVALHO
  • Corpo, Música e Cena: Tramas de uma experiência no Projeto Pau e Lata

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 25/05/2012
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  • RESUMO: Esta dissertação discorre sobre as relações entre corpo, música e cena, tendo como objetivo investigar a preparação corporal do músico para a atuação cênica, com enfoque na percepção do corpo e na relação som e movimento como referências para essa atuação. O foco é a descrição da vivência de um processo de preparação corporal do músico para a cena, que considera o diálogo entre os aspectos sonoros e os aspectos gestuais e tem como lócus de investigação o Pau e Lata: Projeto Artístico-Pedagógico, projeto de extensão da Escola de Música da Universidade Federal do Rio Grande do Norte.  Os encontros de Preparação Corporal e Criação Cênica iniciaram em janeiro de 2011, com frequência de duas vezes por semana, e duração, em média, de três horas, cada. Tiveram a participação de nove componentes, no entanto foram considerados como colaboradores da pesquisa quatro deles, sendo uma mulher e três homens compreendidos na faixa etária de 19 a 30 anos, todos componentes do Pau e Lata. Para organização dos encontros a pesquisa tomou como referência principal a Antropologia Teatral, além de estudos da educação musical, já vividos no Pau e Lata. A pesquisa considerou como fontes para análise as anotações em diário de bordo, realizadas pelos participantes da pesquisa e pela pesquisadora, entrevista com os participantes, além de vídeos do espetáculo Sinfeiria em Três Movimentos, produto artístico do Pau e Lata, redimensionado pelos processos de treinamento pré-expressivo e criação cênica, vividos nos encontros promovidos pela pesquisa. Como resultados da investigação, é possível considerar que a realização dos encontros de Preparação Corporal e Criação Cênica proporcionou aos músicos do Pau e Lata a percepção da importância do treinamento a partir de princípios que envolvem uma técnica corporal para a ampliação da presença do corpo em cena no espetáculo musical para além da postura cotidiana. Os músicos internalizaram, no decorrer do processo, os princípios e os objetivos vivenciados no trabalho corporal e estes passaram a fazer parte da rotina dos treinamentos do grupo. Também, é possível constatar o redimensionamento da presença cênica dos músicos e da qualidade artística do espetáculo Sinfeiria em Três Movimentos, sendo perceptível uma melhor articulação entre os aspectos sonoros e gestuais.  

     

    ABSTRACT: This dissertation discusses about the relations between body, music and scene, with the purpose of investigate the corporal preparation of the musician to the scenic performance, emphasizing the perception of the body and the relationship between sound and movement as references for this acting. The focus is the description of a corporal training process with musicians for the scene, that considers the dialogue between the sound and gesture aspects, and which locus research is the Pau e Lata: Artistic-Pedagogical Project, extension project of the Music School of the Universidade Federal do Rio Grande do Norte. The meetings of Corporal Training and Scenic Creation began in January 2011, twice a week, during about three hours each. Nine components participated, but only four were considered collaborators – one woman and three men, aged 19 to 30 years, all members of the Pau e Lata. The meetings were organized with the Theater Anthropology as main reference, besides the musical education studies, already experienced in the Pau e Lata. The research considered as analysis sources the notes in the logbook, made by the collaborators and the researcher; an interview with the components and videos of the musical spetacle Sinfeiria em Três Movimentos, artistic product of the Pau e Lata, resized by the pre expressive training process and scenic creation, experienced in the training meetings promoted by the research. As results of this investigation, it is possible to find that the meetings of Corporal Training and Scenic Creation provided the musicians of the Pau e Lata the perception of the importance of a training based on principles that involve a corporal technique for an expansion of the body in scene in the musical spectacle beyond the everyday posture. The musicians internalized, during the process, the principles and the aspects experienced in the corporal training and these principles became part of the training routine of the group. It is also possible to realize the resizing of the scenic presence of the musicians and the artistic quality of the musical spectacle Sinfeiria em Três Movimentos, with an improvement of the relationship between the sound gesture aspects.

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  • RODRIGO CESAR DO NASCIMENTO XAVIER
  • Da Poética das Lágrimas a uma Poética do Riso: de Aristóteles ao One-man Show.

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 25/05/2012
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  • RESUMO: Desde a década de 1970, o mundo observa a fragmentação, o hibridismo, a pluralidade e a miscigenação que vêm tomando conta das artes da cena. A poesia contemporânea sente-se livre das regras clássicas; o teatro já não mais obedece às prescrições dos “manuais” poéticos; desaparecem as fronteiras rígidas entre os gêneros; os artistas deixam de representar para o público para dialogar com ele. Como consequência dessa evolução das artes cênicas, emerge nas últimas décadas do século XX e início do século XXI na cena brasileira o fenômeno derrisível objeto de estudo dessa pesquisa, o One-man Show.             Trata-se de um formato teatral que despontou no cenário brasileiro arrebatando a atenção do público em espaços alternativos, teatros e, como não poderia deixar de ser, também na internet, sendo muitas vezes confundido com o Stand-up Comedy. Uma pesquisa que delimite e busque identificar as características fundamentais do One-man Show brasileiro, faz-se necessária não somente pela ausência de estudos sobre o referido assunto, mas também para se compreender alguns aspectos da cena brasileira e da situação do riso e do cômico dentro dela. No primeiro capítulo, apresenta-se uma discussão sobre a comédia e o riso na antiguidade clássica, tomando os escritos de Platão e Aristóteles como ponto de partida; no segundo, são analisadas algumas das principais teorias clássicas do riso procurando identificar características gerais que permitam entender também a construção da comicidade; no terceiro, aborda-se de um modo geral o momento da cena teatral brasileira em que emerge o One-man Show e, no quarto capítulo, há a explanação acerca de tal fenômeno.

    ABSTRACT: Since the 1970s, the world observes the fragmentation, hybridity, plurality and miscegenation that are taking over the scenic arts. The contemporary poetry feels free of the classical rules; theater no longer obeys the requirements of the poetic "manuals"; the rigid boundaries between genres disappears; artists cease to represent to the public to talk with him. In the last decades of twentieth century                and in the twenty-first century, emerges the laughable phenomenon of One-man Show in the brazilian scene, object of this research, as a result of this evolution of the performing arts. It is a form of theater that emerged in the brazilian context, snatching public attention in alternative spaces, theaters and, as it should be, also on the Internet, often confused with the Stand-up Comedy. It is necessary a research that delimitate and pursue to identify the essential characteristics of the brazilian One-Man Show, not only by the absence of theoretical references  concerning this, but also to understand some aspects of the brazilian scene and the situation of laughter and comedy in it. In the first chapter, a discussion about comedy and laughter in classical antiquity is presented, using the writings of Plato and Aristotle as a starting point; in the second, some of the main classical theories of laughter are reviewed, attempting to identify the general characteristics that enable to understand the construction of the comedy; the third chapter generally dicusses about the moment of the brazilian theatrical scene in which emerges the One-man Show; and in the fourth chapter, there is an explanation about this phenomenon.

5
  • FREDERICO DO NASCIMENTO
  • Grupo Totem: a infecção pela performance e a encenação performática

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 26/05/2012
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    RESUMO: A questão da criação de encenações de matrizes híbridas tem demandado, há mais de três décadas, a atenção de diversos teóricos teatrais (COHEN: 1995; LEHMANN: 2007). O estudo de filósofos (DELEUZE & GUATTARI: 1995) tem contribuído para novas conceituações da cena. São práticas artísticas, que dependendo do contexto, vêm gerando cada vez mais, novas formas de encenação. Abordarei a questão da infecção do teatro pela performance, tomando como base o pensamento de Barbara Browning (1995), a partir da sua capacidade de penetrar e de invadir territórios, e instalar um novo sistema. Afirmo que o Grupo Totem (Recife – PE) foi contaminado pela performance e analisarei duas encenações performáticas do grupo, seus pontos de convergência e distanciamento. A primeira é Ita, a busca da origem, o devir animal; a segunda é Caosmopolita, o corpo como reflexo da urbanidade.

    ABSTRACT:

    The issue of creating productions ofhybrid matrices has demanded, for more thanthreedecades, the attention of several theater theorists (COHEN: 1995; LEHMANN: 2007). The study of philosophers (DELEUZE & GUATTARI: 1995) has contributed for new concepts of the scene. These artistic practices, depending on the context,have been generating,more and more,new waysof staging. I will discussthe issueof the theater’s infection by the performance, based on the thought of Barbara Browning (1995), from its capacity to penetrate and invadeterritories,and installa new system. I affirmthat theTotem Group (Recife – PE) wascontaminatedby the performance and analyze two performative plays of the group, their points of convergence and separation.The first one is Ita, the search for the origin, the animal devir; the second is Caosmopolita, the body as a reflex of urbanity.

     

6
  • JOEVAN SILVA DE OLIVEIRA JUNIOR
  • A Performance como Outro Lugar da Escrita: escritura, autoperformance e emergência.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 28/05/2012
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  • Resumo: Esse trabalho propõe pensar a ideia de uma escrita da performance associada à operação desconstrucionista a partir dos vetores de problematização com que são tratados determinados assuntos na performance Biokhraphia de Lina Saneh e RabihMroué.Com esse propósito procuramos localizar a performance num “outro lugar” que, funcionando como espaço de indeterminação nos possibilitou ressaltar a processualidade e a alteridade aporética como vetores de problematização da escritura. Nesse sentido, associaremos o conceito de escrita de si a um movimento de auto ficcionalização que, aqui, chamamos de autoperformance no qual o desejo de apropriação do diferente associado ao desejo de manutenção da alteridade enquanto inacessibilidade do outro caracterizam a disjunção própria da atitude desestabilizadora e desestabilizante da performance. Procuraremos, ainda, apontar o caráter emergente dessa escritura, de modo a configurá-la como um sistema de múltiplos textos interconectados que se auto organizam, prescindindo de referencial modelar, por meio de um processo contínuo de negociações entre o “eu” e o “outro”

    Resumé: Cedocument propose penser l'idéed’uneécrire de laperformance associés àl'opération desconstrutionist cà partir des vecteurs de problematization quisont traités descertaines questionsde la performanceBiokhraphia de Lina Sanehet Rabih Mroué. À cette fin, nous avons essayé de localiserla performancedans un autre lieu, travaillant comme un espaced'indéterminationnous a permis desouligner la processivité et l'altéritéde la natureaporétiquecomme vecteurs de problématisationde l'écriture. En ce sens, nous allons associerle conceptde l'écriture mêmeàun mouvement d'auto-ficcionalization qu'icinous appelonsautoperformancedans laquellele désir desappropriationdece qui est différentet le désir de maintenirl'altérité comme l'inaccessibilité del'autre caractérisentla disjonctionse caracteristique de l’attitudedéstabiliser et déstabilisantes de laperformance.Nous cherchonségalement à soulignerle caractèreémergent decette écriture, afin de la configurer comme un système demultiplestextesinterconnectésque auto s’organise, indépendamment du modèle de référenceà travers unprocessus continu denégociations entrele je et autres.

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  • RAPHAELLY SOUZA BEZERRA
  • AS INTER (AÇÕES) ENTRE ESPAÇO DO CORPO E O MOVIMENTO DANÇADO

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 15/06/2012
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  • RESUMO: Esta dissertação busca refletir a respeito das relações entre movimento dançado e espaço do corpo (cinesfera), e suas contribuições para a ampliação das possibilidades expressivas do sujeito ao dançar. Segundo Rudolf Laban não há espaço que seja vazio, pois este está sendo modificado e significado a todo o momento pelo movimento. O espaço existe porque interagimos com ele, ao mesmo tempo em que o movimento acontece configurando um espaço de significância que é incessantemente transformado. Neste sentido, espaço, corpo e movimento, aparecem nesta investigação enquanto interligados e interdependentes. Para esta discussão temos como principal interlocutor os estudos de Rudolf Laban. A pesquisa é de natureza qualitativa do tipo descritiva.  Trata-se de um contexto que abarca o fenômeno da dança e como tal se funda numa dimensão que não lida com o mensurável, mas sim com o cenário da arte, fecundo na sua infinita abertura à criação de múltiplas significâncias para o vivido. Propomos apresentar ainda um relato sobre o estudo prático desenvolvido na disciplina de Coreologia, do curso de Licenciatura em Dança da UFRN, e a análise das entrevistas aplicadas aos discentes deste componente curricular. As questões foram desenvolvidas de maneira a suscitar uma reflexão acerca da experiência dos entrevistados nesta disciplina, gerando assim material para que pudéssemos discutir o modo como os discentes percebem a dança a partir do estudo relacional entre espaço e movimento. Compreendemos que este estudo pode favorecer um entendimento das relações que o movimento experienciado no ato da dança vai tecendo junto à espacialidade que recebe e preenche nossos corpos, resignificando uma visão do espaço que o restringe a um mero lugar em que o corpo se move e dele se ocupa. Também favorece a reflexão em torno de um atentar sobre o corpo que se move e constrói uma espacialidade quando dança, trazendo desse modo para as Artes Cênicas uma possibilidade de pensar e vivenciar acerca da ampliação do gestual expressivo na dança e para além dela a partir do reconhecimento dos princípios que organizam o movimento humano apontados por Laban. Contribui ainda, para a formação docente dos alunos de Licenciatura em Dança no sentido de questionar os modos de apropriação dos conteúdos trabalhados numa disciplina de graduação no que se refere à disponibilidade do corpo para a dança. O trabalho dissertativo encontra-se dividido em três partes, denominadas de Impulsos, e ainda Por enquanto, as ponderações finais a respeito do percurso investigativo deste.

    ABSTRACT: This dissertation seeks to reflect about the relations between danced movement and body space (cinesfera), and their contributions to the expansion of the expressive possibilities of the subject on dancing. According to Rudolf Laban there is no space that is empty, because it is always being modified and signified at every moment by the movement. Space exists because we interact with it, at the same time movement occours configuring a signifcant space that is incessantly transformed. In this sense, space, body and movement appear in this research as interconnected and interdependent. For this discussion we have as main interlocutor the studies of Rudolf Laban. The nature of this research is qualitative and descriptive. This is a context that embraces the phenomenon of dance and as such it is based on a dimension that doesn't deal with mensurability, but with the art scene, fruitful in its infinite openness to the creation of multiple significances for what has been lived. We also propose to present a report about the practical study developed in the discipline of Coreologia in the licentiate course of Dance in UFRN, as well as the analysis of the interviews applied to students of this curricular component. The questions were developed in a way that lead to a reflection about the experience of those interviewed in this discipline, thus generating material for us to discuss how the students perceive dance based on the relational study between space and movement. We realize that this study may favor an understanding of the relations that the experienced movement in the act of the dance weaves along the spatiality that receives and fills our bodies, resignifying the vision of a space which is restrict to the mere place were the body moves and occupies. It also favors the reflections concerning the body that moves and creates spatiality when dancing, thereby bringing to the Performing Arts a chance to think and to experience on the expansion of the expressive gesture in dance and beyond it, led by the recognition of the principles that organize human movement pointed by Laban. It also contributes on the formation of the students in licentiate courses of Dance by questioning the ways to appropriate the contents worked in a graduation discipline as regards to the availability of the body for dance. This dissertation is divided in three parts, called Impulses, and also a (in) conclusion.

2011
Dissertações
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  • HÉLIO JUNIOR ROCHA DE LIMA
  • O TEMA NO PROCESSO CRIATIVO DA ASMARIAS COMPANHIA DE TEATRO.

  • Orientador : JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • Data: 11/04/2011
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  • Resumo: Inserida no contexto das ações educativas da Casa Renascer, entidade não-governamental, situada na cidade de Natal/RN, que tem como finalidade principal o acolhimento de crianças e adolescentes do sexo feminino em situação de vulnerabilidade, esta investigação centra-se na descrição e análise do processo criativo, no movimento entre tema e encenação, desenvolvido pela AsMarias Cia de Teatro ao longo de dez anos, que desencadeou a montagem do texto dramático, Mateus e Mateusa, de Qorpo Santo. A seleção de documentos em formatos de textos escritos, fotográficos e fílmicos para a reconstrução do processo criativo, está sendo orientada por uma metodologia de pesquisa baseada na arqueologia teatral, no paradigma indiciário e nas experiências narradas segundo as abordagens de Pavis (2005), Ginzburg (1989), e Benjamin (1985). Entrevistas com as atrizes da Cia de Teatro norteiam a sistematização dos jogos teatrais livres e temáticos, assim como, as escolhas dos objetos e figuras cênicas descritas e analisadas. No momento, percebe-se que o contexto em que o processo criativo foi realizado, e, os procedimentos na elaboração e no trabalho com o texto dramático associados ao caráter educativo institucional e suas opções metodológicas do ensino do teatro, inserem-se na abordagem da pedagogia do teatro.

    Abstract: Set in the context of the educational initiatives of the Casa Renascer, a non-governmental organization, located in Natal RN, which has as its primary purpose the care of children and adolescent girls in vulnerable situations, this research focuses on describing and analysis of the creative process in motion between theme and Regie (staging), developed by Asmarias Cia de Teatro over ten years, which triggered the assembly of the dramatic text, Mateus e Mateusa of Qorpo Santo. The selection of documents in formats of written texts, photographic and filmic for reconstruction of the creative process is being guided by a research methodology based on theatrical archeology, the evidential paradigm (The “indiciário” method or paradigm) and the experiences recounted according to the approaches of Pavis (2005), Ginzburg (1989) and Benjamin (1985). Interviews with the actresses of the Theatre Company guide the systematization of theater games and free themes, as well as the choices of objects and pictures and described and analyzed scenes.At the moment, we realize that the context in which the creative process was conducted, and procedures in preparing and working with the dramatic text associated with the educational institution and their methodological choices in teaching theater, fall into the approach of Pedagogy of the theater. 

2
  • MARCIO ALESSANDRO NUNES RODRIGUES
  • A CENA CONTEMPORÂNEA AOS PEDAÇOS: OBSERVAÇÃO DE UM EXPERIMENTO.

  • Orientador : NAIRA NEIDE CIOTTI
  • Data: 14/04/2011
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  • TENTAMOS NOS RELACIONAR NESSA PESQUISA COM OUTRA LÓGICA, DESCOBRIR UM CAMINHO DE ABORDAGEM PRÁTICA PARA NOS APROXIMARMOS DE UMA CRIAÇÃO COMPOSTA DE FRAGMENTOS E UMA BUSCA DE PARÂMETROS PARA A ESTÉTICA DA APROPRIAÇÃO. NESSE SENTIDO, ENCONTRAMOS RELAÇÃO COM O TEATRO COMPOSTO POR FRAGMENTOS, ONDE DIFERENTES ESTÉTICAS TEATRAIS SÃO APROPRIADAS E OS ESTILOS DE REPRESENTAÇÃO SÃO MESCLADOS UNS COM OS OUTROS. DISCORREREMOS NO PRIMEIRO CAPÍTULO SOBRE O TEATRO COMPOSTO DE FRAGMENTOS, E PERCORREREMOS PISTAS ATRAVÉS DE ALGUNS ENCENADORES NOS COMUNHOS DA CENA CONTEMPORÂNEA. NO SEGUNDO CAPÍTULO BUSCAMOS PROCEDIMENTOS E CONCEITOS DE ATMOSFERA DE MIKHAIL TCHEKOV (CHEKHOV, 1996), E A  TRANSIÇÃO DE ASPECTO-A-ASPECTO DE SOCTT McCLOUD (2005). NA TERCEIRA PARTE DESCREVEMOS A OBSERVAÇÃO DO EXPERIMENTO REALIZADO COM OS ALUNOS DO CURSO DE LICENCIATURA EM TEATRO NA UNIVERSIDADE REGIONAL DO CARIRI, JUAZEIRO, CEARÁ, NO ANO DE 2010. UTILIZANDO A METODOLOGIA DA PESQUISA-AÇÃO, OBSERVAMOS QUE A ESCRITA CÊNICA FINAL DO EXPERIMENTO, DENOMINADO "TOQUE-ME", E A APRESENTAÇÃO NAS CIDADES DO CRATO E BARBALHA, NO MÊS DE AGOSTO DE 2010, CONTINHAM ELEMENTOS DAS ESTRATÉGIAS DO TEATRO DE FRAGMENTOS E OS CONTEÚDOS CONCEITUAIS DO TEATRO CONTEMPORÂNEO.

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  • ANA CAROLINA STRAPAÇÃO GUEDES VIANNA
  • "A Experiência no Tai Chi: Possibilidades para Pensar o Corpo sem Órgãos e a Preparação do Ator"

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 26/04/2011
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  • Resumo: Embora a pesquisa no âmbito das artes cênicas tenha se desenvolvido substancialmente no último século, o ator, de modo geral, ainda hoje, carece de um repertório de referenciais específicos para apoiar ou orientar sua prática. Mas como o ator deve trabalhar a base material da sua arte, ou seja, seu próprio corpo? Partindo da prerrogativa de uma idiossincrasia presente no fazer teatral, este estudo pretende, a partir da descrição e reflexão acerca de uma vivência corporal com o Tai Chi, tecer relações entre essa experiência e os possíveis desdobramentos com relação à preparação do ator. A pesquisa tem por intuito também destacar os elementos de aproximação entre os princípios que regem a prática do Tai Chi e o corpo sem órgãos, idealizado por Artaud, na perspectiva de apontar possíveis contribuições no que diz respeito ao trabalho do ator. O trabalho aqui apresentado refere-se a um estudo de natureza qualitativa que considera a experiência do corpo na prática do Tai Chi como uma referência para dialogar e refletir acerca da preparação do ator. No teatro, o processo de preparação do ator pressupõe um constante refazimento do corpo através de determinadas práticas. A minha experiência no Tai Chi no âmbito dessa pesquisa me permitiu verificar que o trabalho a partir de técnicas corporais pré-estabelecidas pode ser uma forma de preparo técnico para o ator. À medida que amplia a consciência corporal, o Tai Chi promove uma maior liberdade de criação e expressão e proporciona ao ator a possibilidade de experienciar o corpo sem órgãos, o equivalente artístico do corpo cotidiano, a experiência do corpo presente, consciente, a base orgânica das emoções, através do qual é possível a materialidade das idéias.

     

    Abstract: Although research in the field of performing arts has substantially advanced over the last century, the actor, in general, still needs a repertoire of specific references to guide or support his practice. But how the actor must work the material foundation of his art that is his own body? Starting from a prerogative of a idiosyncrasy that is part of theater, this study intend, from the description and reflection about one physical experience with the Tai Chi, to weave relations between this experience and the possible developments of acting preparation. This research is also aimed to highlight the elements of connection between the principles that rules Tai Chi and the body without organs, idealized by Artaud, with the perspective of pointing possible contributions for actors’ work. The work presented here refers to a qualitative study that considers the body experience in practice of Tai Chi as a reference to dialogue and reflect about the acting preparation. The process of acting preparation presupposes a constant redoing of the body by certain practices. My experience with Tai Chi within this research allowed me verify that the work from established body techniques could be a way of technical preparation for the actor. As the body conscience expands, Tai Chi promotes a greater freedom of creation and expression, giving the actor the possibility of experience the body without organs, the artistic equivalent of the daily body, present, conscious, the organic foundation of emotions, in wich it is possible the materiality of ideas.         

     

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  • RUMMENIGGE MEDEIROS DE ARAÚJO
  • GERALD THOMAS E A (DES)ENCENAÇÃO DO MUNDO: AS PAISAGENS VISUAIS COMO GRAFIA DE INTERTEXTUALIDADES, CITAÇÕES E HIPERTEXTOS

  • Orientador : MARIA HELENA BRAGA E VAZ DA COSTA
  • Data: 29/04/2011
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  • Resumo: Esta dissertação de mestrado é fruto de uma inquietação pessoal sobre os “rumos” e a “forma” do teatro na contemporaneidade e a sua relação com as mídias na formação de organismos híbridos em termos gerais, e mais especificamente sobre como se organizam e se apresentam as possíveis ligações, e os diferentes níveis de contato existentes entre elas na construção da cena. O objetivo da pesquisa é estudar as ligações entre cena e mídia (projeção de imagens) na formação de organismos híbridos como sendo uma das características estéticas da condição pós-dramática do teatro contemporâneo no Brasil. Como estudo de caso, propõe-se investigar o conceito de paisagens visuais no contexto da obra do encenador brasileiro Gerald Sievers Thomas, mais especificamente suas encenações realizadas no Brasil no período que compreende a primeira década do século XXI, sendo Rainha Mentira (2007) o objeto empírico de análise, aplicação e discussão dos conceitos desenvolvidos no corpo do texto.

    Abstract: This work is the result of a personal uneasy about the form and development taken by contemporaneous theater concerning its relationship with other media to create new hybrid organisms and organizing itself through new possibilities, connections, as well as with different levels of arrangements in the construction of the scene. The purpose of this research is to study the connections between the scene and the media within the context of the formation of hybrid organism which is the key element. That stands for an aesthetic characteristic of the post-dramatic condition of contemporary theatre in Brazil. Thus, this work will investigate the concept of visual landscapes within the context of Gerald Sievers Thomas’ work in Brazil in the period of the first decade of twenty-first century having the play Rainha Mentira (2007) (Queen Liar, 2007) as the main empirical object of analysis, discussion and application of the theoretical framework developed in the text.

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  • ANTONIO LUIZ DE OLIVEIRA NETO
  • Possibilidades em Jogo: Um Estudo da (Re) criação da Vida Cênica do Ator

  • Orientador : ROBSON CARLOS HADERCHPEK
  • Data: 05/05/2011
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  • RESUMO: Essa pesquisa visa percorrer experiências práticas e teóricas que possibilitem levantar possibilidades para a criação e a recriação da vida cênica do ator, tendo em mente a necessidade do jogo teatral envolvendo a não-mecanização de concepções preestabelecidas, durante uma temporada longa ou em apresentações que ocorram em grandes períodos temporais. Nosso enfoque levará em consideração o ponto de vista do trabalho do ator e variadas outras instâncias (a repetição, o público, o parceiro de cena, a direção, as novas descobertas, a interioridade e exterioridade).

    ABSTRACT: The research objective go through practical and theoretical experiences that make possible to the creation and the re-creation of the actor´s scenic life, focusing the necessity of the play theatrical wrapping to non-mechanization of prearranged conceptions, during a long season or in presentations that happens in great periods. Our approach will take into account the point of view of the actor´s work and others various faces (the repetition, the public, the partner, the direction, the new discoveries, the inside and outside).

6
  • SANDRO SOUZA SILVA
  • DANÇANDO ÀS AVESSAS: Relatos de um processo de criação envolvendo antropologia teatral, “corpo sem órgãos” e aspectos da mítica hindu

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 17/06/2011
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  • Resumo: O termo corpo sem órgãos está presente em um poema do escritor, ator e encenador francês Antonin Artaud, escrito em 1947 e intitulado: Para Acabar com o Julgamento de Deus. Busco, nesta dissertação, a partir do que chamamos escrita cênico- investigativa, problematizar este termo e suas relações possíveis com o teatro e também com alguns aspectos da mítica hindu. Uno à idéia do corpo sem órgãos  o corpo em transe  presente nas histórias de um mestre indiano chamado Caitanya Mahaprabhu. Estas idéias, juntamente com o desenvolvimento de práticas que partem de alguns princípios da Antropologia Teatral, são estímulos para um processo de criação que destaca o trabalho de preparação e criação corporal do ator. A articulação entre os conceitos e a prática suscitam discussões onde me coloco como ator-pesquisador em processo.

     Abstract: The term body without organs is present in a poem by the french writer, actor and director Antonin Artaud, written in 1947 and titled: To Have Done with the Judgement of God. I aim, in this work, from what we call investigative scenic writing, to problematize this term and its possible relations with the theater and also with some aspects of the Hindu myths. I unite the idea of the body without organs with the body in trance present in the stories of an Indian master named Caitanya Mahaprabhu. These ideas, along with the development of practices that come from some principles of Theatre Anthropology, are incentives for a creation process that highlights the work of preparation and creation of corporeal work of the actor. The relationship between the concepts and the practice raise discussions about where I stand as an actor-researcher in process.

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  • ALAN CARLOS MONTEIRO JÚNIOR
  • Rosmaninhos... O entre do carvão ao corpo-em-arte de Ator-Brincante

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 22/06/2011
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  • Proponho nesta dissertação refletir sobre as experiências contidas na criação dos corpos-em-arte (FERRACINI, 2006a, b) que originaram o espetáculo rosmaninhos.... Este processo foi desenvolvido junto ao coletivo UZUME teatro de João Pessoa – PB, por meio de recriações e resignificações das corporeidades e fisicidades contidas nos passos, loas, aboios, cantos e evoluções observados nos modos como Mestre Zequinha brinca em seu grupo de Cavalo Marinho residente na cidade de Bayeux – PB, e a partir da apropriação do texto Hamlet de William Shakespeare. O corpo-em-arte é entendido neste trabalho como um corpo vetorial que dilata sua funcionalidade cotidiana, reconhecendo uma zona potencial de aprendizado capaz de gerar linhas de fuga criativas que desestabilizem o “sujeito centrado em uma individualidade e identidade” (FOUCAULT apud FERRACINI, 2006b, p.14), abrindo-o a diferenciação de si mesmo, indicando a possibilidade de existência de um si-outro e do espaço de troca-em-arte. Este processo de construção do corpo-em-arte a partir das formas de Mestre Zequinha brincar o Cavalo Marinho, foi orientado metodologicamente pela apropriação do coletivo UZUME teatro das etapas de Observação, Codificação e Teatralização contidas na técnica de mimeses corpórea proposta pelo LUME Teatro (Campinas – SP). Esse uso resultou em duas fases: Observação Ativa e Composição do corpo-em-arte. Através da repetição destas matrizes estéticas do Cavalo Marinho, os atores descobriram ações que codificadas e organizadas configuram seus corpos-em-arte, os quais, por sua vez, deram origem a um espaço de troca-em-arte vetorial ao encontrado no folguedo do Cavalo Marinho. Esta procura propôs os meios de potencializar o trabalho dos atores no que diz respeito a uma preparação que permitisse dilatar a presença cênica e estimulasse a produção de ações, as quais culminaram na montagem do espetáculo rosmaninhos...


     

     

    ABSTRACT: I propose with this paper a reflection on the experiences contained in the creation of the body-in-art (FERRACINI, 2006a, b) that originated the show rosmaninhos... This process was developed within the coletivo UZUME teatro from João Pessoa – PB, through recreations and  resignifications of the corporeity and physicality contained in the steps, loas, aboios, songs and evolutions observed in the manners that Master Zequinha plays in his group of Cavalo Marinho (Sea Horse), resident in the city of Bayeux - PB, and starting from the appropriation of the text Hamlet of William Shakespeare. The body-in-art is understood in this work as a vectorial body that dilates its daily functionality, recognizing a potential learning area capable to generate creative escape lines that destabilize the "subject centered in an individuality and identity" (FOUCAULT apud FERRACINI, 2006b, p.14), being open to the differentiation of itself, indicating the possible existence of an itself-other  and of the exchange-in-art space. This process of construction of the body-in-art based on Master Zequinha’s ways of playing the Cavalo Marinho was methodically guided by the appropriation of the coletivo UZUME teatro of the stages of Observation, Codification and Theatricalization contained in the technique of corporal mimeses proposed by the LUME Teatro (Campinas - SP). That use resulted in two phases: Active Observation and Composition of the body-in-art. Through the repetition of these aesthetic matrixes of the Cavalo Marinho, the actors discovered actions that when codified and organized can configure their body-in-art, which created a vectorial exchange-in-art space to what was found in the Cavalo Marinho folguedo (party). This search proposed the means of potentiating the actors' work when it comes to a preparation that allowed to dilate the scenic presence and stimulated the production of actions, which culminated in the mounting of the show rosmaninhos... 

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  • FRANCISCO ALEXSANDRO SOARES ALVES
  • O Nascimento da Gesamtkunstwerk Wagneriana

  • Orientador : TASSOS LYCURGO GALVAO NUNES
  • Data: 22/06/2011
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  • RESUMO: Este trabalho pretende analisar o surgimento da ópera de Richard Wagner enquanto antítese do modelo operístico predominante no século XIX, modelo tal que existe desde o final do século XVI, quando a ópera nasceu na Itália. Richard Wagner baseou a sua estética no entendimento, bastante íntimo e pessoal, da era trágica grega, de forma que pretendia, com seu teatro, o mesmo impacto social que a tragédia grega tinha com os antigos povos áticos. Minha análise é fundamentada tanto na obra teatral quanto na obra teórica de Richard Wagner. Sendo assim, também faço uso de textos de filósofos que Wagner leu ou que foram amigos íntimos do compositor, como Schopenhauer e Nietzsche respectivamente. As mudanças na forma musical e mesmo na capacidade de ouvir música, bem como o pensamento wagneriano expresso através de seus personagens dramáticos também são enfatizados nessa análise. É válido observar que Wagner não almeja emular a Grécia Antiga, como pretendia a Camarata Fiorentina. O que ele deseja é elevar o status da arte na vida moderna, dotando a arte do mesmo respeito sagrado que os antigos gregos tinham com relação a tragédia.   

    ABSTRACT: This study aims to examine the emergence of the opera by Richard Wagner as the antithesis of the model prevalent in the nineteenth century opera, such model that has existed since the late sixteenth century, when the opera was born in Italy. Richard Wagner based his aesthetic on the understanding, very intimate and personal, of the Greek tragic era, so wished, with its theater, the same social impact that Greek tragedy had with the ancient peoples attics. My analysis is grounded in both the theatrical work and in the theoretical work of Richard Wagner. Therefore, I also use texts of philosophers who Wagner have read or were close friends of the composer, as Schopenhauer and Nietzsche, respectively. The changes in musical form and even the ability to hear music, and the thought expressed through its Wagnerian dramatic characters are also emphasized in this analysis. It is worth noting that Wagner does not aspire to emulate ancient Greece, as desired by the Camarata Fiorentina. What he wants is to elevate the status of art in modern life, providing the same about the sacred art of the ancient Greeks had about the tragedy.

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  • ACÁCIA BATISTA DE OLIVEIRA
  • TRAJETOS CÊNICOS DO GRUPO PARAFOLCLÓRICO DA UFRN: que dança é essa?

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 08/07/2011
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  • RESUMO: Esta pesquisa tem como estudo de caso o Grupo Parafolclórico da UFRN cuja conformação estética é analisada, principalmente nas suas duas últimas produções, intituladas Flor do Lírio (2004) e Debaixo do Barro do Chão (2008). Temos como objetivos: refletir sobre a concepção estética que vem configurando as produções coreográficas do Grupo Parafolclórico da UFRN; discutir como se estabelece o diálogo entre os elementos da cultura popular com diversas linguagens artísticas no processo de composição das coreografias; identificar a conformação estética que atravessa o compor das coreógrafas dos dois últimos espetáculos produzidos, bem como as características dessas produções, as convergências e idiossincrasias que marcaram esses trabalhos. A partir do recurso metodológico da Análise de Conteúdo (BARDIN, 2006), foram realizadas entrevistas com as coreógrafas dos espetáculos mencionados e com o elenco participante dessas montagens, o que propiciou uma leitura flutuante das respostas e elaboração de eixos temáticos que foram discutidos no texto. No primeiro capítulo evidenciamos os trajetos motivacionais como a memória, as experiências pessoais, a pesquisa bibliográfica, a pesquisa in loco enquanto propulsores dos trabalhos de criação. Evidenciamos um posicionamento sobre cultura popular como um processo dinâmico que consegue dialogar com os acontecimentos do tempo presente promovendo, dessa forma, sua continuidade. No capítulo seguinte adentramos na conformação estética e nos elementos cênicos (figurino, iluminação, cenário, maquiagem) que integram os espetáculos estudados e comunicam a dança popular de maneiras diversas. Para embasar nossas ponderações em relação aos discursos dos sujeitos entrevistados, nos fundamentamos em autores como Robatto (1994); Lobo; Navas (2008), Burke (1989); Canclini (2006); Dufrenne (2005); Medeiros (2005); Pavis (2005); Silva (2005), entre outros. Esses autores nos deram um aporte teórico imprescindível que, juntamente com os depoimentos dos entrevistados, nos possibilitaram identificar que a concepção estética que vem se configurando no Grupo tende a estabelecer contatos com linguagens artísticas e com técnicas diversas de movimento. Essa realidade nos mostra que os trajetos cênicos realizados pelo Grupo Parafolclórico da UFRN apontam para uma concepção estética que não se fixa apenas na cultura popular, sobretudo suas danças, mas que pode interagir com outros meios para comunicar sua arte. Tal situação nos apresentou duas constatações interessantes em que, primeiramente, os intercâmbios realizados reafirmam o caráter dinâmico da cultura popular que, ao estabelecer contatos com outras realidades absorve influências, possibilitando sua própria continuidade. Outra constatação é que o contexto contemporâneo das artes também promove intercâmbios diversos, permitindo, dessa maneira, outras possibilidades de produções artísticas. Nesse sentido, o Grupo Parafolclórico da UFRN se insere na cena contemporânea por possibilitar novas leituras sobre as danças populares enquanto material criativo ao colocá-las em contato com outras formatações técnicas, estéticas, artísticas e culturais.

    ABSTRACT: This paper aims at studying UFRN Parafolclórico Group, whose aesthetic formation is subjected to our analysis, specially at its two last performances, that is, Flor do Lírio (Lily Flower), 2004, and Debaixo do Barro do Chão (Under the Mud of the Ground), 2008. Three targets are envisaged here: to analyze the aesthetic ideas backing Parafolclórico Group exhibitions; to evaluate how their many folk elements interact with different artist languages in order to compose a certain choreography; and finally, to identify the aesthetic conformation placed behind the two different choreographs of the last performances, their trends and innermost features that differentiate them. In accordance with the Analysis of Contents (BARDIN, 2006), interviews have been made with the choreographers and the staff of the spectacles, resulting in elucidating answers to the understanding of their thematic axis. On the first chapter we called attention to motivating subjects as recollection, personal experiences, bibliography research, research in loco regarded as propelling forces of the creative works. Herein, folk culture is depicted as a dynamic process opening a frank dialogue with contemporary events and reinforcing their continuity. On the second chapter, we approached the aesthetic conformation and the scenic elements (costumes, light, scenario, make-up), integrating the studied spectacles and disseminating folk songs in various ways. As what concerns the subjects’ discourse, we have obtained support in authors like Robatto (1994); Lobo; Navas (2008); Burke (1989); Canclini (2006); Dufrenne (2005); Medeiros (2005); Pavis (2005); Silva (2005), among others. Those authors have provided us with an indispensable theoretic support which, added to the interviews, convinced us that the Parafolclórico Group’s aesthetic conception tends to identify itself with the artist languages and other techniques of that Group. It also made sure that the Group’s course aims at an aesthetic conception which is not limited to popular culture manifestations, like dance, but admits to play with other media in order to communicate its art. In view of this situation, we arrived to two conclusions: first: the group’s interchanges emphasize the dynamic character of popular culture which, by establishing contacts with different realities, receives influences capable of extending its own continuity; second: the contemporary state of arts also improves multiple interchanges opening way, so, for many accomplishments in their field. Therefore, UFRN Parafolclórico Group inserts itself in the contemporary scenery by performing new evaluations of the popular dances as long as it puts them in contact with different technical, aesthetic, artist and culture combinations.

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  • RAIMUNDO NONATO SANTOS DA COSTA
  • Escarcéu e Escassez no Teatro de Mossoró: Percursos e Percalços de Uma Dramaturgia na Rua.

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 19/08/2011
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  • RESUMO: A pesquisa que ora apresentamos é resultado da análise da montagem do espetáculo teatral de rua intitulado A Árvore dos Mamulengos, decorrente da apropriação do texto dramatúrgico de autoria de Vital Santos, mantido em temporada durante os anos de 1989 e 2001, pela Companhia Escarcéu de Teatro, na cidade de Mossoró/RN. Mapeamos a partir das vozes e memórias dos atores e atrizes que vivenciaram a experiência da encenação, os desdobramentos e conquistas decorrentes dos doze anos da temporada. Em nosso estudo consideramos a importância da opção pelo espaço aberto de ruas e praças, local da representação do espetáculo, como fator catalisador das escolhas estéticas do grupo, e a adoção do processo colaborativo como metodologia de trabalho pelos realizadores da encenação, bem como, os determinantes sócios culturais locais em que o espetáculo foi realizado.

    ABSTRACT: This research is a result of the theatrical Street show named A Árvore dos Mamulengos, an appropriation of the drama text by Vital Santos, and that lead been in season from 1989 to 2001, with the Companhia Escarcéu de Teatro, in the city of Mossoró/RN, Brazil. The intention here is to mapping the voices and memories of actors and actresses experiences, the developments and achievements witch resulted from the twelve years season. In this study we leave taken under consideration the importance of the choice for the open space such as streets and squares as the main local for representation considering it as a catalyst factor of aesthetic choice. However, we`ve consider the option for the collaborative process as the methodology staging interpreters, as well as the cultural determinants that were taking place deeming the realization of the spectacle.

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  • TELMA ROMAO DE ALBUQUERQUE
  • AMPLIAÇÃO DE MOVIMENTOS NA DANÇA CIRCULAR COM PESSOAS COM DEFICIÊNCIA VISUAL

  • Orientador : JEFFERSON FERNANDES ALVES
  • Data: 09/09/2011
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  • RESUMO: O referido estudo tem como objetivo investigar de que maneira a dança circular contribui para ampliação do movimento de pessoas com deficiência visual no contexto em que se inserem e, portanto, aprendem a lidar com o movimento intenso de relação, de consciência, de apropriação e comunhão com o mundo. Na dança circular, metáfora cósmica, está presente o movimento do mundo que conta e transforma, de forma amorosa, a história da humanidade. Em Paulo Freire e Maurice Merleau-Ponty encontra-se o suporte necessário para discutir, tanto quanto possível, movimento e existência. A pesquisa-ação é assumida como enfoque metodológico, tendo como campo empírico o Instituto de Educação e Reabilitação de Cegos de Natal, envolvendo, diretamente, oito pessoas com deficiência visual. Os resultados da pesquisa mostram que a prática da dança circular tem influência na ampliação do movimento dos sujeitos da pesquisa, no desenvolvimento de uma melhor percepção de si, e das suas capacidades, nas relações Eu/Outro, Eu/Mundo, as quais se dão num contexto de diferenças. A pesquisa também constata que a prática da dança é fomentadora do encontro que possibilita a compreensão das limitações e superações como uma questão humana e, neste encontro da dança, a descoberta do próprio corpo e do corpo do outro, como fonte de ensinamentos e representação de si mesmo e do mundo.  Demonstra também desenvolvimento de um novo modo de pensar e agir sobre o quadro discriminatório que a pessoa com deficiência visual vive. No movimento, na dança circular, o divisor existente entre a deficiência visual e vidência perde a força.  

    ABSTRACT: This paper aims at studying how circular dance can afford to sight-disabled peoples’ movement and how they can learn to cope with the deep movement of relation, consciousness, appropriation and communion with the world. Inside circular dance, a cosmic metaphor, is inscribed the movement of the world, which tells and changes amorously the human history. In the works of Paulo Freire and Maurice Merleau-Ponty one can find the necessary support to discuss, as long as possible, movement and existence. Research-action is used as a methodological approach whose empirical center is placed on the Institute of Education and Rehabilitation of Blind, in Natal, which shelters eight sight-disabled adults. The research’s data reveal that the practice of circular dance concurs to enlarge the movement of the research’s subjects, to develop a more accurate perception of their selves and of their own capacities, as well as improve the relations Me/Others, Me/World, which require a context of differences. The study has revealed that the practice of dance develops a better perception of the limits and surpasses as a human condition and, in consequence, the discovery of one’s own body and the other’s body as a resource of lessons and representations of the self and of the world. It lets out the development of a new way of thinking and coping with discrimination surrounding the disabled persons. In movement, in circular dance, the barrier between sight disablement and vision loses force.

     

2010
Dissertações
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  • TATIANA DE MORAIS BARBOSA
  • "Mão Branca" em Cena: Dramaturgia e Violência no Mito Urbano

  • Orientador : ALEX BEIGUI DE PAIVA CAVALCANTE
  • Data: 15/03/2010
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  • RESUMO

     

     

    O presente trabalho analisa os desdobramentos, deslocamentos e apropriações do grupo de extermínio “Mão Branca” como um fenômeno possibilitador de tópicos caros à abordagem adotada, como o mito e a criação dramatúrgica.  Dentro da proposta teórico-prática, as reflexões, no âmbito teórico, e a intervenção artística no morro-palco de Mãe Luíza, buscou-se verificar, apropriar e transpor para o processo da oficina teatral no morro os tópicos levantados, devidamente manuseados e contaminados a partir do mito “Mão Branca” em uma leitura barthesiana. Desde o início da pesquisa, com a metáfora da “mão”, são encarados os personagens trabalhados, como “Mão Branca”, Prometeu Acorrentado, os guerreiros do sol, Exu, e tantos outros caros à literatura, na perspectiva de grandes monstros transgressores, em uma verdadeira genealogia foucaultiana do “anormal”. Desse modo, a partir do percurso realizado e do processo desenvolvido, pretende-se contribuir para as discussões sobre uma dramaturgia calcada em novos princípios, localizada em uma encruzilhada criativa, em um território de fronteiras, ou - para utilizar as palavras de Rubens Rewald - em uma “dramaturgia do caos”.

     

     

    ABSTRACT

     

    The present work analyses ramifications, shifts and embezzlements of the extermination group known as “Mão Branca” as an enabling phenomenon of subjects relative to our approach, such as the myth and the dramatic art’s creation. In the context of the theoretical and practical proposal – molded at the artistic intervention and at the theoretical reflexes established at the “shantytown-stage” named “Mãe Luiza” – verifying, appropriating and jumping the aforementioned proposal over to the theatrical worshops’ process at the shantytown were objectives that have been looked forward to, being the scheme duly handled and stricken whereof we may call the “Myth of Mão Branca”, in a Barthesian perusal. Since the very first moment of our research, taking into consideration the metaphor of the “Mão” (The metaphor mentioned above shall be understood taking into account the fact that “Mão” in Portuguese means “Hand”. In this manner, the extermination group known named “Mão Branca” may be translated to English as “White Hand”), we faced characters such as “Mão Branca” (White Hand), “Prometeu Acorrentado” (Chained Prometheus), “Guerreiros do Sol” (Warriors of the Sun), “Exu” (an orisha, an African deity), and so many others who concern to literature, each and every one taken into the perspective of great transgressive monsters, in a truly foucauldian genealogy of abnormal. In this sense, through our path and process, we aim to offer our contribution to the evocation of discussions about a dramatic art based on new principles, located at a creative crossroad (Crossroad - encruzilhada, in Portuguese - is also the place where one may leave offerings to African deities), in a territory of boundaries or, paraphrasing Rubens Rewald, in a “dramatic art of chaos”.

     

     

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  • ANA CLAUDIA ALBANO VIANA
  • Nós, Sós: Tramas de uma Composição Coreográfica

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 05/04/2010
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  • RESUMO: A pesquisa que ora apresentamos tem como objeto de estudo a relação entre processo de criação, dança e morte, pensada a partir da construção da composição coreográfica Nós, Sós, que se insere na configuração estética da dança contemporânea, tendo como referência principal as experiências vividas com a morte por suas dançarinas-criadoras. Objetivamos refletir sobre as possíveis relações entre morte e dança tendo como foco um processo de composição coreográfica; discutir um processo de criação coreográfica coletivo tecido a partir das experiências vividas com a morte por parte das dançarinas-criadoras; apontar trajetos de composição trilhados nesse processo de criação no que se refere à organização coreográfica, às escolhas das cenas e dos elementos cênicos a serem utilizados, ao pensar de cada dançarina-criadora e como estes pensares (idéias e partituras motoras) se entrelaçam para a tessitura da composição coreográfica; e refletir sobre o modo como o dançarino-criador organiza, atualiza e articula as possibilidades gestuais do seu criar-interpretar e seu significado para pensar a dança na contemporaneidade. As questões de estudo que mobilizaram nosso interrogar foram: Como o tema da morte pode desencadear um processo de criação coreográfica coletivo? Quais as contribuições do estudo para pensar a criação em dança na cena contemporânea? Quais os caminhos trilhados pelas dançarinas-criadoras quando da realização de Nós, Sós, no que diz respeito à elaboração e organização coreográfica e cênica? Trata-se de uma pesquisa fenomenológica que busca compreender os encaminhamentos que as experiências vividas com a morte promovem dentro de um processo de criação. Em todo o percurso realizamos leituras, diálogos com pesquisadores, artistas e estudiosos que se apresentaram como nossos interlocutores, investigamos procedimentos de levantamento, colheita e registros do material coreográfico, bem como a configuração e arquitetura coreográfica/dramatúrgica de Nós, Sós. Acreditamos que para empreender esta aventura o dançarino-criador e pesquisador se reinventa a cada projeto; ao mesmo tempo em que se reinventa abre vias que atualizam a linguagem da dança, na perspectiva de uma expressividade mais acentuada de artistas e/ou pesquisadores produzindo obras, artigos, livros, discutindo temas e assuntos pertinentes ao universo desta arte. As perspectivas de aprofundamento desta temática são vistas como bem-vindas e pertinentes no sentido de que possam atravessar regiões até então alheias e silenciosas à percepção do olhar que atualmente nos faz.

     

     

     

    ABSTRACT: The object of this study is the relationship between the creation process, dance, and death, under the construction of the choreographic composition "Nós, Sós" (We, Alone) within the aesthetic configuration of Contemporary Dance and presenting as its main reference the death experiences lived by its dancers-creators. Our purpose is to reflect about the possible relations between death and dance focusing the choreographic composition process led by the dancers-creators' experience with death; to point down ways of composition path used in this creation process in terms of choreographic organization, choices of scenes, and scenic elements to be used when which dancer-creator thinks about motor ideas and scores interwoven to compose a choreography; to reflect about the way the dancer-creator organizes, updates and articulates the gesture possibilities of his/her creation-interpretation and related meaning of dance in contemporaneity. The study questions were: how the theme of death may trigger collective choreographic creation process? Which are the contributions of this study to the thinking of dance creation in contemporaneous scene? Which were the ways followed by the dancers-creators of "Nós, Sós" regarding the construction and the choreographic and scenic organization? It is a phenomenological study that tries to understand the influence of death experience in a creation process. During the whole work we performed readings, dialogues with researchers, artists and authors; survey procedures, collection of choreographic data as well as the choreographic/ dramaturgic architecture of "Nós, Sós". To accomplish this adventure, the dancer-creator-researcher reinvents him/herself in each project; at the same time he/she opens ways to update the language of dance, in the perspective of the deeper expressivity of artists and/or researchers producing articles, books, discussing themes and issues related to the universe of this art. The deepening of this issue is welcome and appropriated in the sense that it will go through regions that were alien and silent until now.

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  • KEILA FONSECA E SILVA
  • O Corpo (Em)cena: Território de Polifonia

  • Orientador : TEODORA DE ARAUJO ALVES
  • Data: 28/04/2010
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  • Resumo: O presente trabalho propõe refletir sobre a polifonia como possibilidade metodológica para o ator desenvolver um treinamento pessoal e levanta a hipótese de que as artes, em suas especificidades, possuem princípios análogos que, trabalhados em um processo criativo centrado no corpo, desencadeia qualidades específicas da presença cênica. Para isso, alguns procedimentos do processo criativo do espetáculo solo “Medéia em Juízo” foram evidenciados na perspectiva de compreender algumas interações possíveis entre o corpo cênico e os saberes polifônicos, o que nos permitiu chegar a um treinamento pessoal a partir das possibilidades do corpo cênico trabalhado à luz da polifonia e desvelar as seguintes qualidades da presença cênica: a dilatação corpórea, a plasticidade do movimento, a precisão na execução dos movimentos, o senso rítmico e a coloração vocal. Desse modo, com base no processo epistemológico aqui construído e na própria vivência com diferentes territórios artísticos, foi possível compreender que a experiência polifônica cria memórias corporais que incorporam essas qualidades no corpo cênico e o permite ser-estar em cena de forma mais conectada com a sua história incorporada, fazendo dela uma possibilidade para novos trânsitos, novos diálogos, novos aprendizados.

     

    Abstract: This paper proposes a reflection on the polyphony as methodological possibility for the actor to develop a personal training and hypothesizes that the arts in their specificities, which have similar principles, worked in a creative process focused on the body, triggering specific qualities of presence scenic. Thus, some procedures of the creative process of solo play Medea em Juízo were highlighted in order to understand some possible interactions between the scenic body ringtones and knowledge, enabling us to reach a personal training from the scenic possibilities of the body working to light of polyphony and reveal the following qualities of stage presence: the expansion body, the plasticity of movement, precision in execution of movements, rhythmic sense and vocal color. Thus, based on the epistemological process built here and in our experience with different artistic territories, reveals that the experience creates polyphonic body memories that embody these qualities in the body can be scenic and being on stage in a more connected with their corporate history, making her a chance for new transit, new dialogues, new experiences.

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  • RONALDO FERNANDO COSTA
  • A Oficina de Iluminação Cênica e a Construção do Espetáculo: uma Proposta Pedagógica

  • Orientador : JOSE SAVIO OLIVEIRA DE ARAUJO
  • Data: 30/04/2010
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  • Resumo: O presente trabalho possui como objeto de estudo uma oficina básica de iluminação cênica direcionada a agentes cênicos a fim de instrumentalizá-los para alguns aspectos relacionados à iluminação. Buscamos, portanto, o desenvolvimento de estratégicas pedagógicas para a construção dos conhecimentos específicos sobre iluminação cênica, objetivando a mudança de uma práxis, tanto para seu desenvolvimento estético, como para seu ensino. A investigação, caracterizada metodologicamente como uma Pesquisa-ação, tenta despertar a criticidade nos sujeitos em relação à criação da luz de maneira mais compartilhada, e conta com a “dialogicidade” e a “abordagem problematizadora” como fundamentos metodológicos mobilizadores para a construção dos conhecimentos. Desta forma, os referenciais teóricos desta dissertação situam-se nos trabalhos de Paulo Freire no que se refere principalmente ao pensamento dialógico, nas sistematizações pedagógicas do Grupo de Estudos de Práticas Educativas em Movimento (GEPEM/UFRN) e nas produções do Laboratório de Estudos Cenográficos e Tecnologias da Cena (CENOTEC/UFRN), no que diz respeito à construção de uma prática educativa desenvolvida coletivamente, levando em conta a realidade dos sujeitos, estabelecendo relações entre os conhecimentos específicos da área ensinada e outras áreas do conhecimento, e, principalmente, que possa ser dinâmica e transformadora. 

     

     

    Abstract: The present work has as its object of study a basic stage lighting workshop targeted to scenic agents to enabling them into some aspects related to lighting. We seeked, therefore, the development of pedagogical strategies for the construction of specific knowledge of stage lighting, aiming to change a practice, both for their aesthetic development, as for their teaching. The research, characterized as a methodological action research attempts to arouse criticism in the subjects in relation to the creation of light in a more shared and has the "dialogue" and "problematizing approach" as mobilizers methodological foundations for the construction of knowledge. Thus, the theoretical framework of this thesis lie in the work of Paulo Freire with regard to thinking mainly of dialogue, the pedagogical systematization of the Group for the Study of Educational Practices in Motion (GEPEM/ UFRN) and in the productions of the Laboratory for Scenary and Scene Technology (CENOTEC/ UFRN), regarding the construction of an educational practice developed collectively, taking into account the reality of the subjects in connecting the expertise of the area taught and other areas of knowledge, and especially a practice thar can be dynamic and transforming.



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  • REBEKA CAROÇA SEIXAS
  • Convenção Consciente: A Produção do Espaço Cênico Meyerholdiano

  • Orientador : MARIA HELENA BRAGA E VAZ DA COSTA
  • Data: 31/05/2010
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  • RESUMO: Esta dissertação de mestrado é produto de uma reflexão teórica sobre o trabalho do encenador russo Vsévolod Meyerhold e os modos pelos quais as suas experiências iniciais foram determinantes não apenas para construção de uma identidade no seu trabalho como diretor, mas também para as diferentes formas de concepção e construção do espaço cênico que surgem no contexto do teatro moderno. São de interesse particular para este trabalho as mudanças inovadoras ocorridas no espaço e na arquitetura cênica introduzidas por Meyerhold no sentido de entender as formas pelas quais essas mudanças influenciaram o surgimento de novas dimensões estruturais e funcionais da cena no período e também um novo posicionamento dos encenadores no que diz respeito à relação cena / platéia. É de particular interesse para este trabalho os elementos que constituem o Teatro da Convenção Consciente, proposto por Meyerhold em 1905, e de que forma seus princípios geram, integram e influenciam o surgimento de uma nova tipologia de espaço e arquitetura cênica. Para tanto, serão examinadas e discutidas, a partir de registros fotográficos, algumas encenações de Meyerhold, sendo que ao espetáculo O Corno Magnífico (1922) será dedicada especial atenção.

     

    ABSTRAC: This dissertation is a result of a theoretical reflection about the work of Russian theatre director Vsévolod Meyerhold and the ways in which his initial experiments were crucial not only on what concerns the building of his own work identity, but also the construction of the various forms of conception and creation of scenic space and the way they have influenced modern theatre. This dissertation has a particular interest in the newly changes on the scenic space and architecture introduced by Meyerhold in order to understand the ways in which these changes have paved the way for the emergence of new structural and functional dimensions of the scene in the period and have also permitted a new position from the part of other theatre directors towards the actual importance and play taken by the public (the spectators). The constitutive elements of the Theatre of Conscious Convention, proposed by Meyerhold in 1905, and how its principles have delivered, integrated and influenced the emergence of new typologies of space and architecture is also of particular interest here. For this purpose, some of Meyerhold’s work will be discussed; though to The Magnanimous Cuckold (1922) will be given special attention.

     

     

     

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  • LENILTON TEIXEIRA DOS SANTOS
  • A Mística e suas Interseções Teatrais

  • Data: 11/06/2010
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  • RESUMO: Esta pesquisa traz a seguinte questão: Quais os elementos teatrais, presentes na mística que fazem interseção com o teatro? Realizada com militantes do MST, Inicialmente no Município Nova Cruz, junto ao curso de Pedagogia na terra, turma Bernardo Marim. Em segundo momento no centro de formação do MST Patativa do Assaré, na cidade de Ceará Mirim-RN. Tivemos como interlocutores militantes do MST. A pesquisa foi realizada sob uma perspectiva analítico-crítca com ênfase nos elementos teatrais eleitos por nós (ator, texto, espaço, espectador), através de entrevistas gravadas com os militantes.  Na primeira parte desta dissertação tratamos da prática da mística no MST, observando seu formato, sua estrutura e sua dinâmica de funcionamento, depois relatamos uma breve história do surgimento do MST. No segundo capitulo discutiremos os elementos estruturantes do fazer teatral, eleitos por nós (ator, texto, espaço, espectador) e suas interseções com o teatro. No terceiro capitulo analisaremos cada elemento (ator, espaço, texto, expectador/platéia) considerando a sua especificidade-interseção na mística e no fazer teatral separadamente. Por fim na conclusão apontamos os caminhos que essa pesquisa nos abre para futuros aprofundamentos de estudos.

     

    ABSTRACT: This research begs the question: What are the theatrical elements present in the mystique that intersect with the theater? Performed with MST activists, initially in the City New Cross, next to the pedagogy course on earth, class Bernardo Marim. Second time in the training center of the MST Patativa Assaré in the city of Ceará Mirim-RN. We as interlocutors MST. The research was conducted under an analytical-crítca with emphasis on theatrical elements chosen by us (actor, text, space, spectator), through interviews with the militants. In the first part of this thesis dealt with the mystical practice of the MST, noting its shape, its structure and its dynamics of operation, then report a brief history of the emergence of the MST. In the second chapter we discuss the structural elements of doing theater, elected by us (actor, text, space, spectator) and their intersection with the theater. In the third chapter will analyze each element (actor, space, text, viewer / audience) considering its specificity-intersection in the mystical and theatrical make separately. Finally in conclusion we point out the ways that this research opens us to insights into future studies.

     

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  • LEILA BEZERRA DE ARAÚJO
  • DANÇA E PROCESSOS DE CRIAÇÃO: UMA EXPERIÊNCIA PARA PENSAR O CORPO NA GAYA CONTEMPORÂNEA

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 02/07/2010
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  • O trabalho investiga o processo de criação da coreografia “A Partida”, realizado no período de 2006 a 2007, na Gaya Dança Contemporânea, projeto de extensão do Departamento de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Norte. O Objetivo é descrever esse processo de criação, considerando os elementos cênicos significativos para seus criadores, bem como discutir tais significados como ponto de referência de reflexões sobre o corpo no campo da dança. O percurso metodológico tem na experiência dos participantes do processo sua principal referência. Como meio de aproximação dessas experiências, foram realizadas entrevistas individuais como os sete sujeitos envolvidos: cinco bailarinos, um ator e uma diretora. O uso de imagens também foi significativo por permitir uma aproximação entre processo e produto coreográfico, dando um teor estético às falas dos sujeitos. Para análise das entrevistas foi utilizada a análise temática de conteúdos proposta por Bardin (1977). A análise dos dados considera que o processo de criação de “A Partida” significou para os artistas envolvidos compreender a criação artística a partir de um corpo cultural e social, simultaneamente individual e coletivo. Representou criar formas expressivas na dança mediante experiências particulares para o alcance do coletivo e intensificar as razões que os impulsionaram a criar artisticamente, através da produção e articulação de elementos cênicos, da expressão de variadas linguagens artísticas e da construção de uma dramaturgia individual e coletiva fundada no corpo. Significou também viver uma experiência inédita de construção coletiva e refletir sobre a técnica e a estética do corpo que evoca a dança contemporânea. Acreditamos que alguns apontamentos sobre as escolhas artísticas e estéticas do grupo e o seu fazer coletivo, no momento enfocado por esta pesquisa, podem ampliar a discussão sobre o corpo no contexto da arte e o papel do bailarino em um processo de criação em dança.

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  • ROSEANE MELO DOS SANTOS
  • DANÇA, CORPO E TÉCNICA: APONTAMENTOS PARA PENSAR A FORMAÇÃO DO BAILARINO

  • Orientador : KARENINE DE OLIVEIRA PORPINO
  • Data: 16/07/2010
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  • Esta pesquisa tem como objeto de estudo a relação entre corpo, técnica e dança na experiência de bailarinos/professores natalenses. Propomos como objetivos do trabalho: investigar os significados do corpo na vivência dos mesmos, bem como a relação dessas concepções com suas formações e discutir sobre a formação corporal do bailarino na contemporaneidade com enfoque na relação entre corpo e técnica. Dialogamos com autores de referência nos estudos do corpo, da dança e da técnica, dentre os quais destacamos: Foucault (2007), Porpino (2006), Mauss (1974), Barba (1995) e Serres (2003). Para o desenvolvimento da pesquisa, formulamos as seguintes questões: quais as de corpo de bailarinos que tiveram experiências com múltiplas técnicas e hoje concepções atuam na formação de outros bailarinos? Qual a relação entre essas concepções e a formação técnica vivenciada por essas pessoas? A pesquisa teve orientação na Análise de Conteúdo de Laurence Bardin, aplicada a depoimentos dos bailarinos sobre suas experiências com a dança. Foram investigados seis bailarinas e dois bailarinos, grupo delimitado a partir de alguns critérios: ter experiência em diversas técnicas de dança, ter no mínimo dez anos de experiência sistemática com essa linguagem, ter formação de nível superior e atuarem como professores de dança. No primeiro capítulo consideramos, para a análise, dois temas principais: formas de perceber o corpo e como o corpo é construído pela técnica, a partir dos seguintes eixos de discussão: a disciplina, os limites do corpo e a multiplicidade. No segundo capítulo, discutimos o contexto atual da dança, o treinamento e as técnicas de dança como desdobramentos do capítulo anterior. Com base nos discursos dos bailarinos e bailarinas entrevistados, foi possível perceber diversas concepções de corpo advindas de suas experiências de vida com a dança, as quais estão relacionadas à vivência de algumas técnicas de dança e outras práticas corporais que os fizeram pensar e compreender a dança de formas diversas.  A discussão em torno da relação entre concepções de corpo e técnica, na experiência dos bailarinos entrevistados, permitiu-nos a organização de três apontamentos que são apresentados como elementos de reflexão em torno da formação do bailarino na atualidade. Nesse sentido, apresentação dos apontamentos para a formação do bailarino, no segundo capítulo, pretende contribuir para um fazer artístico em dança que amplie o olhar do bailarino em relação às pluralidades de técnicas corporais, que possibilite à criação de uma dramaturgia corporal, que possa dialogar com as referências diversas da dança, ampliando as antigas e atuais, de forma contextualizada. Essa investigação nos revelou que o corpo, na dança, está constantemente em construção, entrelaçando-se com diversos saberes, construindo e ressignificando seu movimento na experiência do dançar. É um corpo com identidades múltiplas, que está marcado pela diversidade, incerteza, multiplicidade e diálogo.

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  • LAURICE MARIA MAIA DE LUCENA
  • O Ator-Dançarino e sua Dança Fluida: Energia e Pré-Expressividade


     

  • Orientador : LARISSA KELLY DE OLIVEIRA MARQUES
  • Data: 23/09/2010
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  • RESUMO: A pesquisa tem por objetivo o estudo da arte do ator-dançarino, delimitando seu campo em torno da energia cênica do artista, acreditando que o trabalho sobre tal elemento nos leva à criação de uma arte mais fértil e orgânica, ou seja, mais próxima da vida, como nos falava Antonin Artaud. Nosso intuito é ampliar o seu entendimento no contexto do teatro, partindo do terreno da Antropologia Teatral, desenvolvida por Eugênio Barba, tecendo relações com a Bioenergética, de Alexander Lowen, enfatizando a ideia de um corpo energeticamente vibrante. No que diz respeito à metodologia, no decorrer do seu processo, a pesquisa adquiriu uma natureza prioritariamente teórica e qualitativa. O espaço processual em que é possível experienciar o trabalho de preparação do ator e os seus significados para o atuar cênico foi onde nos debruçamos neste estudo, o que ratifica o caráter qualitativo da nossa investigação. Ao analisar o potencial de energia do artista cênico como algo perceptível e presente no corpo, possibilitamos a realização de um trabalho inserido em uma tendência contemporânea de valorização do sujeito sensível, atuante e inteiro, permitindo a busca de caminhos que levem ao reencontro com uma arte mais próxima do ritual. Acredito e busco, em meu treinamento de atriz, a realização de um teatro que se aproxime da atmosfera ritualística, mais especificamente no que tange às percepções no momento criativo aqui denominado de dança fluida, que ocorre durante um estado de dilatação corporal, em que se percebe a energia do corpo fluindo na realização de movimentos liberados, extracotidianos. Surgem daí algumas questões. São elas: Como a energia se desenvolve no corpo humano? Como podemos pensar criticamente sobre o trabalho de dinamização das energias do artista cênico? Que elementos presentes nesta dinamização das energias do artista cênico possibilitam uma atuação cênica em nível mais orgânico? É possível compreender aspectos espirituais e ritualísticos da existência corporal desse artista cênico como parte integrante de sua atuação orgânica? Norteamos estas questões estabelecendo um diálogo com autores que de algum modo tangenciam uma discussão em torno da preparação do ator na cena contemporânea como Eugênio Barba, Luiz Otávio Burnier, Alexander Lowen e Johan Huizinga. Este último, através das idéias que apresenta em torno do jogo, nos permitiu transitar de modo mais consistente entre os nossos principais campos de estudos, a Antropologia Teatral e a Bioenergética. Por fim, podemos afirmar que este é um estudo que nos permite, sobretudo, constatar a importância da realização de trabalhos corporais voltados para a dinamização de suas energias, seja através de um método psico-corporal, como a Bioenergética, ou por meio de determinados procedimentos técnicos já identificados e discutidos no campo do Teatro. Uma prática sobre as energias ocasiona uma renovação do fluxo da vida do corpo, e, nesse sentido, acreditamos que isto pode favorecer a qualidade do trabalho artístico do ator no que se refere à sua presença em cena, ampliando sua disponibilidade corporal, aguçando seus sentidos, bem como despertando o seu potencial criativo.

     

    ABSTRACT: The research aims to study the art of the actor-dancer, defining their energy field around the scenic artist, believing that the work on this element leads to the creation of an art more fertile and organic, that is, closer to life, as we talked Antonin Artaud. Our purpose is to broaden their understanding in the context of the theater, leaving the land of Theatre Anthropology, developed by Eugenio Barba, weaving relationships Bioenergetics, Alexander Lowen, emphasizing the idea of a vibrant body energetically. With respect to methodology, in the course of its process, the research took a nature primarily theoretical and qualitative. The procedural area where you can experience the preparation work of the actor and their meanings for the scenic work is where we focus in this study, which confirms the qualitative character of our investigation. When analyzing the potential energy of the performing arts as something tangible and present in the body, make possible the realization of a work entered into a contemporary trend of appreciation of the sensitive subject, an active and wide, enabling the search for paths that lead to a reunion with Art closer to the ritual. I believe and I seek in my training as an actress, performing in a theater that approaches the ritualistic atmosphere, specifically in regard to perceptions in the creative moment here called dance fluid, which occurs during a state of expansion body, which perceives the body's energy flowing in performing movements released, not daily. There arise some questions. They are: How energy develops in the human body? How do we think critically about the work of boosting the energies of the performing arts? What elements present in this dynamic energies of the scenic artist scenic allow a performance in a more organic? You can understand spiritual and ritualistic aspects of the existence of this body performing arts as integral parts of their performance organic? Guided these issues by establishing a dialogue with the authors that somehow touch on a discussion on preparation of the actor in the contemporary scene as Eugenio Barba, Luiz Otávio Burnier, Alexander Lowen and Johan Huizinga. The latter, through the ideas that presents around the game, allowed us to pass more consistently among our main fields of studies, Theatre Anthropology and Bioenergetics. Finally, we can say that this is a study that allows us, especially noting the importance of carrying out bodywork geared to boosting your energy, either through a method psycho-corporal, as bioenergetics, or through certain technical procedures have been identified and discussed in the field of Theatre. A practice on the energy flow causes a renewal of the life of the body, and in that sense, we believe that this can promote the quality of the artwork of the actor with regard to their stage presence, broadening its availability body, sharpening your senses and awakening their creative potential.

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